Humanismo, Crítica y...Café solo?

Mejor hablar de ese “estúpido arte” que no nos decepciona (columna de prensa)

2012-01-27T20:07:00.002+01:00

Esta semana he leído muchas cosas sobre la estupidez, esa cosa tan "humana". Rimbaud dijo poco antes de marcharse con Caronte: "ahora puedo decir que el arte es una estupidez". Enrique Vila-Matas le contesta en un artículo diciendo "Oh, claro, querido Rimbaud, por supuesto que la literatura, como toda forma de arte, es una estupidez. Aunque sin el arte la vida no tendría mucho sabor, acaso ni siquiera sentido". Vila-Matas 1, Rimbaud 0. Además, si habláramos de estupideces, creo que existe una buena colección de seres humanos que cumplen con todos los requisitos necesarios para formar parte de un selecto club donde no existe juicio ni valor alguno. Visto lo visto últimamente, donde miles de personas se manifiestan, donde la justicia no parece tal cosa y donde en los titulares de cada periódico tan solo se lee la palabra corrupción, me da la risa. Se preguntarán el porqué de mis carcajadas. Sinceramente, les digo que resulta irrisorio creer en aquello de que los tres poderes (ejecutivo, legislativo y judicial) funciona. El arte, la literatura o el teatro lo saben, por eso actúan en consecuencia y critican, aunque a algunos les parezca una estupidez supina. Alguien debe hacerlo, ya que no me parece muy instructivo ver cómo un grupo de personas se jactan de la sociedad como lo han hecho hasta la fecha y se "van de rositas". La vida nos decepciona en más de una ocasión, eso es algo irremediable. Así pues, para evitar mayor desazón, mejor dialogar sobre arte.

Las 'primaveras' árabes (artículo de prensa)

2012-01-26T20:16:00.000+01:00

Gema Martín Muñoz fotografiada por David Castro

"Los occidentales ignoran casi todo del mundo árabe”, decía en una entrevista la arabista española Gema Martín Muñoz. Esa afirmación, que data del año 2004, sigue siendo una realidad a pesar de que en el último año haya sido noticia esa revuelta social que ha pasado a denominarse Primavera árabe. Aún con todo, seguimos siendo meros espectadores y no analizamos --al menos la gran mayoría de la sociedad-- el valor de estos procesos que han provocado el derrocamiento de mandatarios y las muertes de un buen número de personas. Muchos de nosotros, bien por desconocimiento o, simplemente, por pasotismo, no llegamos a interpretar y/o comprender las enseñanzas y valores de “otras civilizaciones”.

El acomodamiento de vivir en un mundo occidental --esa sociedad del bienestar que nos han vendido, ese mundo globalizado que pierde credibilidad a marchas forzadas y donde los extremos cada vez se agudizan más-- han provocado que no sintamos la necesidad imperiosa de debatir, criticar o quejarnos. Dicho de otro modo, damos por sentado que todo es blanco o negro porque unos personajes altaneros nos lo dicen; y eso es algo peligroso. Si algo debería caracterizar al ser humano es “el preocuparse”, además de evitar que exista una sola interpretación de los hechos. Durante mucho tiempo, en esa pugna por ver quién goza de la hegemonía mundial, hemos sido partícipes de una única historia occidental. En este sentido, estábamos obligados a interpretar de un solo modo la realidad. Así pues, era lógico hablar de un “choque de civilizaciones”. El famoso sociólogo Samuel P. Huntington escribía en 1993 que el conflicto era inevitable. Declaraciones polémicas que vinieron dadas por esa visión egocéntrica del viejo continente europeo y la deslumbrante nación de George Washington. Normal que Gema Martín destacara que los occidentales no tenemos ni idea de lo que sucede en Oriente. Sin embargo, gracias al trabajo de algunas personas esta tendencia se da en menor medida.

Edward W. Said --intelectual del que aprendí muchísimo a través de sus obras Humanismo y crítica democrática o Representaciones del intelectual, ambas editadas por Debate-- dijo una vez que “el problema no es en absoluto el choque de las civilizaciones. Es el choque de las ignorancias”. Razón no le falta. Precisamente, el desconocimiento es uno de los grandes males de nuestro tiempo. Y no me entiendan mal, hablo de un desconocimiento provocado por ciertos intereses que luego revierten negativamente en el pensamiento y la enseñanza de cada uno. Recuerdo ahora una cita célebre de ese monstruo del celuloide llamado Orson Welles que decía algo así como: “Muchas personas son lo bastante educadas como para no hablar con la boca llena, pero no les preocupa hacerlo con la cabeza vacía”. Soy de los que opinan que es mejor permanecer callado a decir lo primero que se nos pase por la cabeza. Llámenlo cobardía, llámenlo prudencia; pero para opinar es mejor saber con certeza de qué se opina.

conocer lo ‘desconocido’

Por otro lado, y quizá por esa herencia quizá algo pesimista de los pensadores post-modernos, no creer en nada de lo que se dice o piensa es ya una costumbre. Sería de tontos pensar que existe un único discurso. Siendo conocedor de este hecho, reconozco que leí con gran entusiasmo hace ya muchos años a Amin Maalouf y su obra Las cruzadas vistas por los árabes. Creerán que es una memez pero poder leer la “otra” versión de un mismo hecho histórico enriquece al abrir nuevas perspectivas. Y sé muy bien que todo son interpretaciones, que la historia no puede ser objetiva en su totalidad, que siempre hay intereses ocultos. Aún así, no puedo dejar de pensar en que hay un sinfín de historias y pensamientos que indagar y que estudiar.

Imagino que se preguntarán, ¿a qué viene tanto rollo? Sinceramente, uno a veces reflexiona y se pierde. A pesar de eso, todo tiene un porqué. La visita que esta semana nos hará la directora general de Casa Árabe, Gema Martín Muñoz, me ha dado en qué pensar. Socióloga respetada y asesora de la Presidencia del Gobierno en dos ocasiones, Martín Muñoz es una referencia para comprender mejor al mundo árabe. Precisamente de eso hablará en el Ateneu de Castelló el viernes, 27 de enero, a las 19.30 horas, de las llamadas Primaveras árabes y el papel de las mujeres musulmanas en este importante cambio social y político.

Martín tiene claro que “el choque entre Occidente e Islam es una fabricación geopolítica que sirve para fomentar la guerra y ocultar la riqueza del intercambio entre culturas que forma parte de nuestra civilización contemporánea”. Yo añadiría también que esa fabricación geopolítica se recrudeció aún más debido a la importancia del llamado “oro negro”, el petróleo. Pero bueno, eso es otro cantar que nada tiene que ver con la conferencia que la profesora visitante en la Universidad de Harvard y colaboradora de proyectos con la Universidad de la Sorbona impartirá en Castellón. Martín Muñoz se centrará en el análisis de la evolución de los cambios políticos en los países árabes. Las revueltas populares contra los regímenes dictatoriales del norte de África y Oriente Próximo han supuesto una sacudida social y política de tal dimensión que va más allá de su ámbito geográfico y religioso. Han supuesto un cambio de ciclo en el mundo islámico de alcance histórico y mundial y no debemos permanecer ajenos a este hecho. Debemos ser capaces de comprender esos “otros mundos”. En eso consiste la sabiduría.

Cerrado por vacaciones (y quién sabe si algo más)

2011-12-12T09:19:00.000+01:00

Sin ilusión escribo estas líneas. He decidido dejar de publicar durante un tiempo. Últimamente lo veía más como una obligación, cosa que no me seduce lo más mínimo. Así pues, me despido. No puedo decir hasta luego, ni hasta pronto --porque no sé cuándo me apetecerá volver, si vuelvo--. Simplemente diré a reveure.

Artistas que van más allá (artículo de prensa)

2011-12-08T12:59:00.000+01:00

Obra de la serie 'La realidad es serial, como algunos asesinos', de Pepe Beas

Muchas veces, estamos tan obsesionados por centrar nuestra mirada en esa actualidad más “localista”, que no somos conscientes del trabajo que realizan algunos de los artistas ‘made in Castellón’ fuera de estas fronteras. En este sentido, puedo decir sin rodeos, que pecamos en exceso de mirarnos el ombligo --algo que, por otro lado, resulta lógico y normal--. No obstante, no quisiera parecer uno de esos que boicotean o miran con malos ojos todo aquello que tiene lugar en Castellón, más bien todo lo contrario. Si algo caracteriza a esta publicación es el interés por mostrar proyectos y realidades culturales que tienen lugar aquí. Ni más, ni menos. Aún con todo, son muchas las veces que miro hacia otro lado para ver si Castellón goza de un hueco notable dentro del panorama artístico nacional e internacional. Cuando compruebo que sí, que existen artistas, ideas y/o curiosos inmersos en lo artístico desperdigados por España, Europa o el mundo, se dibuja una amplia sonrisa en mi rostro. La razón de ese gesto, tan humano no es otra que la propia satisfacción y el orgullo por ver que el trabajo realizado en estas tierras tiene mucho que decir.

El próximo miércoles, 14 de diciembre, el videoartista argentino --aunque yo creo que se le puede tildar de castellonense porque lleva toda su vida aquí-- Pepe Beas será el encargado de inaugurar la XI edición del Festival de Vídeo de Turín. Asombroso, ¿no creen? Este certamen, titulado Video Dia Loghi durará hasta el 22 de este mismo mes y tiene su sede en la prestigiosa Galería Velan, Centro Arte Contemporáneo de Turín. Beas, que ya ha participado en anteriores ediciones con su obra videográfica, ha sido seleccionado, en esta ocasión, para abrir el festival, con parte de su obra fotográfica. Concretamente, el argentino desarrollará el tema de la seriación y su inevitable aliada, la repetición, titulada La realidad es serial, como algunos asesinos, que ya pudimos ver en el espacio de arte Coll Blanc de Culla. Las imágenes de Pepe Beas inciden, como bien remarca él mismo, “en recordarnos que en donde quiera que hallamos repetición, sospechamos que algo mecánico funciona detrás de lo viviente”. De esa desviación a lo mecánico, repetitivo y serial de nuestra existencia hablan sus imágenes que utilizan algunos elementos de una cinta transportadora para recordarnos que “la realidad es serial como algunos asesinos”.

La serie, la repetición, la vida en definitiva, que se presenta como una sucesión de experiencias que ya alguien vivió antes que nosotros, se plasman aquí con toda intensidad y, también, con toda poesía, por más que sean fotografías poco tranquilizadoras. Sin duda, que el arte de Pepe Beas viaje hasta Italia para inaugurar un festival de tales características es una noticia importante, de la que estar muy contentos. Aunque no lo crean, Beas exportará el nombre de Castellón y eso, amigos lectores, es importante para conseguir alcanzar algunas de nuestras pretensiones --esas que harían de la provincia una referencia absoluta dentro del ámbito artístico--.

más nombres

Además de Pepe Beas, otros artistas como Sergi Cambrils también participan en proyectos foráneos --aunque en el caso del peñiscolano tan solo debemos trasladarnos a la capital del Túria--. Cambrils inaugurará el 16 de diciembre, en la Universitat Politècnica de València el proyecto colectivo Room Art. ¿Y qué es exactamente Room Art? Pues una plataforma de investigación, estudio y respaldo de las producciones artísticas emergentes impulsada por ROMEU con el apoyo del Institut de Creativitat i Innovacions Educatives de la Universitat de València. La edición de este año se titula Alrededor del papel y el objetivo que se persigue es convertir en objeto de reflexión y concepto formulador de la obra al papel. Junto a Cambrils habrá otros once artistas y 12 críticos que mostrarán, hasta el mes de febrero, sus reflexiones.

El nombre de Mar Arza es otro de los que tenemos que citar, sí o sí, en este artículo, puesto que es una de las artistas más internacionales que tenemos. Además de ser la referencia de la galería Cànem en la feria internacional de Arco, Arza ha participado hace bien poco --de hecho finalizó el pasado día 3-- en una exposición en la galería Rosenfeld Porcini de Londres. Titulada MEMORY: new international sculpture, la castellonense estuvo acompañada por otra de nuestras mentes creativas más exquisitas, Rossana Zaera. Ambas dejaron el pabellón bien alto, de eso no hay duda. Rossana Zaera, basándose en la memoria personal y colectiva, ofreció una serie delicada y maravillosa de esculturas que recordaban las dificultades de la infancia y hacia una profunda reflexión sobre el paso entre la vida y la muerte. Por su parte, Mar Arza, cone se dominio sensacional que tiene con los textos y el papel --y en este caso, también la piedra-- versó su trabajo sobre la memoria que está ligada a un discurso filosófico sobre el tiempo y la imposibilidad de la permanencia.

El vila-realense Paco Dalmau es otro de los que últimamente está acostumbrado a hacer las maletas. Nueva York está siendo uno de sus destinos habituales participando en exposiciones colectivas en galerías de la talla de A-forest Gallery. Asimismo, ha viajado en los últimos dos años a Canadá y Japón, y creemos que seguirá volando y dejando volar su imaginación. Una gran noticia.

Como ven, Castellón exporta su arte por diversos rincones, sea a nivel nacional, sea a nivel internacional. La importancia de todo esto radica en que aquí hay grandes artistas y cabezas pensantes. Y que siga así.

De tanto en cuanto no va mal un buen tirón de orejas (columna de prensa)

2011-12-07T12:57:00.000+01:00

A veces es necesario que alguien nos aleccione o nos dé una buena reprimenda. Bien porque creemos estar en posesión de la verdad absoluta y pensamos que somos indestructibles --cosa que rozaría la pedantería--, bien porque hemos olvidado las cosas que realmente importan, aquello que nos hace humanos y nos reconforta. Esta semana leo una sentencia extraordinaria de un dramaturgo irlandés que lleva viviendo en España casi 40 años y que dice así: "Europa se olvidó de que la cultura es lo importante". Denis Rafter es el autor de este, para mí, buen "tirón de orejas". Lo cierto es, visto lo visto, que tiene bastante razón. Rafter remarcaba en una entrevista que en los últimos 20 o 30 años los gobiernos de la UE se han equivocado en algunos sentidos, como "en no ver que la comunicación cultural entre los países era lo más importante". Y es que la cultura, además de para entretener --como bien se encargan algunos de remarcar--, sirve como excelente punto de unión, como transmisora de una verdad que va más allá de los artificios propios de la economía. Europa fue durante mucho tiempo un excelente caldo de cultivo en este sentido --y digo fue porque ahora no se sabe muy bien qué es Europa y hacia dónde va--. En estos momentos, en los que estamos colapsados por tanta palabrería barata, veo más necesario que nunca la existencia de ese espíritu que abogaba por la cultura como plataforma para seguir creciendo, para evolucionar al fin y al cabo. ¡Ojalá fuera cierto!

Entrevista a... Giovanni Antonini

2011-12-04T09:54:00.000+01:00

Giovanni Antonini fotografiado por Uwe Arens

Tras deleitarnos con una actuación espléndida en el Auditori de Castelló, el director de Il Giardino Armonico, Giovanni Antonini, habló con nosotros sobre sus nuevos retos y sensaciones. Además, ofreció algunos consejos para aquellos que quieran dedicarse a la música. Una entrevista en exclusiva.

Pregunta: Cuando uno lee el nombre de Il Giardino Armonico sabe, perfectamente, que está ante una referencia absoluta dentro del panorama europeo e internacional. ¿El camino para llegar hasta ese punto ha sido muy difícil?

Giovanni Antonini: Ha sido un proceso que se inició hace muchos años, concretamente en 1985, cuando fundamos el grupo. Desde el principio, nuestra propuesta fue trabajar conjuntamente en la creación de un nuevo lenguaje interpretativo sobre la música barroca, unido todo esto a una gran inversión y un gran trabajo de investigación.

P: Después de su anterior actuación en Castellón, cuando interpretaron la ópera ‘Ottone in Villa’, dejaron constancia de su enorme valía. Enamoraron al público. Fue, sin duda, el concierto del año. Ahora estuvieron acompañados por Viktoria Mullova y con un repertorio distinto. ¿Cuáles fueron sus sensaciones?

G. A.: El programa que presentamos en Castellón tenía gran interés musical, basado en el concepto de “gusti riuniti” (gustos reunidos). En el Auditori ofrecimos un repertorio constituido de fragmentos que unen aspectos estilísticos de la música italiana, francesa y alemana. Así, disfrutamos de il Concerto Grosso de Haendel, un autor alemán que se trasladó a Inglaterra, que escribió esta pieza en un estilo francés pero que encontró el origen de la misma en Italia. Después, la ópera de Mascitti une la forma afrancesada de la ciaccona (chacona) con elementos del virtuosismo violinístico italiano. En Bach encontramos la gran síntesis del genio del ‘Kantor’ en la forma vivaldiana del concierto. Todo ello con la presencia de Viktoria Mullova, con quien hemos tenido el placer de colaborar años atrás. Creo que el concierto de Castellón tuvo muchos alicientes para los amantes de la música.

P: ¿ En qué proyectos están trabajando ahora?

G. A.: Entre los próximos proyectos de Il Giardino Armonico está la interpretación de la ópera Giulio Cesare de Haendel en el Festival de Salzburgo, donde contaremos con la gran Cecilia Bartoli, entre otras estrellas de la lírica actuales. Asimismo, estamos preparando la grabación de los conciertos de Antonio Vivaldi para flauta y flautino, que yo mismo interpretaré como solista. En enero y febrero del 2012 realizaremos una larga gira en la que tocaremos los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach y varios fragmentos de la obra de Telemann. Ya en el mes de septiembre, el grupo realizará una estancia en Eisenstadt (Austria), ciudad en la que Joseph Haydn trabajó durante muchos años y donde llevaremos a cabo tres conciertos basados en un repertorio dedicado a las sinfonías de Haydn, demás de algunas piezas de Vivaldi.

P: ¿Prefiere la libertad interpretativa o ser extremadamente fiel a la partitura?

G. A.: Creo que ser fiel al texto no contradice, en absoluto, el concepto de libertad interpretativa. Para mí, debería ser el punto de partida y el estímulo para que dé comienzo la fantasía del intérprete.

P: Aquí en Castellón contamos con un festival pequeño pero importante como es la Tardor Cultural de Vilafamés, donde han actuado desde Hopkinson Smith, Marc Hantaï, Paola Erdas, Eduardo Egüez, María Espada... Creemos que es importante que existan este tipo de eventos para enriquecer la cultura. ¿Usted piensa lo mismo?

G. A.: Absolutamente sí. Aprecio muchísimo los festivales como la Tardor Cultural de Vilafamés y, personalmente, insisto en que este tipo de certámenes tienen la misma importancia que los grandes acontecimientos musicales. Son necesarios. La realidad es que las citas como la Tardor Cultural son fruto del gran entusiasmo de aquellas personas que las organizan y de su amor por la música. Solo por eso, ya tienen un valor inmenso.

P: ¿Qué le recomendaría a un joven que quiera comenzar su carrera como músico?

G. A.: Mi consejo es que intenten crear un camino personal, invirtiendo su tiempo en la calidad de cada uno de sus trabajos y en la propia búsqueda, sin pensar --sobre todo en la fase inicial-- en el aspecto económico. Siempre he creído que la calidad, además de dar una satisfacción musical propia a cada músico, a medio y largo plazo nos conduce a ser más reconocidos en el panorama musical y en el propio mercado.

Resucitando a 'La Pepa' (Charla-entrevista a Diana Larrea)

2011-12-02T16:48:00.003+01:00

La artista madrileña Diana Larrea fotografiada por David Bausà

Compromiso social y político, preocupaciones, ideales, sentimientos, crítica y estética... Todos estos valores van unidos en la persona de Diana Larrea. La artista madrileña, que irradia sinceridad por los cuatro costados, acaba de presentar un novedoso proyecto de intervención en el Espai d’Art Contemporani de Castelló que se enmarca dentro de una iniciativa artística a nivel nacional comisariada por Jorge Díez, bajo la organización de Acción Cultural Española. Con motivo del próximo bicentenario de la Constitución de Cádiz, se ha creado un proyecto titulado 1812-2012. Una mirada contemporánea que recoge diversas propuestas en distintos ámbitos como el arte, la ilustración, la música contemporánea y popular o el audiovisual. Son varias las ciudades que participan en este particular homenaje a La Pepa, un texto que revolucionó por completo el país desde su promulgación, un texto que establecía por primera vez el sufragio universal, la libertad de imprenta, la separación de poderes, el reparto de tierras, la libertad de industria... Sin duda, la redacción de este escrito tan liberal supuso un cambio radical en la forma de pensar y actuar en una sociedad española que buscaba liberarse del yugo que suponía la invasión francesa de Napoleón. Ese aire reivindicativo es el punto de partida de este proyecto tan interesante que nos ha ofrecido la posibilidad de conversar con Diana Larrea, quien subrayó que la idea de su intervención parte del artículo 6º de la Constitución de Cádiz, aquel que dice: “El amor a la Patria es una de las principales obligaciones de todos los españoles, asimismo el ser justos y benéficos”. Larrea reflexionó sobre estas palabras y quiso extrapolarlas a un ámbito mucho más actual como están siendo las revueltas en el mundo árabe. Primavera árabe, que así es como se llama, se asienta, tal y como nos confesó, sobre dos puntos. “Por un lado, realizando un paralelismo entre los principios que ‘La Pepa’ ofrecía a la sociedad con aquello que el pueblo árabe reclama”, advierte. Realmente, ese es el enfoque correcto para valorar esta obra que parte “de la equivalencia de los valores democráticos que entonces propuso ese texto --vistos desde ahora--, esos valores que son universales como ciudadanía, derechos civiles, libertades...”. Ciertamente, esos son los aspectos que ahora mismo están defendiendo las revoluciones sociales que se están llevando a cabo en los países del norte de África y Oriente Próximo. Sin embargo, aún hay más. Si algo caracteriza a Larrea es, al menos para un servidor, la capacidad de sorprender con la imaginación.

arte y crítica

La segunda parte del proyecto de la madrileña hay que fijarlo en el lugar donde asienta su intervención, la fachada del EACC, donde da la circunstancia de que en ella ya existe otro proyecto como es la prótesis del arquitecto Santiago Cirugeda. Larrea se interesó por este montaje y “leyendo el proyecto de Cirugeda empecé a preguntarme el porqué esas prótesis están ahí, qué sentido tiene conferir esa estética industrial... Uno se da cuenta de que su pretensión es criticar los iconos arquitectónicos en los que se están convirtiendo los museos actuales a través de esas políticas estéticas en las que prima más el propio edificio que las obras que en él se expongan. Por eso le da esta apariencia industrial, imitando a algunos arquitectos famosos como Jean Nouvel, Herzog & De Meuron...”. Larrea confesó que “partiendo de esa crítica que realiza Cirugeda, yo doy un paso más y lo que hago es situar un jardín vertical, que parece se ha convertido en una moda en esos museos-iconos, y que sirven más como cebo turístico que no otra cosa”. Como ven, estamos ante un claro ejemplo de arte como crítica.

Durante la conversación surgieron temas muy interesantes como esa función crítica que posee el arte --función que yo creo necesaria, por otra parte--. “Yo creo que ahora más que nunca el arte actúa como crítica”, remarca la madrileña, quien a lo largo de estos diez últimos años ha hecho todo tipo de proyectos relacionados con aquello que denomina ‘arte público’. Consciente de que esa función crítica del arte no se entiende en muchas ocasiones, y consciente también de que existe un debate exacerbado --a mi entender-- sobre qué es arte o qué no, Larrea nos dice que “yo creo que hay muchos prejuicios con lo que debe ser arte y qué no. Hay gente que piensa, la mayoría, que debe ser un objeto para decorar o exhibir. Tenemos que lidiar con eso, no nos queda más remedio. Sin embargo, hace mucho tiempo que el arte dejó de tener una relación exclusiva con la belleza, con lo que es bonito o feo, si no con plantear determinadas cuestiones que pensamos que la gente debe reflexionar sobre ellas, y que pueden ser sociales o políticas. En este caso, en la intervención que yo hago en el EACC, quería hacer una imagen simbólica con ese florecimiento que está surgiendo en el mundo árabe con ese jardín vertical, en el cual he instalado flores artificiales con las banderas de estos países, y que conforman todas ellas a su vez el mapa político del norte de África para situar los países”.

Para muchos, esa conceptualidad que revolotea en torno al mundo del arte actual es un problema para acercarse al propio arte. Nada más lejos de la verdad. Al igual que tantos otros, soy de la opinión de que no todo debe tener un sentido o significado aparente, no hay que darle tantas vueltas. Eso es lo que nos ofrecen las manifestaciones artísticas del aquí y ahora. Son tantas las pretensiones, que no debemos aferrarnos a los prejuicios que unos pocos han propiciado con el tiempo. Algunos dirán que el proyecto de Larrea es demasiado abstracto o ininteligible. Yo, difiero. Además, resulta que “muchas veces se me ha criticado por hacer proyectos demasiado estéticos, formalmente atractivos. Yo creo que uno debe disfrutar de lo que hace --si es el artista-- o de lo que ve --si es el espectador-- y ya está. Parece que nos debemos estar justificando constantemente con cada obra que hacemos”, señala la propia Larrea.

Para entender esta obra, que podremos disfrutar en el EACC hasta --según tengo entendido-- el 19 de marzo del próximo año 2012, tan solo hace falta ser consciente de una verdad: los artistas también son ciudadanos de a pie. “El artista también se impregna de los acontecimientos que tienen lugar en el mundo, de las preocupaciones de la gente. Te empapas y te sientes implicado, eres un ciudadano más que busca manifestar con tu trabajo la opinión que tienes sobre ciertas cosas, como el movimiento del 15-M, las propias revoluciones árabes, etc.”, apunta con un tono preocupado Diana Larrea. Y, así es. Puede que en multitud de ocasiones no nos sintamos cómodos con las formas y los modos con que los artistas tratan ciertos temas. Puede, también, que creamos que son meros juglares y que ante la actual coyuntura económica no vale la pena pensar en ellos. Puede, que sean más necesarios ahora que nunca. Para mí, sin ese espíritu crítico que fomentan a través de sus obras ciertos artistas como Diana Larrea, perderíamos ilusión por seguir luchando por un mundo mejor, objetivo que perseguía La Pepa y ahora el mundo árabe. Diana Larrea, como buena exploradora y como ser preocupada que es, bien lo sabe.

Imagen del proyecto 'Primavera árabe' de Diana Larrea en el EACC

Cat's Squirrel

2011-11-23T10:45:00.004+01:00

¿Quién dijo que únicamente me gustaba el jazz? Parte IX

Pasen, vean, disfruten... (artículo de prensa)

2011-11-20T09:42:00.000+01:00

En un mundo donde todo se cuantifica, donde las estadísticas tienen la capacidad de hablar y reprochar, donde lo numérico llega a agotar y lo económico controla todo y a todos, resulta gratificante leer noticias como que las visitas a los museos y centros de arte en España ha crecido notablemente en los últimos años. Supongo que puedo decir lo siguiente: ¡estamos de enhorabuena! ¿No? Si de algo estamos seguros es de que las cifras no mienten --o eso se empeñan en recordarnos--. En este sentido, basta remarcar que en lo que va de año 2011 se ha incrementado ese número de visitas en un 11% con respecto al pasado año. ¡Toma castaña!

Como era de esperar, los grandes centros nacionales, como puedan ser el Museo del Prado, el Reina Sofía o el Guggenheim se llevan la palma. Por allí desfilan centenares de miles de personas al año. Para que se hagan una idea, tal y como remarcó el burrianense Manuel Borja-Villel, director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, “en tres años al frente de este museo, hemos logrado 1,5 millones de visitantes más”. Sin embargo, y a pesar de que nos encante retozar entre decimales, Borja-Villel sabe cuál es el verdadero ingrediente para obtener un éxito. Curiosamente, y para desgracia de los amantes de los pares e impares y de los números primos, lo importante “es crear estructuras de mediación para que el visitante se apropie del relato expositivo”. En otras palabras, presentar proyectos atractivos a nivel estético y conceptual para el espectador. Aún con todo, no vamos a negar de la necesidad del público. Sin él, el proceso y el sentido de una obra de arte no existiría --eso es algo que el catedrático de la Universitat Jaume I, Wences Rambla, siempre tiene muy presente--.

Saber que cinco veces la capacidad del estadio del FC Barcelona desfiló por el Prado durante la exposición que dedicaron a Velázquez, por citar un ejemplo, es algo digno de mención. Obviamente, pensar en esas cifras era impensable hace un par de décadas. Menos mal que las cosas cambian con el paso del tiempo --y en este caso, cambian para bien--. Parte de que esto haya sucedido la tienen los directores de los museos y centros de arte y sus respectivas políticas de captación. Abanderados de la difusión de sus colecciones, supieron ver en las exposiciones temporales una verdadera mina de oro. Algo lógico, pues a mayor variedad de propuestas, mayores posibilidades de ampliar el radio de acción y, por ende, mayor número de visitantes. Es así de simple.

cifras castellonenses

Si fijamos la vista en un marco más centralizado en nuestro quehacer cotidiano, decir que Castellón sigue, aunque a menor escala, esos mismos pasos. Mientras el año pasado se registraron un total de 230.345 entradas a nuestros museos, este año 2011, ya en el mes de julio, se superó más de la mitad de visitas que en el año anterior, lo que auguraba una buena temporada. Cosa que, al parecer, así será, puesto que aún quedan pasar las fiestas navideñas, donde el número siempre aumenta. El Museu de Belles Arts, el Teatre Principal, Espai d’Art Contemporani (EACC), el Auditori i Palau de Congressos, el Palau de Peñíscola y el Museu del Mar han visto cómo el público de Castellón ha apostado este año por acudir más a estos espacios. ¿Es o no es una buena noticia? Teniendo en cuenta que la cultura en general y los museos en particular son refugios en los que poder experimentar un sinfín de emociones estéticas, ideológicas e intelectuales, debemos apreciar el hecho de que la gente busque asilo en ellos. La realidad ya es suficientemente cruda como para buscarse todo tipo de quebraderos de cabeza, ¿no creen?

No es fácil llevar el timón de estos centros y museos de arte, a pesar de que su labor social es vital, a mi entender, para el bienestar mental de la ciudadanía. La cantidad de equilibrios que deben hacer es espectacular, creánme. ¿Saben lo complicado de estar cerca del público, de los políticos y de los agentes artísticos? Particularmente, me resultaría agotador. Sin embargo, los Ferrán Olucha, Lorenza Barboni o Juanjo Porcar, no se amedrentan ante tantas adversidades. Y bien que hacen, ¡qué caray! Si se rindieran tan fácilmente, si no buscaran acercar el mundo del arte a todos los castellonenses, quedaríamos a merced de la ignorancia --a lo cual me niego en rotundo--.

Me parece interesante recuperar unas declaraciones que en su día hizo la directora del EACC, Lorenza Barboni, cuando le preguntaron sobre el proceder del centro. Barboni remarcó que “los retos de un centro de arte son los mismos que plantea la propia contemporaneidad: mantener un diálogo constante con las distintas realidades que nos circundan y seguir cuestionándose a través de las múltiples relaciones con los artistas, comisarios, públicos. Es importante generar un programa de actividades paralelas, prestando la misma atención a las actividades y la didáctica que a las exposiciones”. Si leen atentamente, Barboni da en el clavo al decir que las actividades paralelas son esenciales. A día de hoy, un museo debe permanecer activo los 365 días del año. No hay que olvidar que son centros del conocimiento y su función es la de trasladar ese saber a la sociedad. En el Museu de Belles Arts tenemos actividades como La Harmonia del Museu, los talleres de grabado, decoración cerámica e, incluso de danza tradicional valenciana. En el EACC, el Espaicinema, Espaisonor y el Espaididàctic. Como ven, hacen bien los deberes y es bueno que el público les recompense de algún modo.

Mi México

2011-11-19T01:00:00.000+01:00

Detengo por unos breves instantes todos esos pensamientos que abarrotan mi mente a diario. Intento pensar, extraer de ese archivo de conexiones nerviosas interconectadas por las pocas neuronas que se apuntaron en su día a convivir con mi ser, una palabra: México.

No había prestado la suficiente atención a mi relación personal con ese territorio. Muchas veces, las revoluciones de nuestro cerebro van a tal velocidad, que no nos damos cuenta de ciertas cosas. Hoy yo me percaté de esa unión fantasma --y digo fantasma porque nunca viajé a la tierra de los mexicas--. Sin saber cómo ni porqué siempre ha estado ahí, conmigo. En época universitaria dediqué horas a la investigación "americanista", centrando mis búsquedas en la llamada Nueva España, en sus revoluciones decimonónicas, en esos históricos Miguel Hidalgo y Agustín de Iturbide. Esas experiencias las compartí con una natural de Zacatecas --dícese de uno de los 31 estados que junto con el Distrito Federal conforman las 32 entidades federativas de México--. Más tarde, justo antes de comenzar mi andadura periodística, marché a Barcelona para participar con gran ilusión en el festival literario Fet a Mèxic. Allí, en la ciudad condal, tuve la oportunidad de conocer, conversar y estrechar la mano a Jorge Volpi, Álvaro Enrigue, Guadalupe Nettel, José Eugenio Sánchez o Julián Herbert --también escuché con gran atención la ponencia del crítico literario Rafael Lemus--. Posteriormente, me empapé de esa antología creada por Lolita Bosch y publicada por Mondadori titulada Hecho en México. Pasaron los días, los meses y los años y me perdí por las calles de mi ciudad para acabar en un café al que siempre quise entrar pero nunca entré, un local que cambió su nombre y su rostro para hacerse llamar LUPITA y contar como maestra de ceremonias con una cariñosa y sonriente mexicana que porta el nombre de Karina. Mi mente busca perderse ahora por Kaan Kun, ese nido de serpientes. Este no es el alegato de un loco, tampoco son sombras en la noche ni una fiesta en una botella. Todo esto, lo que quiera que esto sea, es un cuento fantástico de instantes fugaces que marcaron mi persona. Mi México.

Esa forma de ser, de sentir

2011-11-18T17:22:00.004+01:00

"No es lo que haces, sino la forma cómo lo haces”. Esta frase del guitarrista John McLaughlin se pudo leer en las paredes de la plaza de la Trinidad de San Sebastián durante el concierto que ofreció en el Jazzaldia. Una frase muy acertada para intentar reflejar parte de la esencia de lo que es el jazz. No nos engañemos, el jazz es una forma de ser y de sentir, un modo de entender la vida. El jazz es ritmo, alegría, melancolía, es algo doloroso, algo liberador, hermoso y complicado, simple y escurridizo. Además, una vez te atrapa en su tela de araña, ya no puedes escapar, caes en su red de notas e instrumentos, te dejas llevar por sus canciones con sabor agridulce, con aroma de café y recuerdos. Escuchar jazz es como ver entrar por la puerta de un garito a esa diosa que deja helado a cualquiera con una simple sonrisa o ilumina toda una sala con una mirada cómplice. Impacta y provoca, seduce y enamora.

Algún lector creerá que he sido abducido por un ente maligno, que me lavaron el cerebro o tomé alguna sustancia alucinógena. Sin embargo, escribo desde mis entrañas, porque el jazz no surge necesariamente del corazón, es mucho más terrenal, más profundo y complicado. Egoísta, ingenuo a veces, intelectual, paciente, extrovertido a la par que introvertido, serio y excitante, el jazz nos sumerge en un mundo donde lo evidente no resulta tan claro, donde existen contradicciones constantes, donde pasión y lujúria confluyen, donde es posible alcanzar la redención. A lo largo de mi no tan larga vida he escuchado infinidad de discos de jazz y siempre encuentro algo que me noquea. A veces es un leve sonido, otras un fraseo o un gesto que simplemente intuyo, una simple pausa... ¡Qué poder hipnotizador!

Una amiga mía dice: “nuestro jazz, maldita matriz, maldita adicción...” Y es verdad, es adictivo y lo haces tuyo para siempre.

Leer, un momento revelador

2011-11-17T12:23:00.002+01:00

Puede que sea la persona menos indicada para hablar de todo y nada. Muchos verán cómo me permito ciertas licencias y lo criticarán con fervor. Otros, por el contrario, creerán que hay algo de verdad en mis palabras. Cada cual, que piense lo que quiera. Aún con todo, y a pesar de todo, intento ofrecer una versión del ámbito cultural de la provincia donde paso mis días. Será mejor o peor, eso está claro --no llueve al gusto de todos, por desgracia--. En este sentido, quisiera dirigir el punto de mira hacia una iniciativa que creo tan interesante como necesaria para el devenir de nuestros futuros ciudadanos: nuestros peques. La actividad no es otra que la organización nacional del Día de las Librerías.

Este acontecimiento, que tendrá lugar en distintos puntos de la geografía española el próximo 25 de noviembre, tiene su origen en Castellón y su Gremi de Llibreters. Ellos tuvieron la, para mí, genial idea de organizar una jornada de puertas abiertas para fomentar la lectura y el mundo del libro --esa cosa tan enigmática e imprescindible-- y fueron ellos quienes trasladaron la propuesta a la Confederación Española de Libreros (CEGAL). Así, las librerías que quieran participar en este peculiar proyecto pueden hacerlo libremente para acoger hasta las 22.00 horas a todo aquel que quiera sumergirse en el universo de lo literario.

Dicen que “el regalo de un libro, además de obsequio, es un delicado elogio”. Yo así lo creo. Ese preciado instante simboliza un intercambio de poderes. ¿Y qué poderes son esos? La capacidad de imaginar, soñar, reír y llorar, entre otros. El libro es nuestro guardián de la palabra, forjador de leyendas, pozo de inspiración. Regalar un libro significa compartir ese universo mágico. De ahí el elogio. Saber que puedes regalarle un libro a alguien es saber que esa persona siente curiosidad por la vida y sus misterios.

Descubrir las posibilidades que se esconden tras la lectura es, probablemente, uno de los momentos más impactantes y reveladores en la vida de uno. ¿Saben cuántos autores existen? ¿Saben la cantidad de historias que aún quedan por leer y releer? ¿Saben cuántas son las emociones que se impregnaron en páginas y páginas de manuscritos perdidos? ¿Saben la necesidad de contar vivencias y experiencias? Es, simple y llanamente, fascinante. Ser consciente de que poder explorar esos rincones literarios es muy posible y reconocer que está al alcance de quien quiera, supone un valor añadido. En Castellón, el Gremi de Llibreters lo tiene muy claro y por esa razón se vuelca en algo tan específicamente humano como es fomentar la lectura, acercarla a los niños --esas esponjas a las que debemos proteger--. A través de ese acto aprendemos, evolucionamos y nos reconocemos. Es así de simple --y complicado a la vez, porque todo proceso es complejo en sí mismo--. Ya saben, el día 25 de noviembre, conviértanse en un amante del libro más.

Ilustración de Leonard Beard

Venecia frenética, Venecia turística, Venecia artística

2011-11-12T19:43:00.001+01:00

Un viaje de encuentros y sensaciones dispares. Ni bueno ni malo. Cuando realizas una pequeña escapada a algún lugar, es prácticamente ineludible el hecho de que los compañeros de trabajo, a la vuelta de tu particular periplo, practiquen un interrogatorio en toda regla. Sin dejarte hablar siquiera, te arrancan la información que precisan. ¿Venecia? ¿Qué has estado en Venecia? ¿Una maravilla, no? ¿Verdad que es una ciudad única, preciosa? ¿Habrás disfrutado como nunca, no? Sí, Venecia. He estado en Venecia. Una maravilla de ciudad. Algo único, sí. No disfruto yendo a Venecia, ya no. No me entiendan mal cuando digo que no disfruto yendo a la città de il petre rosso. Reconozco que es una ciudad que embriaga por sus recovecos, sus pequeños laberintos di acqua, su arquitectura… Es una ciudad muy hermosa. No obstante, nada más pisar sus intrincadas calles lo único que quiero es marcharme de allí, o verla de lejos. La culpa de que me ocurra eso no la tiene la ciudad en sí, ni sus ciudadanos autóctonos --si es que los hay--. Mi problema choca de frente y con la fuerza de un astado furioso con esa masa aborregada de turistas que, o bien obstruyen el paso, o aceleran el ritmo de la marcha y crean un estrés adicional que no merezco. Empiezo a odiar a los turistas, aún cuando yo mismo soy uno de ellos. Sin embargo, la diferencia que me permito reflejar aquí para con ellos no es otra que el motivo del viaje. La mayoría de los turistas con cámara en mano que abarrotan Venecia los 365 días del año pulula por sus calles a un ritmo que no les permite disfrutar de cada detalle que la propia ciudad ofrece. Soy consciente de que el tiempo apremia y el dinero escasea, y que por esa misma razón estas personas se inyectan en la sangre altas dosis de cafeína para ver todo en un tiempo récord. Soy consciente de estar convirtiéndome en un gruñón por escribir esto. Si bien creo que tengo todo el derecho del mundo a saborear una ciudad a mi antojo, al ritmo que necesite o crea conveniente. A pesar de esto, el motivo de mi viaje era más profesional que otra cosa --aunque me dejara llevar por la gastronomía local de forma eufórica--. La visita a la Biennale di Venezia fue el motivo de mi partida hacia la ciudad de los canales.

Si en mi primer encuentro el resultado fue más que satisfactorio, en la presente edición he de decir que la decepción protagoniza gran parte de mis opiniones. Quizá sea culpa de la crisis --como está de moda echarle la culpa a la coyuntura económica, aprovecho la ocasión--. No lo tengo muy claro. La Biennale 2011 apenas me ha conmovido ni sorprendido. Pocos son los artistas por los que merece la pena devanarse los sesos escribiendo algo sobre sus obras. Obviamente, esta es mi visión subjetiva del asunto. Cada cual podrá contrariarme las veces que quiera. Paolo Baratta, presidente del evento, dijo que la biennale “es un gran peregrinaje, donde en las obras de los artistas y en la obra de los comisarios se reúnen las voces del mundo para hablar de su futuro y del nuestro”. De ese diálogo o esas voces para hablar del futuro de todos, apenas tuve noticias. Fueron relativamente pocos los que me llenaron de algún modo. Curiosamente, la obra de Christian Marclay, premiado con el León de Oro al mejor artista, fue una de las de mayor impacto visual, espiritual y reflexivo de la muestra. Esto me hace pensar en mi “buen gusto” estético --la modestia, como ven, brilla por su ausencia--. Sin duda, y por muy carente de interés que este año ha despertado la selección de artistas y el planteamiento curatorial, cada bienal tiene un momento memorable y ese fue el que protagoniza contemplar la obra The clock. Este fascinante vídeo de Marclay construido a base de fragmentos de películas --de todos los géneros y épocas-- que recorre la historia del cine, y cuyos nexos de unión son siempre la aparición en los metrajes originales de un reloj que marca la hora real del espectador, cosa que te deja perplejo en un principio, y que se explica porque la duración de este filme es de 24 horas. El visionado de estos retazos, esos corta y pega, esas reordenaciones de fragmentos y ese juego casi infantil con el paso del tiempo te atrapa casi sin quererlo. Nadie podía apartar la mirada. Marclay es un artista visual que roza la genialidad, con un fino humor y un esfuerzo titánico por reformular experiencias. The clock es una película con mayúsculas, de un ritmo trepidante que hipnotiza.
Haciendo uso de mi más que probable, ignorancia, deambulé por el Giardini y el Arsenale contemplando todas esas obras pensadas por las mentes de 83 artistas procedentes de todo el mundo. Pocos fueron los pabellones que realmente me sedujeron. De aquellos que sí dejaron una grata impresión destacaría el austriaco, que ofrecía el proyecto del artista Markus Schinwald. Schinwald modificó el pabellón construido en 1934 para proponer una negociación de la representación y manipulación del tiempo, del espacio, de la luz y las sombras. Si a eso le añadimos los retratos pictóricos excepcionales, que recordaban a aquellas obras del barroco, la experiencia es más que atractiva.
Otro de los proyectos a destacar, a mi modo de ver, fue el griego. La artista Diohandi envolvió el pabellón para dar la idea que su país es hoy una reforma, una simple caja en la que se indicaba con una pintada Sold out. Dentro de esa caja, nos encontramos con un espacio inundado en agua, una pasarela y, al fondo, una luz --una oscura esperanza-- que nos guía hacia la salida. La propuesta del húngaro Hajnal Németh fue toda una sorpresa. Su instalación Choque-Entrevista pasiva alude a la ópera y a la muerte. Al adentrarnos en la sala, iluminada toda ella por una intensa luz roja, se observa un automóvil accidentado y una música de fondo acompaña al visitante hacia un escenario repleto de atriles en los que hay diversas partituras. De pronto, todo parece convertirse en una ópera experimental y nosotros sus actores. Poco más puedo destacar, a excepción de alguna que otra obra suelta.
¿Entonces, qué fue lo mejor de todo? Sinceramente, realizar el viaje con mi hermana. Nos tomamos la libertad, ambos, de hacer un break en nuestra cotidianeidad y dejamos a un lado las preocupaciones del día a día. Paseamos y paseamos por esas callejuelas venecianas y visitamos también el Peggy Guggenheim Museum. La visita a este palazzo de la gran mecenas del arte contemporáneo del siglo XX fue inolvidable. Ver aquellas obras expuestas me dejó patente mi predilección por el arte de las vanguardias históricas. Soy un enamorado del surrealismo y el expresionismo abstracto. No lo puedo remediar. Compartir esos momentos con mi sister no tiene precio, créanme. Si todo va bien, dentro de dos años, volveremos a enfurruñarnos con los turistas y volveremos a sentir o no sentir lo que quiera que sintamos cuando veamos las obras de la Biennale.

Mi hermana desfilando por el Arsenale. La foto es mía, ¿no está mal, eh?

Encuentros y reencuentros, amistades

2011-11-11T19:24:00.000+01:00

Resulta curioso comprobar cómo la vida nos depara sorpresas. No todo son penas y lloriqueos, algo que es de agradecer. Los encuentros y reencuentros, las amistades, al fin y al cabo, son parte fundamental de esa esperanza. Los recuerdos, las ocurrencias y confidencias, la intimidad de un momento, la ilusión... Todo forma parte de ese juego, sencillo en apariencia, que es vivir el día a día. De Cancún a Barcelona, pasando por Madrid y Murcia. ¿Quién sabe qué nos deparará el futuro? Si lo supiéramos, creo que sería todo demasiado aburrido. Sin cierta pizca de incerteza, no existirían los momentos de plena alegría. Un mínimo detalle, una palabra escrita, un susurro, un hasta luego y un amanecer. Hasta lo más insignificante puede llenar un vacío de enormes dimensiones.

Algunos de esos encuentros y reencuentros se producen a través de la literatura, el arte, la música, el cine y el teatro. Yo puedo decir con orgullo que tengo por fieles compañeros de fatigas a Miles Davis, Chet Baker, Art Pepper, Martin Amis, Philip Roth, Enrique Vila-Matas, Antonio Muñoz Molina, Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach, Sergei Rachmaninov, Erik Satie o al mismísimo Woody Allen. Peculiares amistades con las que mi tiempo viene y va, con las que dejo volar la imaginación hasta el último rincón del universo, con las que me emociono y sonrío, una y otra vez. Es lo que tiene ser un enamorado de las artes y las letras, de la gran pantalla y el escenario. Si a todo esto le añadimos a alguien que comparta alguna de estas inquietudes, está claro que la vida es mágica y seductora. No hay forma más barata de disfrutar y, porqué no decirlo, enamorarse.

Ese "agua negra"

2011-11-09T23:46:00.001+01:00

Carlo Goldoni, un hombre muy sabio, escribió en 1750 la obra teatral La bottega del Caffé. De ella dijo en su día lo siguiente: "en el título de esta comedia no presento una vicisitud, una pasión o un carácter, sino un café". Y me parece lógico pensar el que algunos crean que el café pueda ser una vicisitud, una pasión o un carácter, porque el café, ese "agua negra", ofrece momentos y circunstancias cambiantes, pasiones desenfrenadas y marcados e intensos debates en torno a su seductor aroma. Algunos dirán que todo es producto de la cafeína, que trastorna nuestro sistema nervioso alterándolo, excitándonos al máximo. Yo prefiero opinar que esa semilla, de la cual decían "posee la virtud de mantener despierto al hombre", es una invitación a la amistad entre iguales, a la confesión de íntimos secretos, a la observación de la vida diaria de cada uno. Una deliciosa adicción que me permito profesar día sí y día también.

Una mirada atenta a la relación arte-razón (reseña literaria)

2011-11-06T21:32:00.000+01:00

Hacer hincapié en que el arte contemporáneo --o lo que entendemos como tal-- necesita elevadas dosis de reflexiones y razonamientos es algo que entra dentro de la lógica, habida cuenta de la inmensa cantidad de teóricos y artistas que a lo largo del siglo XX decidieron teorizarlo todo. Esa racionalización instrumental, y también tecnológica, ha elevado a la creatividad en algo demasiado difuso y complejo. La razón de toda esa nebulosa no es otra que ya nada tiene que ver con el propio elemento plástico, su belleza per se. Dicho de otro modo, se ha dejado de la lado todo criterio puramente estético para evaluar una obra de arte. Ahora, al parecer, tan solo preocupa su contenido racional. Partiendo de estas premisas, Juan Martínez Moro escribió Crítica de la razón plástica. Método y materialidad en el arte moderno y contemporáneo, que publicó este mismo año la gijonense Ediciones Trea.

A lo largo de sus páginas, Martínez Moro busca analizar y constatar el porqué de ese viraje. Como muchos de aquellos que nos preocupamos por entender ese proceso en el que la razón parece abarcarlo todo, el autor de esta obra revisa las principales etapas y estilos para intentar alcanzar el inicio de esos cambios en el pensamiento estético. Y, ciertamente, deja al lector satisfecho al centrarse en los problemas que plantean, tal y como nos dice el propio autor, “la génesis, el desarrollo fáctico, formativo y material e, incluso, las condiciones de recepción de la obra, pues es precisamente en ellos donde radica uno de los principales dilemas que presenta la creación artística contemporánea: la mayor o menor adecuación entre promesa y realidad, entre un a priori racional, pragmáticamente llamado proyecto artístico, y su plasmación efectiva en términos plásticos”. Juan Martínez Moro ofrece un enfoque totalmente original con respecto a las vanguardias históricas y aporta teorías que hasta la fecha parecían escondidas bajo llave.

El intenso debate entre lo racional y lo puramente emocional --razón, orden y virtud contra los deseos e instintos-- en el ámbito de lo artístico vuelve a sugerirnos infinitas cuestiones sobre lo que entendemos por arte y lo que no. Muchos encontrarán esta lectura reveladora al intentar responder a la misma pregunta que Martínez Moro se planteó: ¿Qué papel cumple la razón en su relación con la creatividad artística? Como ven, ese extraño y dinámico concepto abstracto denominado arte sigue dando qué hablar.

Entrevista a... Diego Amela

2011-11-05T21:31:00.000+01:00

Diego Almela fotografiado por Anaïs Llàcer

La vida da muchas vueltas. El funcionamiento de este proceso no venía con instrucciones, de modo que es bien fácil decir que te extraña y sorprende al mismo tiempo. No sabemos muy bien cómo ni porqué, las amistades se pierden durante el recorrido. Todo viene dado por ese acto llamado “elección”. Unos vienen y otros se van, de acuerdo a sus principios, sus sueños y metas. Me enorgullece decir que un amigo mío, un compañero de batallitas adolescentes, se trasladó primero a Valencia y luego a Barcelona para hacer lo que mejor sabe: narrar historias. Lo suyo es el formato visual, el mundo del cine. Sin embargo, la necesidad de expresarse con letras siempre ha estado presente en su ser. Hablamos de Diego Amela Chiva, ganador del V Premio de Relato Corto del Ayuntamiento de Castellón. Sin más, debo decir que me llevó una alegría inmensa retomar el contacto perdido y poder entrevistarlo.

Pregunta: Primer Premio del V Concurso de Relato Corto del Ayuntamiento de Castellón con ‘El trabajo’. ¿Sorpresa?

Diego Amela: ¡Por supuesto! No es la primera vez que participo en un concurso de estas características y, hasta el momento, no había tenido suerte. Cuando me llamaron para notificarme que había ganado reaccioné respondiendo un “Ah... qué bien” que sonó un poco tonto y seguramente delató mi incredulidad inicial. Pero la verdad es que estoy muy agradecido. Un reconocimiento así es muy satisfactorio y te aporta el empuje necesario para seguir escribiendo.

P: ¿Desde cuándo dejas volar tu imaginación a través de las palabras?

D. A.: Hasta donde puedo recordar, siempre me han interesado las historias. Mi abuela siempre me dice que, cuando era muy pequeño, escenificaba pequeñas historias frente a mi familia. Eran grandes montajes teatrales que me inventaba y en los que interpretaba a todos los personajes. Una vez aprendí a escribir y a construir frases con sentido comencé a tomármelo más en serio. Ahora recuerdo con especial cariño una tentativa de escribir una saga de relatos de ciencia-ficción. Finalmente, solo escribí dos, uno era un plagio de Alien y el otro estaba basado en un capítulo de ‘Los guardianes de la Galaxia’. Por supuesto eran trabajos muy sencillos, a fin de cuentas solo era un crío, pero por aquel entonces ya tenía el gusanillo de la escritura.

P: ‘El trabajo’ es una historieta detectivesca, ¿qué podrías decirnos de ella?

D. A.: Aunque parezca increíble no soy un gran lector de novela negra. Sin embargo sí que soy muy aficionado al filme noir. La influencia de películas como El halcón Maltés, El sueño eterno o Chinatown son evidentes en la historia. Todas estas películas comparten unas pautas estilísticas, temáticas y argumentales propias del género negro que yo intenté incluir en el relato para jugar con ellas. Lo que pasa es que, al final, no solo es un homenaje al género, sino también un ejercicio metanarrativo que es el resultado de mi obsesión por la génesis y construcción de historias como el complejo mecanismo que son. En este aspecto, a las anteriores referencias incluiría al inefable Borges o a Paul Auster. Y que conste que nombro estos referentes con la mayor humildad. ¡Ah! Y hay otro guiño en el final del relato a un episodio genial de ‘Los Soprano’ en el que Toni le hace una pregunta a la Dra. Melfi y ella también responde con un inesperado y rotundo “No”.

P: Desde que tengo uso de razón has sido un amante del celuloide, ¿hasta qué punto su influencia en tu escritura?

D. A.: Como puedes ver la influencia es total. Me encanta el cine y además mi educación se ha centrado sobre todo en el campo audiovisual. A la hora de escribir, mis referentes pueden ser tanto literarios como cinematográficos, pero bueno, aunque cambie el formato el objetivo es el mismo: contar historias. Sí que es cierto que estoy más acostumbrado a escribir guiones para cine o televisión que literatura y eso me convierte en un escritor muy visual. Lo que voy a escribir lo imagino en mi cabeza como si fuese una escena y lo narro, permitiéndome de vez en cuando alguna licencia literaria para reforzar sensaciones. La escritura de guión es muy estricta en lo referente al estilo: solo puedes describir espacios o acciones y la economía de palabras es casi un dogma. En el estilo literario la libertad es casi infinita, pero por supuesto necesita mucha práctica, más cuando estás acostumbrado a estar tan encorsetado.

P: Un castellonense en Barcelona. ¿Es difícil la supervivencia?

D. A.: Te mentiría si te dijese que no. Por supuesto, es una ciudad más grande y hay más posibilidades, pero claro, también hay muchísima más gente. No obstante, para alguien que quiere dedicarse al cine o, sencillamente, contar historias en formato audiovisual, Madrid o Barcelona son destinos lógicos debido a que hay más industria. De todas maneras, este es un trabajo precioso, pero también es muy complicado encontrar una estabilidad. Intento no decaer. Tengo algunos proyectos que espero vean la luz pronto. Despacito y con buena letra que se suele decir.

P: Director de cortometrajes, guionista, crítico de cine, creativo... ¿Podría decirse que buscas nuevas formas de contar historias?

D. A.: ¡Yo no diría tanto! Creo que solo soy alguien que quiere contar historias. Pero el mundo está cambiando muy deprisa y los espectadores de hoy tienen poco que ver con los de antes. Internet, redes sociales, dispositivos móviles, plataformas multipantalla, etc. Gracias a las nuevas tecnologías las últimas generaciones están acostumbradas a percibir información por muchos canales y todo al mismo tiempo. Probablemente ya no tienen paciencia para ver ‘Casablanca’ --lo cual me entristece--, pero pueden comprender otras estructuras narrativas que a nosotros nos resultaría más complicado. Ahora puedes fragmentar y esparcir un macrorrelato a través de muchos canales y el espectador puede encontrarlos y decodificarlos, añadiéndolo a su experiencia narrativa. Como la serie ‘Perdidos’, en la que no solo tenías que ver la serie, sino entrar en blogs, consultar la ‘Lostpedia’, jugar al videojuego, rastrear información escondida. La verdad es que se está abriendo un nuevo abanico de posibilidades muy estimulante que los narradores de historias tenemos el deber de explorar.

El mejor final soñado (Tardor Cultural Vilafamés'11)

2011-11-04T21:30:00.000+01:00

Todo lo bueno se acaba, dicen aquellos que portan la bandera del pesimismo con orgullo. Parte de razón, si soy sincero, no les falta. Aún con todo, no me gusta pensar demasiado en ello. Prefiero, si me lo permiten, tener la consciencia de que aún quedan muchas satisfacciones por vivir, momentos en los cuales dejamos a un lado todas las preocupaciones que perjudiquen el bienestar de nuestras mentes, para practicar algo tan sencillo como el mero disfrute. En este sentido, la Tardor Cultural de Vilafamés es, sin duda, uno de los mejores remedios que existen para ser más feliz. Ha pasado ya una semana y aún sigo con esa sonrisa tonta dibujada en el rostro --dicha sonrisa, por cierto, se debe a la enorme satisfacción producida por haber sido partícipe del excepcional colofón que brindó la Tardor con el concierto de Pere Ros y Sabina Colonna Preti--. Es lo que tiene un festival como el que cada año organiza de forma extraordinaria una persona que merece todos los piropos habidos y por haber, María Martínez Belaire, quien, por cierto de forma acertadísima, Pere Ros definió como “el alma de la Tardor Cultural”. Una verdad del tamaño de un templo barroco, periodo este al que Ros y Colonna Preti nos hicieron viajarcon sus violas da gamba.

Del concierto que clausuró la Tardor 2011 diré que ese diálogo entre dos músicos de la talla de Pere Ros y Sabina Colonna Preti fue soberbio. Cuando uno es espectador desea ver una actuación perfecta, algo que se le antoje inolvidable. Eso fue lo que yo vi gracias a esa mirada cómplice que ambos intérpretes se permitían mostrarnos. Ni que decir tiene la maestría de ambos, su técnica prodigiosa y su interrelación con un público entregado, un público que hace de este festival un acontecimiento fuera de lo común.

Ros y Colonna Preti interpretaron un diálogo musical con obras de Carl Friedrich Abel --uno de los últimos virtuosos de la viola da gamba--, Christoph Schaffrath y un autor desconocido que dejó un importante legado de seis sonatas para un instrumento que enamora con su sonido. “A lo largo de los tres movimientos, las dos violas se entrelazan en una delicadísima conversación en la que se hace difícil adivinar quién acompaña a quién”, remarcaba Pere Ros. Ciertamente, a lo largo del concierto no hubo ninguna pelea de egos, más bien todo lo contrario. Ambos músicos nos regalaron un momento repleto de esplendor, algo que ya se está convirtiendo en una costumbre en el certamen de música antigua y barroca de Vilafamés. Cada edición me parece una joya extraordinaria y cada edición logra superar las expectativas creadas. Además, y no quisiera terminar sin mencionarlo, los dos músicos nos regalaron la interpretación de La Silva, de Antoine Forqueray. Esta pieza, dedicada, y con todo merecimiento, a ese “alma de la Tardor” a la que debemos tanto, fue el mejor final soñado.

Desde aquí, seguiremos siendo fieles a esta cita que va más allá de lo meramente musical. La Tardor Cultural es, como su propio nombre indica, una cita con la cultura en mayúsculas. Sin ella, no habría un otoño feliz en la provincia de Castellón. Sin la Tardor nos quedaríamos sin uno de los baluartes más importantes de nuestro patrimonio. Larga vida, pues.

Pere Ros fotografiado por Michal Novak

La nova 'Odissea' de Mira (article de premsa)

2011-11-02T21:27:00.003+01:00

Joan Francesc Mira fotografiado por Jonathan Grevsen

Qui no conegui la personalitat de Joan Francesc Mira creuria que és una persona distant, alguna cosa asseca en el tracte, una miqueta pedant i fals de modèstia. Seria un error pensar això, doncs no té ni peus ni cap jutjar a una persona compartint, únicament, cinc minuts del seu temps. Existeixen, negar-ho crec que és una ximpleria, dos tipus d’espectadors que veuen a Mira amb diferents ulls. D’una banda, els seus detractors, aquells que no se sap molt bé perquè pensen que la seva actitud és la d’un “sabut”. Per un altre, els seus admiradors --que són la majoria--, que tenen la certesa d’estar davant un referent intel.lectual.

Criticar, com critiquen alguns, el seu treball és ser un neci. No hi ha dubte de la importància del seu pensament i ploma, que ens ha deixat meravelles literàries, siguin aquestes traduccions d’obres mestres o assajos propis. No intentaré dilucidar aquí qui intenten boicotejar el bon fer de Joan Francesc Mira envers la cultura universal. No sóc jutge ni jurat. No obstant això, sí m’agradaria afirmar que tenen poc que guanyar, sol analitzar la trajectòria d’aquest excels professor de grec, antropòleg i expert en cultura clàssica. Sobren les paraules per definir la seva qualitat, esforç i interès per apropar a la societat actual aquelles obres per les quals se sosté tota la literatura europea occidental.

una nova aventura

Després de traduir el Nou Testament i la Divina Comèdia de Dante al català, Joan Francesc Mira acaba de publicar en l’editorial Proa la traducció del tercer pilar bàsic de la nostra literatura. Es tracta de L’Odissea d’Homer. No crec que sigui necessari dir l’enorme i incansable treball realitzat per aquest castellonenc d’adopció. Sent, com sóc, de Castelló, haig de dir que és un orgull comptar amb la presència personal i professional de Joan Francesc Mira a la província. La Universitat Jaume I de Castelló té molt a dir sobre aquest tema, doncs allí ha desenvolupat gran part de la seva trajectòria docent. No és d’estranyar, per tant, que el nom de Mira quedi associat al de la nostra província, la qual cosa podem presumir. Per aquesta raó, no podíem deixar de costat aquesta notícia que ha portat, de nou, a Mira a la primera escena de la literatura en català.

La versió que Mira ha fet de L’Odissea és totalment diferent a la històrica que en el seu moment fes Carles Riba, editada per Bernat Metge. La diferència, per entendre’ns, resideix en la interpretació mateixa de l’obra d’Homer, cosa que pot resultar xocant, ja que tota traducció és una interpretació en si mateixa. No obstant això, Riba, com a bon poeta que era, diguem que va modificar els versos de l’autor clàssic per fer-los més “seus”. Dit d’una altra manera, la versió de Carles Riba posseeix uns versos molt més embellits, més poètics. Per contra, Joan Francesc Mira ha estat immers els tres últims anys a realitzar una traducció fidedigna del grec clàssic homèric, de manera que si tenim davant els nostres ulls un mateix fragment d’ambdues traduccions sembla que estiguem llegint dues obres diferents. Aquest detall, que pot resultar insignificant, és el que ha provocat alguna que una altra crítica cap a la persona de Mira, ja que consideren l’obra de Riba un autèntic referent, una icona. Així, segons sembla, Joan Francesc Mira ha comès un sacrilegi horrible amb aquesta nova traducció, alguna cosa que, des del meu punt de vista és totalment injust. En aquest sentit, prou llegir el que el propi Mira diu: “Quan traduïa, tenia en compte traduccions d’altres llengües, però mai la de Riba. Encara que sí haig de reconèixer que al final del dia, em podia la curiositat i buscava en el llibre de Riba com ho havia resolt ell, i haig de dir que, en fer-ho, em portava moltes, moltes sorpreses”. Aquest comentari no és, en absolut una crítica cap a la interpretació de Riba. Mira, simplement remarca que L’Odissea de Riba és un poema de Riba. Així mateix, Joan Francesc creu, sense cap tipus de dubtes, tal com s’ha pogut llegir en entrevistes recents, que les dues edicions són compatibles. “L’única cosa que busco és posar a l’abast del públic general una obra clàssica que és una de les matrius de l’imaginari occidenta”.

una novel.la total

L’Odissea, segons Mira, és una novel.la d’aventures, però també d’idees, d’ètica, psicològica. “Ulisses és un personatge arquetípic, un dels més complexos i complets de la literatura. Està el tema de la destinació, de la família --les relacionis pare, mare i fill--, del viatge, de l’exploració i el descobriment del món”, diu el professor.

L’Odissea té “una magnífica estructura narrativa, amb personatges clarament definits, amb una trama clàssica del que ha de ser una novel·la. Tot el que pot ocórrer en una vida està ja en aquesta obra”, remarca Mira. A més, continua, “és un gran clàssic, perquè a cada nova lectura es descobreix alguna cosa nou. És un relat permanent de l’experiència humana. Han passat 2.800 anys i el que ocorre és aplicable a l’experiència contemporània. Per això, l’Odissea no s’acaba mai”.

Un total de 12.000 versos, repartits en 24 cants, conformen una obra en la qual es narren les aventures d’Ulisses durant l’accidentat i llarga tornada de Troia fins a Ítaca, l’illa on viuen la seva dona i el seu fill, que ho estan esperant. Ara, novament, tenim l’oportunitat de gaudir d’aquest referent de la literatura universal gràcies al treball d’un home preocupat, un amant de les lletres, un investigador clàssic i un intel.lectual compromés.

Des d'aquest racó, recomanem encaridament als nostres lectors al fet que es deixin seduir per aquesta obra excepcional, pilar bàsic del nostre pensament.

Nicolau de Figueiredo, un portento del clave (Tardor Cultural de Vilafamés'11)

2011-10-30T13:19:00.002+01:00

El clavecinista brasileño Nicolau de Figueiredo

Su pelo rojizo y su tez blanquecina nos confunden al verle. Cualquiera pensaría que procede de tierras del norte o centro de Europa. Sin embargo, una vez conocemos su nombre, las dudas sobre su lugar de origen se reducen considerablemente. Nicolau de Figueiredo, que así se llama el enigmático clavecinista que protagonizó el segundo concierto de la Tardor Cultural de Vilafamés, es brasileño y su forma de hablar de Sevilla. Curioso, pero comprensible, puesto que ha dirigido y colaborado con la Orquesta Barroca de Sevilla en numerosas ocasiones. Su currículum es extenso y repleto de excelentes críticas, algo que, a tenor de lo que fuimos testigos en el Museu d’Art Contemporani de Vilafamés, no es de extrañar.

El siglo XX supuso, a nivel de la investigación musical, la recuperación de los instrumentos antiguos. Muchos pensaron que no era lo mismo interpretar las Variaciones Goldberg, de Johann Sebastian Bach, al piano cuando su formato original era para clave. Nicolau de Figueiredo apareció en esa misma centuria, “un portento al que la naturaleza ha encomendado encumbrar este instrumento hasta el lugar que nunca debió perder”, tal y como remarcan muchos críticos. Yo reconozco que nunca fui amante de este instrumento. Una sesión de clave, como dicen muchos, puede convertirse en una tortura o en pura ambrosía. Todo depende de las manos de quien interprete las piezas. En este caso, puedo decir, con total sinceridad, que Figueiredo es un auténtico genio que hace de sus actuaciones experiencias inolvidables.

extraordinario

Sensibilidad, pasión, un dominio fascinante de la técnica... Creo que no fue al único que dejó embobado durante el concierto en el Palau del Batlle. El brasileño, al que muchos descubrieron como “el más imaginativo continuista que haya trabajado nunca junto al célebre René Jacobs” y que se hizo un importante nombre como solista con un extraordinario recital scarlattiano, afrontó la delicada empresa de interpretar a Johann Christitan Bach.

Lo esencial de la producción para clave solo de J. C. Bach (1735-1782), el último de los cuatro hijos músicos de Johann Sebastian, y el que menos se le parece, se resume en dos recopilaciones de seis obras cada uno que ha pasado a la posteridad con los números opus 5 y 17. Figueiredo nos deleitó con cuatro de sonatas para clave, piezas todas ellas que poseen una gran innovación para su época y que dejan entrever, perfectamente, el camino a seguir hasta llegar a la música “mozartiana”. Durante toda su actuación pudimos ver a un concentrado intérprete, cuya genialidad irradiaba a toda la sala. Sus expresiones, contenidas en ocasiones, eran un claro síntoma de su pasión por la magnífica partitura que tenía ante sus ojos. El público se rindió ante el exuberante colorido de las notas que interpretaba. Y el clave, que nunca me llegó a entusiasmar del todo --lo confieso, y perdonen si ofendo a alguien--, me dejó sin palabras, absorto en un viaje inolvidable por la historia de la música.

Como segunda propuesta del presente festival de la Tardor Cultural de Vilafamés, debo decir que fue admirable ser testigo de una actuación de tal magnitud, que fue limpia y rotunda, de un equilibrio envidiable y unas virtudes --las que posee Nicolau de Figueiredo, y que son muchas en el apartado de la interpretación-- que no pueden dejar a nadie indiferente. Un concierto con mayúsculas, sin duda.

Peñiscoleteando... o imaginación to the power

2011-10-28T19:47:00.001+02:00

'Cuidado con el tigre', Mixta/papel. 40x30 cm. 2009

La primera vez que vi una de las obras de Sergi Cambrils, recuerdo que pensé: "¡cuánta imaginación!". Reconozco abiertamente que al ver esos cuadros, se dibujó en mi rostro una sonrisa de complicidad, algo pícara. La razón de esa picardía no es algo que muchos puedan comprender, aunque sí diré que vi cierto grado de sutil ironía en sus dibujos. Ese colorido, esas figuras alegres y estrambóticas, esas caricaturas de la propia realidad... Una auténtica delicia, puro divertimento. Si a eso le añadimos la excelente técnica de dibujo que posee este artista de Peñíscola, no cabe duda de que estamos ante uno de los "buenos". ¿Buenos de qué? Dicho de otro modo, creo que es uno de los artistas a seguir dentro del panorama provincial de Castellón y con miras al infinito y más allá.

Teniendo en cuenta todas estas primeras sensaciones, no fue muy difícil aceptar la propuesta que me hizo Joan Feliu --al que debo tanto, aunque no dinero-- para que escribiera en el catálogo de la exposición Peñiscoleteando. Disseny d'una tradició. No fue difícil, en parte, por esos 6.000 euros que me ingresaron en una cuenta privada de Zurich... Tranquilos, que es broma --ojalá fuese cierto!--. Hablando en serio --mejor dicho, escribriendo--, no fue complicado adentrarme en ese particular mundo que ha creado Sergi Cambrils porque comparto ciertos aspectos del mismo. El absurdo, gran amigo mío durante años, es uno de los personajes clave en muchas de sus obras, al igual que las escenas teatralizadas o, incluso, un ligero toque de histrionismo. Realmente, mirar sus pinturas es toda una aventura alegre y vivaz. Son obras totalmente abiertas, receptivas al cien por cien, que te invitan a participar en ese circo creado desde su mente. ¡Y qué mente!

Si intentásemos analizar la producción de Cambrils, rápidamente buscaríamos sus influencias. ¿Qué autores o movimientos han podido seducirle estética y conceptualmente? Muchos dirían, sin miedo alguno, que el Surrealismo es su clara referencia. No se equivocarían. Y de eso, y no de otra cosa, es de lo que escribo en ese catálogo antes mencionado. Pero, tranquilos, que no haré una transcripción del mismo --sería poco profesional por mi parte, aunque me ahorraría pensar un poco--. No obstante, si que me permito el lujo de citar algunos de los pensamientos que Joan Feliu incluye en su texto. Para empezar, Feliu remarca --y yo estoy de acuerdo con él, y así me apunto un tanto a mi favor-- que "la sensación que se produce al ver la obra de Cambrils es que transcribe sus sueños, sus recuerdos y su manera de ver las cosas, de una forma muy real, transformando los estados delirantes y las obsesiones que componen nuestra realidad cotidiana en su trema preferido; y cuidando los detalles técnicos, especialmente con su maravillosa y minuciosa línea". Efectivamente, y para reafirmar su condición de artista "de los buenos" , tan solo hace falta observar la capacidad imaginativa que posee unido a su dominio de las formas.

Locura, alucinaciones, la sorpresa y las ensoñaciones, lo utópico o extraordinario... Todo tiene cabida en el mundo pictórico de Cambrils. Demos gracias por ello, puesto que existe un alto grado de creatividad en su arte que se nos antojaba necesario en el panorama actual. "Cuando uno ve las obras de Cambrils realiza, de forma inconsciente, un viaje a través del tiempo para situarse en esas décadas prodigiosas del Surrealismo. Las piezas que surgen de su imaginación recuerdan esos aires donde los sueños eran protagonistas", escribí yo mismo. Después de ver la exposición montada en la galería Octubre de la Universitat Jaume I, puedo reiterarme. Ver in situ todas esas piezas nos ayudan a recordar tiempos pasados que fueron siempre mejores. Volamos hacia nuestra tierna infancia y pasamos largas horas jugueteando con cualquier utensilio que tengamos a nuestro alcance. Toda esa acción proviene de la ilusión, provocada por una de las armas más poderosas que existen en el ser humano: la imaginación. Sin eso, seríamos seres vacíos, aburridos hasta la muerte. Yo, personalmente, prefiero reír y sentir alegría --no sé ustedes qué preferirán, aunque me consta que existen personas contrarias a la felicidad--.

La creación de mundos enigmáticos es tan atractiva, seduce tanto a aquellas personas con un gusto especial por lo desconocido, que difícil es no caer en la tentación y dejar libre nuestra mente. Ante tanta desdicha, no viene nada mal una pequeña dosis de ilusión. ¿No creen? "De ilusión también se viven", nos dicen muchos. Yo, que siempre he sido un soñador empedernido, soy de esa opinión. Si perdemos la poca inocencia que nos queda, este mundo sería tan cruel que para qué vivir en él. Por tanto, qué mejor poción que el mundo del arte, la literatura, el cine y el teatro, la música... para hacer de todo este inmenso, aunque finito, lugar que es el planeta Tierra, un lugar más agradable. A su modo, Sergi Cambrils colabora en esa misión. En este sentido, insisto en darle las gracias por compartir con todos nosotros una pizca de su humildad y de sus ganas de vivir con una sonrisa en el rostro.

La faceta artística de un escritor excepcional (reseña literaria)

2011-10-27T12:24:00.000+02:00

De entre todos los pequeños defectos que uno pueda tener, se encuentra el de "tener caprichos". No es algo malo del todo, aunque a veces puede llevarnos por sendas demasiado peligrosas. Este, sin embargo, no es el caso; más bien, todo lo contrario. Tener la oportunidad de curiosear en los catálogos de algunas editoriales es un regalo para aquellos que amamos los libros. Sabiendo esto, imagino que no se sorprenderán cuando diga que al ver la publicación de la obra Dibujos, de Franz Kafka, editada por Sexto Piso, no pude evitar hacerme con un ejemplar. Era un "capricho", ¡y qué capricho! Ya de por sí, el nombre y apellido de Franz Kafka sugieren muchas cosas. Sin embargo, al añadirle una faceta desconocida o poco conocida del mismo como dibujante, hacen que esta obra sea una pequeña joya. El mundo del arte dejó una fuerte impresión en el imaginario del escritor de La metamorfosis. Si hilamos fino, no existen dudas de que su imaginación era desbordante. ¿De dónde sino surgiría el bueno de Gregor Samsa? No era de extrañar, pues, que Kafka liberara su mente y trazara en sus cuadernos garabatos y diversas figuras. ¡Quién sabe si algunos de esos bocetos de juventud le inspiraron sus textos! Su amigo Max Brod dijo que "su pensamiento se construía en forma de imágenes", algo que en pleno siglo XXI es lo usual, al estar educados prácticamente en una cultura visual. En este sentido, podríamos decir que Kafka fue un adelantado en su tiempo o, al menos, que vio la necesidad de exorcizar algunos de sus pensamientos a través de unos dibujos que nos resultan hasta cierto punto infantiles por su trazo, aunque eso es solo una ínfima parte.

Según nos cuentan Niels Bokhove y Marijke van Dorst, autores de esta edición, el gusto de Kafka por el dibujo se produjo en su época universitaria. Al parecer, en su niñez llegó a aborrecer las clases por culpa de su maestra --desconocida, por cierto-- hasta el punto de decir que había desperdiciado su talento. No obstante, tras seguir las directrices de Alwin Schultz, conocer la obra de Alfred Litchwark y retomar su amistad con Emil Utitz --quien se convertiría en un gran teórico del arte--, el amor de Kafka por el dibujo afloró de nuevo ofreciéndole algunos de los momentos más satisfactorios de su vida. En una ocasión, tal y como descubrimos en este libro, Kafka llegó a plantearse la opción de ser artista, en lugar de escritor; hecho este que no se produciría, aunque nunca dejó de dibujar hasta su muerte. Gran parte de esos dibujos, rescatados hábilmente por Max Brod, son los que se encuentran en muchas de las portadas de sus libros. Observando con detenimiento, la producción artística de Kafka podría compararse a la de algunos expresionistas de su época. La verdad es que (re)descubrir a un personaje tan emblemático como Franz Kafka es todo un privilegio. Esta obra, de exquisita presentación, resulta tan sorprendente como necesaria para comprender mejor a uno de los autores más importantes de la literatura universal.

Refugiándose

2011-10-25T20:33:00.004+02:00

Camino solo por la calle. Es viernes. Rondan la 1.30 horas de la madrugada y no llevo un rumbo fijo. Siempre me ha gustado compararme a aquel flaneur de Baudelaire, un hombre solitario que deambula por la ciudad en varias direcciones. Una brisa agradable me acaricia las mejillas y revuelve el pelo. No tengo ganas de volver a casa, aún no. Busco algo o a alguien, pero no sé qué o a quién. ¿A dónde ir? ¿Qué hacer? No tengo ni la más remota idea. Menos mal que mi ipod me acompaña en este trayecto de reflexión hacia ninguna parte. Tras sentir cierto vacío en mi interior, me pregunto: ¿por qué no tomar una última cerveza? Me detengo un instante y pienso: ¡si nunca he sido de esos tipos que van y se toman una última cerveza! No obstante, mi subconsciente o lo que quiera que tengamos en la cabeza --esa cosa que nos manipula e induce a tomar decisiones erróneas--, vuelve a la carga e intenta convencerme de la posibilidad de que, quizá, conozca a alguien, y cuando digo alguien me refiero, cómo no, a una chica interesante que conquiste este gélido corazón. La teoría parece factible pero… soy pésimo en la práctica. Así, como buen ser cercano a lo patético, fracaso como siempre en mi particular aventura hacia el flirteo. Entro en un local que conozco y donde la música es de mi agrado, me acerco a la barra intentando disimular que no voy solo, que espero a alguien --¿por qué hice eso?--. Pido esa última cerveza a una sensual, a la par que exuberante, camarera. Sigo disimulando mientras sostengo el botellín y lo balanceo nervioso. Miro el teléfono móvil de tanto en cuanto, dando a entender que espero la llamada de algún amigo. Observo a la gente que me rodea, analizo la situación en la que se encuentran todos ellos --en compañía--, y después hago lo propio conmigo mismo. Confirmo que soy un ser tímido, desconfiado en sus posibilidades, tonto al fin y al cabo. Tras beberme la cerveza con cierta desgana, vuelvo a realizar una interpretación magistral marchándome raudo y veloz con el teléfono en la oreja, haciendo ver que atiendo una llamada importante. ¡Qué idiotez! Nada más salir del local, me enfundo de nuevo el traje de rondador nocturno, aquel que te hace invisible ante las masas, y me dirijo a casa pensando y reflexionando sobre la estupidez que acabo de protagonizar. Por el camino me pregunto: ¿vale la pena autoflagelarse de este modo? ¿algún día encontraré a esa persona que me complete? Llego a mi destino y no consigo responder a estas y otras cuestiones. Estoy cansado y enfadado con el mundo y, sobre todo, conmigo mismo. Por eso me decido a escribir en forma de confesión los hechos acaecidos, un acto desesperado para reafirmar mi condición de ser humano. Sin embargo, tan solo veo mi particular condición como hombre soltero en busca de. No deseo quedarme solo en esta vida, aunque a veces crea que ese es mi único destino --pero, y qué puñetas es el destino?-- Al menos, y aunque suene un tanto infantil, mi banda sonora particular me sigue acompañando. Ante tanta tontería creada por mi teórica inestabilidad emocional --producida por la ausencia de esa cosa llamada amor-- me refugio en las artes, las letras y la música. Me refugio en aquellos rincones que me proporcionan momentos de felicidad y en los que imagino una vida plena. Me refugio en esos sueños que creo inalcanzables, pero que nos otorgan el don de la curiosidad. Me refugio en mis inquietudes y pensamientos. Y algunos dirán, si no ligas es porque no quieres. Yo contesto: llamadme loco.

¿Cómo pensáis que acaba la historia? ¿Alguno se atrevería a continuarla? Os invito a participar.

Bibliofilia y 'yoyoísmo'

2011-10-24T18:09:00.002+02:00

"Hay algo mágico: yo continúo comprando libros. No puedo leerlos, pero la presencia de los libros me ayuda... esa gravitación silenciosa, sentir que están ahí". Jorge Luis Borges es el autor de estas palabras que comparto como comparto el ADN con mi hermana; es algo genético. No sé si se podría tildar esta especie de bibliofilia como una simple patología, una anomalía en el transcurso del devenir de un ser humano sencillo, en aras de satisfacer sus pretensiones culturales. El amor que siento por esos guardianes de la palabra, transmisores del pensamiento, creadores de realidades y plataformas de la reflexión es tal, que creo perderme en un mar de sensaciones inalcanzables.

Hasta la fecha, no he leído ni una cuarta parte de los libros que poseo --sí, que poseo, pues para mí son un bien preciado y soy receloso en ese aspecto--. Este hecho me atormenta y alegra al mismo tiempo. Por un lado, creo que nunca seré capaz de evadirme de esa realidad paradójica que nos rodea, y no por falta de ganas, más bien por el inexorable paso del tiempo, aquel que se esfuma ante nuestra mirada inocente. Disponer a tu antojo del tiempo es un deseo ferviente que pocos privilegiados disfrutan. A pesar de todo, si dejamos a un lado esa autocompasión, ese miedo que procede de la dichosa “falta de tiempo”, tendremos la suerte de comprobar nuestra dicha: la cantidad de historietas que aún nos quedan por descubrir. En mi caso, intento por todos los medios pensar en esta segunda cuestión. Al ver las pilas de manuscritos que crecen en cada rincón de mi habitación --porque crecen a mi alrededor, ¡lo juro!--, pienso en la suerte que tengo, en los buenos ratos que me esperan todavía. Llámenlo gracia divina o conformismo pero siendo honestos, y haciendo un análisis concienzudo sobre aquellas cosas que realmente valen la pena salvar de este complejo vagón de metro por el que circulamos día tras día --la vida en sí--, me doy cuenta de que la literatura es imprescindible, de que sin ella el ser humano no tendría un sentido coherente. Como siempre, podré equivocarme. No obstante, sé que sin las letras yo no sería quien soy ahora.

Todos esos morfemas y fonemas, sintaxis y oraciones, verbos y adverbios, sustantivos y adjetivos forman parte de mi ‘YO’. Cada día me acompañan cuando mi cerebro los reclama para expresarme --mejor o peor, cada cual es libre de pensar en la calidad de mis tonterías--. No sé cuántas palabras leeré y escribiré al día; pocas no, eso seguro. Además, entre mis gurús más queridos se encuentran aquellos escritores ágiles de pensamiento, críticos de la crítica, seres preocupados por nuestro devenir. El poder de la palabra, como dicen muchos sabios, es inmenso y me alegra formar parte de esa guardia pretoriana cada día que pasa. Ahora muchos pensarán aquello de que “las palabras se las lleva el viento”, que toda escritura perece sin nosotros darnos cuenta. Estas mismas líneas que escribo ahora, ¿permanecerán? Ni lo sé ni creo que me importe mucho por el momento. Las palabras de las que hago uso en esta reflexión son un mero proceso para exorcizar ciertos pensamientos que abarrotan mi materia gris. Todos sentimos la necesidad de legar algo una vez abandonamos la vida. Existen personas que se aferran a la reproducción de la especie, otras persiguen metas diversas en los campos del saber científico e intelectual, otros practican deporte. En mi caso, desprovisto hasta la fecha de la responsabilidad que conlleva tener una pareja y descendencia, y desprovisto también de un físico portentoso que me lleve al estrellato deportivo, me refugio en el saber para trasladar parte de mis inquietudes a aquellas personas que quieran interesarse por ellas. Ni soy buen escritor, ni dispongo de la envidiable imaginación de esos nombres que uno lee en las portadas de los libros --algunos más que otros, claro está--. Aún me queda mucho trabajo por hacer. Saber esto me da energía para seguir evolucionando. Soy honesto y no creo que mis cavilaciones cambien el pensamiento social y cultural existente. Aún con todo, me agrada la idea de que alguien piense como Borges y diga que “le ayudo al sentir que estoy ahí”. Una razón que sirve para alimentar mi ego, ciertamente. Sin embargo, ese “yoyoísmo” que todos ponemos en práctica en ocasiones, es necesario para saber que nuestra presencia en el universo tiene algún valor, un sentido aparente.

Puede que esa “extraña pareja” conformada por los libros y mi propia persona sea parte fundamental para lograr ese intrincado objetivo. Soy lo que escribo y escribo lo que soy. No puedo evitarlo, ni quiero. Ese razonamiento viene fortalecido al saber cuántas maravillas de la literatura me quedan por explorar a lo largo de la delgada línea vital. Y es que, algo que creo fundamental para no convertirnos en simples seres autómatas, es saber discernir lo que importa y lo que no. En este sentido, la lectura es vital para un servidor amante del café, del jazz, de la vida sosegada y de las dulces sonrisas. ¿Rarito? Probablemente.

Sonatas para flauta, ¡qué gran comienzo! (Tardor Cultural de Vilafamés'11)

2011-10-23T09:47:00.002+02:00

Marc Hantaï

Mentiría si dijera que no estaba ansioso. Asistir, un año más, a esa pequeña gran joya musical llamada Tardor Cultural de Vilafamés, es algo que alegra el alma. Esa grata sensación, se engrandeció al saber que uno de los flautistas más reconocidos de Europa, uno de aquellos músicos que gozan de un particular don, un genio que domina a la perfección el arte de la interpretación, sería el primero en actuar. Hablo de Marc Hantaï, quien se encargó de inaugurar este festival que siempre logra cautivar.

Es curioso el poder que se esconde tras la música. Sin quererlo ni beberlo, es capaz de evocarnos épocas pasadas, ponernos en actitud positiva, llenarnos de nostalgia, aliviar nuestras emociones... Tal es su influencia en nuestro estado de ánimo que no podemos dejarla a un lado, es vital. Por esa razón, la Tardor Cultural de Vilafamés es tan especial. Cuida con sumo detalle, con mucho mimo, cada concierto. Elige con exquisito gusto a sus intérpretes y estos no defraudan. En el caso de Marc Hantaï y la clave Maude Gratton, decir que, a pesar de su aparente seriedad, ofrecieron un concierto magistral. El dominio de la flauta barroca de Hantaï es digno de las mayores alabanzas posibles. A mí, particularmente, me dejó perplejo, en el mejor sentido de la palabra. Vivir para ver y ver para creer. Presenciamos el arte de todo un maestro.

el repertorio

El dúo que se encargó de trasladarnos al siglo XVIII alemán, interpretó un programa que dejó bien clara la enorme calidad de este festival. Escuchar a Johann Sebastian Bach siempre es un placer. Me consta, por lo que comentaron muchos de los espectadores al término del concierto, que su Sonata en mi menor para flauta y continuo emocionó, y bastante. Cierto es que la música del patriarca de la extensa familia Bach es única en su especie. Todas sus obras rozan la perfección --si es que no son la perfección musical en sí misma--. Hantaï estuvo a la altura de las circunstancias y con ese sonido afable saliente de su flauta nos embelesó. Era de esperar. La fama de Hantaï, junto a la perfecta armonía de ese compositor sin parangón como fue J. S. Bach, debía atraparnos. Sí o sí.

Con igual precisión y complicidad, Hantaï y Gratton continuaron seduciendo al público con las sonatas de Johann Christian Bach y Carl Friedich Abel. A pesar de que la pieza de J. S. Bach resultaba mucho más sólidamente construida, las composiciones de la joven generación formada por J. C. Bach y Abel son dignas herederas de esa tradición musical de la Alemania dieciochesca. Todas las sonatas que pudimos escuchar en este concierto son verdaderamente excepcionales.

Durante todo el concierto tuvimos la oportunidad de ser partícipes en toda esta complejidad musical, en esas atmósferas cambiantes propias de esa época fascinante, repletas de mucha dulzura y emoción. La sala del Golafre, como muchos ya la llaman, ese espacio del Palau del Batlle de Vilafamés presidido por la obra de Joan Miró, fue testigo, una vez más, de la grandeza de un certamen que esperemos dure eternamente. La Tardor Cultural forma parte del patrimonio histórico-artístico de la provincia de Castellón y, me atrevería decir, de España. Desde las revistas especializadas más prestigiosas de hacen eco de la actividad que se lleva a cabo en este delicioso rincón de nuestra geografía por estas fechas de octubre. El hecho de que una personalidad como Marc Hantaï haya participado y demostrado su técnica, es algo que no debe dejarnos indiferentes. Bajo el influjo de la familia Bach --Johann Sebastian y Johann Christian-- y de Carl Friedich Abel, saboreamos ese primer plato del menú otoñal que la Tardor Cultural ha propuesto para este año.

Jugar con la percepción (artículo de prensa)

2011-10-22T09:27:00.000+02:00

Elena Asins frente a su obra 'Estructura óptica', que forma parte de la colección de Vilafamés. Fotografía: Joaquín Cortés/Román Lores

Creer firmemente en un ideal y comprobar que no se estaba equivocado --o, al menos, no en exceso--, es una de las sensaciones más placenteras que existen. Llámenlo falsa modestia, o ausencia total de modestia. ¡Tenía razón! Hay quienes se atreverían a tildar esa actitud de arrogante. Todo es posible. Sin embargo, a las pruebas me remito cuando digo que Castellón goza de un papel importante dentro de la cultura española. Fíjense, por ejemplo, en la ganadora del Premio Nacional de Artes Plásticas de este año, Elena Asins. La artista madrileña, precursora del arte conceptual creado a partir de la informática, tiene una relación especial con nuestra provincia. Muchos se preguntarán, ¿qué relación puede haber? El vínculo que une a esta creadora, que lleva más de cuatro décadas al servicio de la investigación artística, y Castellón se encuentra en el Museu d’Art Contemporani de Vilafamés, donde una de sus obras --quizá de las más importantes-- forma parte de su colección. Estructuras ópticas, que así se llama la gran pieza que hasta hace medio año, aproximadamente, poblaba una de las paredes del Palau del Batlle, es una de las obras más reconocidas de Asins, tal y como se ha podido comprobar a través de la exposición retrospectiva que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid le ha dedicado a su “hija pródiga”.

reconocimiento

En su día ya hablamos del interés mostrado por el MNCARS --especialmente por su director, el burrianense Manuel Borja-Villel--, de adquirir la cesión de dicha obra con motivo de este particular homenaje titulado Fragmentos de la memoria --que recordemos puede visitarse hasta el 31 de octubre en la capital madrileña--. Asins, tal y como recuerdan desde el MNCARS, “reúne la tradición constructiva de la vanguardia del siglo XX con la computación y la teoría de la información de la década de los sesenta, siendo considerada una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España”. La propia artista reconoce que “siempre me ha gustado experimentar dentro del campo visual, ese tema de las transacciones y las transformaciones visuales a través de la informática. Pero cuando comencé en los años sesenta, nadie creía que un artista pudiera usar una máquina”. No obstante, sí hubo alguien que creyó en la importancia de esta artista, Vicente Aguilera Cerni, el alma mater, el gran visionario del que fuera centro pionero de arte contemporáneo de España, el Museu d’Art Contemporani de Vilafamés. Por tanto, creo que sería necesario comentar la influencia positiva de este importante centro cultural en la tradición artística española de la década de los 60, 70 y 80. Elena Asins es uno de los iconos de ese importante periodo creativo. De hecho, la madrileña ha estado ligada a algunos de los proyectos más renovadores de la historia reciente del arte español, como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana o el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid.

Caracterizada siempre por un espíritu vanguardista y convencida de que “en el arte hay que experimentar”, Elena Asins se ha esforzado siempre por demostrar --a través de un lenguaje depurado y revolucionario y con distintos formatos como poesías, dibujos, vídeos, libros o esculturas-- que la informática y el arte están estrechamente vinculados. Estas cuestiones, que pueden resultarnos ajenas a nuestra comprensión, son algunas de las que se pueden responder en uno de los talleres didácticos que el Museu d’Art Contemporani de Vilafamés ha puesto en marcha para esta nueva temporada. Si nuestros lectores recuerdan, hace bien poco hablamos de estas actividades basadas en el llamado Optical Art, del que Asins es clara exponente. En el centro fundado por Aguilera Cerni tenemos la oportunidad de conocer de cerca ese arte impersonal y técnico, esos efectos visuales que juegan con nuestra percepción, esas obras de abstracción geométrica...

Gracias al interés del centro de Vilafamés, tenemos la oportunidad de adentrarnos en aquello que algunos llaman “la belleza del algoritmo” creado por Elena Asins. El universo de la computación y su relación con el arte o la experimentación estética son dos de los factores que definen el extenso trabajo de investigación realizado por la reciente Premio Nacional de Artes Plásticas, quien ha recibido este reconocimiento por “su carrera temprana, coherente, constante, polifacética; por su trabajo serio, desligado de las modas; por su innovación”. La noticia de la consecución de este galardón, suponemos que ha sido recibida con una enorme felicidad por aquellas personas que, día a día, se encargan de la conservación de un museo que debería gozar de mayor consideración por parte del público. No me cansaré de hacer hincapié en el importante patrimonio artístico de carácter nacional e internacional que se encuentra en Vilafamés. Ver para creer, ciertamente. Por esa razón, animo a todos a visitar el Palau del Batlle. Merece la pena realizar un recorrido histórico del arte contemporáneo español y sus diversas tendencias en “nuestra propia casa”. Además, y tras la finalización de la exposición retrospectiva de Asins en el MNCARS, siempre podremos decir que vamos a Vilafamés para ver la obra, in situ, de toda una Premio Nacional de Artes Plásticas, de un referente indiscutible de nuestra historia del arte. Artista, escritora, conferenciante y crítica de arte, Elena Asins es una de esas personas que viven por y para el mundo del arte. Aquí en Castellón somos partícipes de su preocupación. Sinceramente, y sin hacer uso de la falsa modestia, creo que es todo un lujo para nosotros. Como ven, Castellón es importante a nivel cultural.

Si Cohen lo dice, será verdad (columna de opinión)

2011-10-20T17:13:00.000+02:00

"La cultura saldrá adelante, con o sin ayudas públicas", dijo ayer mismo en Oviedo el poeta y cantautor canadiense Leonard Cohen. Si lo dice esta leyenda viva de la música, será verdad, o eso nos gustaría creer. Cierto es, esto está demostrado, que a lo largo de los siglos siempre han existido mentes inquietas --no sé hasta cierto punto si también privilegiadas-- cuya pasión por el arte, la literatura o la música ha sido tal, que han sacado adelante sus proyectos a base de esfuerzo, cabezonería y tesón. Saber esto da tranquilidad y unas cuantas alegrías, puesto que si nos viéramos ligados, única y exclusivamente, al poder de los gobiernos, estaríamos listos. Con esto no quiero decir que la ayuda de las instituciones sea innecesaria, ni mucho menos. Solo digo que uno debe tener cierto margen de libertad, un radio de acción autosuficiente en el que poder trabajar. Verse atado a unas directrices marcadas desde un sobrio despacho, no poder disponer de algo tan vital como es la iniciativa propia, provoca la muerte lenta de la imaginación --algo que es poco aconsejable, por no decir una catástrofe en toda regla--. Imagino que lo dicho por Cohen tiene algo que ver con estas desvariadas reflexiones mías. O no, y esté haciendo el ridículo; en cuyo caso, pido disculpas. Lo que sí debemos tener claro es que la dependencia no es la mejor compañera de viaje, al condicionar muchos movimientos. De tanto en cuanto, un poco de autogestión no va mal, fíjense, si no, en el proyecto Huesopiel de Trashformaciones --para mí uno de los grandes acontecimientos culturales del año en Castellón--. A pesar de no haber fondos, siempre habrá gente que escriba y lea, gente que cree obras de arte, gente que componga música, gente que busque su realización personal en el mundo de la cultura. ¡Menos mal!

Nobel para un poeta nórdico (artículo de prensa)

2011-10-15T10:29:00.000+02:00

Tomas Tranströmer. Fotografía realizada por The international service of Büro für Fotografie gezett

Muchos creen que en una provincia pequeña no prestamos atención a los grandes acontecimientos que inundan las páginas y telediarios internacionales. Hay quienes se empeñan en encerrarse en su propia coraza del mal llamado “localismo” y dejan pasar la oportunidad de abrir su mente hacia el exterior, hecho este que les ayudaría a experimentar momentos memorables en sus respectivas vidas. Nosotros, aquellas personas que nos involucramos cada semana en el terreno cultural, tenemos la suerte --o eso creo yo-- de no imponernos vendas en los ojos, ni tapones en los oídos, ni pañuelos o cintas adhesivas en la boca. Queremos, de forma egoísta lo digo, ver, oír y hablar de todo lo concerniente al mundo de la cultura y, por ende, del ser humano. Por esa misma razón, ¿por qué no hablar del último premio Nobel de literatura, el poeta sueco Tomas Tranströmer? Para muchos, este autor es un completo desconocido. Sin embargo, en Castellón ya hemos hablado de él. Ocurría en marzo del año 2009, cuando nuestro amigo, el escritor de Vila-real, Vicent Usó destacaba la obra La plaza salvaje y decía, con gran conocimiento de causa --Usó es un erudito en esto de las letras, no nos olvidemos--, que Tranströmer es uno de los que más ha influido en la poesía universal.

En aquella ocasión, Usó nos descubría algunas de las peculiaridades de un hombre que ahora ha visto recompensado su enigmática creatividad poética. “La poesía de Tranströmer bebe de los clásicos y al mismo tiempo del surrealismo, de los relatos bíblicos y de la poesía barroca, de la propia experiencia y de las doctrinas psicológicas y las interpretaciones metafísicas”, decía Usó, y añadía que “quien se decida a leerlo encontrará una poesía rica en imágenes y con referencias filosóficas que reclaman, eso sí, una lectura muy atenta”. Como ven, desde Castellón también nos hacemos eco de los grandes acontecimientos e incluso somos partícipes de los mismos haciendo uso de algo tan valioso como es opinar sobre los mismos. Nuestra voz, al igual que la del resto de zonas de este mundo, es importante. Por ese motivo, me parecía propicio recuperar lo dicho por Vicent Usó hace ya dos años, ya que es un tema de gran actualidad.

El jurado del premio Nobel decidió otorgarle el prestigioso galardón, “porque a través de sus imágenes condensadas y translúcidas nos permite el acceso a la realidad”. Algunas de esas imágenes condensadas y translúcidas que le han valido tal reconocimiento las podemos encontrar en las obras El cielo a medio hacer --una antología que recoge parte de su producción-- y Deshielo a mediodía --donde se reúne casi el resto de su obra--, ambas publicadas por una de nuestras editoriales independientes favoritas, Nórdica Libros, de la que ya hemos reseñado algunas de sus publicaciones. Desde la editorial tienen claro que la obra de Tomas Tranströmer “es una fuente de inspiración para muchos poetas”. Asimismo, cabe destacar que sus versos son los más traducidos en Estados Unidos tras los de Pablo Neruda, un hecho a tener en cuenta, a razón del gran mercado editorial que existe en el país americano. Así pues, resulta curioso que un autor de su talla sea prácticamente un desconocido en España. Desde aquí nos contentamos al saber que “uno de los nuestros” conocía bien su poética. En Castellón nos preocupan muchas cosas e insisto en la necesidad de compartir esas experiencias con el resto de la sociedad. La obra de Tomas Tranströmer está llena de metáforas maravillosas, muy sencillas, con mucho de cotidianeidad; nos acerca a otra cultura, algo que ya podemos descubrir.

Criticar el espacio público (artículo de prensa)

2011-10-14T12:47:00.000+02:00

Existen personas que se preguntan por el papel que desempeña la cultura como infraestructura, como parte vertebradora del entramado urbano de una ciudad. Dicho de otro modo, existen personas que se cuestionan cuál es la relación existente entre el arte y la arquitectura, los nuevos museos y su carácter multidisciplinar, las nuevas tecnologías y la reflexión sobre el espacio.

Definir, diseñar, construir y activar espacios es la base creativa tanto para el arte como para la arquitectura. Imagino que esto es algo incuestionable. Sin embargo, ¿son dos líneas paralelas? ¿cómo y dónde se encuentran? ¿cómo puede una afectar a la otra? A la vista de algunos proyectos realizados por grandes arquitectos, esa línea que posibilitaba su diferencia ha visto mermado su grosor. Rápidamente le vienen a uno imágenes de edificios surgidos de la nada por mentes como Frank Gehry, o aquellas construcciones renacentistas y barrocas, o de la antigüedad, etc. Hay personas que no dudan en tildar de arte esa clase de arquitectura. Por tanto, no es de extrañar que exista un constante debate que afecte a todo lo concerniente con el mundo del arte y su relación con una ciudad y su planificación urbana.

Hace bien poco, y como ejemplo de lo que decíamos, descubrimos que en la galería de arte contemporáneo Víctor Lope de Barcelona, tres fotógrafos exponen sus visiones de cómo han cambiado espacios urbanos concretos y la huella que de manera más o menos consciente están dejando en el futuro. Matthias Heiderich o la demostración de que sí hay color en la ciudad de Berlín; 100 abandoned houses / retratos de casas abandonadas de Detroit, de Kevin Bauman; y Bernhard Hartmann, que explora la significación de las óperas. Tres proyectos que ahondan en esa relación existente entre arte y ciudad, y cómo el arte --al igual que un buen proyecto arquitectónico-- puede mejorar el urbanismo de la misma. En Castellón también tenemos ahora la posibilidad de conocer esa extraña pareja formada por el arte y la urbe. Hablamos de la muestra Territorios que se puede ver en el Edificio Hucha de la capital de la Plana, previo paso por el CMC La Mercé de Burriana. Por otro lado, y de nuevo fijamos nuestra vista en la capital de la Plana, el próximo 22 de octubre el Espai d’Art Contemporani ha organizado el simposio Antimonumentos: crítica en el espacio público. Coordinado por la crítica Ángela Molina, en esta jornada se reunirán comisarios, historiadores y urbanistas que reflexionarán --o al menos, esa es la pretensión-- sobre la necesidad de una crítica en la confección de las ciudades. El objetivo es buscar una opinión independiente, alejada del canon y los meramente institucional, con el fin de “perturbar una cultura dominante que depende de un sistema de valores y líneas de autoridad aparentemente incólumes”, según cuentan.

el simposio

Iria Candela, Patricia Esquivas, la oficina Latitudes y el proyecto Racons Públics serán los protagonistas de este encuentro que busca dotar, en cierto modo, un papel superlativo al museo de la actualidad. Y es que, como ya escribiera en un artículo anterior, los museos ya han dejado a un lado su versión de meros espacios almacenadores de arte. Ahora, el espacio museístico es un instrumento cultural en sí mismo que busca construir proyectos en los que implicar a la sociedad del lugar en el que se encuentran. Interactuar con el espectador, alargar sus redes hacia el exterior, extrapolar sus funciones más allá de las paredes del edificio... Son algunas de las metas que se persiguen y que dan lugar a una tendencia por fusionar los lugars de producción y exhibición. Para entendernos, y como cuenta Ángela Molina, “todo el aparato institucional que rodea a la obra participa en la creación de nuevos valores y significados estéticos”. A través de cada uno de los ponentes de este seminario, seremos capaces de advertir esa transformación del arte como parte fundamental de la infraestructura social de una ciudad y, cómo no, las estrategias para conformar una concepción educativa y participativa de los museos en el aspecto de la misma. Latinoamérica: la calle como experimento; Liebe Frau; Portscapes: itinerarios y destinos en el puerto de Róterdam; y Racons públics, arte y microcirugía urbana serán las conferencias de este singular encuentro de mentes inquietas. Y es que el arte puede ser un punto de encuentro excepcional para hacer de nuestros hogares un lugar mejor en el que vivir.

Sonatas alemanas. Tardor Cultural'11

2011-10-09T20:23:00.000+02:00

En multitud de ocasiones, cuando escribimos un artículo, lo hacemos intentando ser objetivos, manteniendo el pulso para informar como es debido de cualquier acontecimiento. Sin embargo, muchas veces uno no puede poner en práctica estas habilidades y debe --o mejor dicho, necesita-- escribir de corazón. Este artículo es uno de esos en los que el sentimiento prima --no podría hacerlo de otro modo, ni quiero--. Hace casi un año escribíamos apesadumbrados sobre el punto y final de un festival que enamora a propios y extraños. La Tardor Cultural de Vilafamés, que tan buenos momentos nos ha brindado hasta la fecha, se despedía tras una demostración exquisita de lo que es ser un certamen familiar pero de gran proyección internacional. Recuerdo que pensé: “ojalá este festival durara todo el año”. Todo esto lo digo de forma egoísta, ya que soy un enamorado de la música que con tanto esfuerzo y pasión nos ofrece en cada edición su directora, que siempre prefiere permanecer en un segundo plano, María Martínez Belaire. También soy un enamorado de Vilafamés, de modo que no es descabellado el pensar que si unimos dos pasiones en una, el resultado sea tan grandioso --a mi parecer--. Pues bien, casi sin darnos cuenta, el tiempo ya pasó y nos encontramos con la grata sorpresa de que el próximo sábado, 15 de octubre, comienza una nueva aventura musical.

“No hay otoño feliz sin la Tardor Cultural”, dije una vez. Y lo mantengo fervientemente. El proceso que se realiza para que este festival cobre vida cada año es duro y enigmático a la vez --según he podido constatar--. Cuando el programa está listo, y el cartel completado, tan solo cabe dibujar una sonrisa en nuestro rostro y dejarnos seducir por un ambiente único y apacible como es el Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés, rincón espiritual y parte esencial de toda esta ensoñación. El ritual es magnífico, puesto que las caras de aquellas personas que deciden asistir a los conciertos se asemejan mucho a la tuya. Todos gozan, imaginan y respiran un aire cargado de emociones. Ante tal escaparate, creo no haberme equivocado al decir, en aquella ocasión, que en otoño, y gracias a la Tardor, se es mucho más feliz. ¿O me equivoco?

presente edición

Si el pasado año disfrutamos con la música de la corte del rey Sol, anduvimos por los jardines del palacio de Versalles y recorrimos algunos rincones de esa Francia dieciochesca, en la presente edición viajamos un poco más hacia el norte de Europa. Alemania será nuestro destino en cada uno de los tres conciertos que tendrán lugar los próximos días 15, 22 y 29 de octubre.

Bajo el influjo del inigualable Johann Sebastian Bach, tendremos la oportunidad de escuchar piezas del propio maestro alemán, de su hijo menor Johann Christian Bach, de Carl Friedich Abel y de Christoph Schaffrath. ¿Y quiénes serán los intérpretes? Obviamente, en un festival es vital contar con un repertorio atractivo y unos músicos brillantes. En este sentido, podemos estar más que satisfechos. Si una cosa caracteriza a la Tardor, edición tras edición, es lo increíble de su elenco. Algunos de los mejores solistas de la actualidad han desfilado por Vilafamés, algo que no debería dejar a nadie indiferente, más bien todo lo contrario. Creo necesario hacer un llamamiento para reconocer el inmenso trabajo que ello supone, y que revierte positivamente en la imagen de Castellón hacia el exterior.

En esta ocasión, Marc Hantaï, Maude Gratton, Nicolau de Figueiredo, Pere Ros y Sabina Colonna Preti serán los protagonistas. Yo, de forma sincera, me levanto el sombrero, y no digo esto para complacer a nadie. Revisando los currículums de cada uno de ellos ya se puede intuir su excelsa calidad. De entre todos estos nombres, los que quizá nos suenen más sean los de Marc Hantaï y Pere Ros. El apellido Hantaï goza de un lugar privilegiado dentro de la investigación e interpretación musical actual. Junto a sus dos hermanos, Pierre y Jérôme, conforma el Trio Hantaï. Los Hantaï son, curiosamente, discípulos de otra de las sagas familiares más famosas del panorama musical europeo e internacional, los Kuijken. Al igual que estos últimos, la pasión por el periodo barroco es algo digno de mención. Para que tengan constancia, Marc ha participado como flautista principal junto a numerosas y conocidas orquestas de música antigua como La Petite Bande --que dirige Sigiswald Kuijken--, The Amsterdam Baroque Orchestra --bajo las directrices de Ton Koopman--, Le Concert des Nations --la formación de Jordi Savall--, Collegium Vocale --cuya batuta principal es Philippe Herreweghe--, Les Arts Florissants --William Christie es su director--, Anima Eterna --con Jos van Immerseel-- o Ricercar Consort --Philippe Pierlot--. Dicho de otro modo, la crème de la crème, la flor y nata.

En el caso de Pere Ros, basta decir que es uno de los mejores intérpretes de viola da gamba de España y Europa. Referente en este instrumento, no creo que sea un atrevimiento decir que junto a Jordi Savall es nuestro buque insignia. Ros ha grabado con algunas de las mejores casas discográficas: EMI, Claves, Harmonia Mundi, Erato, Archiv-Produktion --propiedad de la Deutsche Grammophon--... Sin embargo, una de sus mejores cualidades puede que sea su carácter docente, que ha practicado en la Musikhochschule de Karlsruhe o el Conservatorio de Hamburgo. Actualmente, Pere Ros es profesor del Real Conservatorio Superior de música de Madrid. Como bien remarcan algunos, “Ros interpreta un riquísimo repertorio con la ayuda de unos instrumentos que el paso del tiempo ha convertido en joyas, de unas fuentes históricas inagotables y de un notable bagaje técnico basado en la intuición y el estudio”. Una delicia.

el contexto

Sin olvidarnos del resto de participantes --no se nos vayan a enfadar--, nos gustaría situar al lector en la época del programa. Para ello, basta citar el Siglo de las Luces, la Ilustración. ¿Se hacen ya una idea? Marc Hantaï y Maude Gratton ofrecerán un concierto bajo el título J. C. Bach y Abel, amigos y pupilos de J. S. Bach. Ambos músicos interpretarán la Sonata en mi menor para flauta y continuo, de Johann Sebastian Bach; la Sonata en Fa Mayor para flauta y clave obligado, de Johann Christian Bach; la Sonata en Sol Mayor para flauta y continuo, de Carl Friedich Abel; la Sonata en Re Mayor para flauta y clave obligado, de J. C. Bach; y la Sonata en si menor para flauta y clave obligado, de J. S. Bach.

Por su parte, el clavecinista brasileño Nicolau de Figueiredo, interpretará exclusivamente piezas del hijo menor del maestro Johann Sebastian Bach. El gran solista del clavicembalo ofrecerá la Sonata Op V / 2 en Re Mayor; la Sonata Op.V/3 en Sol mayor; la Sonata Op. XVII/2 en Do menor; y la Sonata Op. XVII/6 en Si bemol mayor. Johann Christian se hizo conocido no solo como compositor de óperas, sino también de música instrumental, tal y como se podrá comprobar en el concierto del sábado 22.

Finalmente, Pere Ros y Sabina Colonna Preti --quien ha colaborado con Claudio Abbado, Philippe Pierlot, Jill Feldman, Roberto Gini y Kees Boeke, entre otros-- sorprenderán con un concierto titulado Dos violas da gamba en diálogo galante. Alrededor de Carl Friedich Abel (1723-1787). Ambos violas ofrecerán la Sonata en la menor, de un autor anónimo de la Biblioteca Nacional de Francia, de 1750; las Piezas en re menor, Sonata en mi menor y Piezas en la mayor, de Carl Friedich Abel; y el Dueto en re menor de Christoph Schaffrath (1709-1763). Sin duda, este diálogo de instrumentos será el mejor colofón que uno podría imaginar para una cita que, seguro, vuelve a triunfar en el imaginario colectivo de los melómanos más selectos y de aquellos que se inician en el majestuoso mapa de la música barroca.

La Tardor Cultural de Vilafamés ya está a la vuelta de la esquina. La sensación de nerviosismo ya aflora y las ganas de disfrutar son inmensas.

Un nexo con el mercado (artículo de prensa)

2011-10-08T22:05:00.000+02:00

'The kitchen', obra de Marina Abramovic

Larry Gagosian, Jay Jopling, Harry Blain, Nicholas Logsdail, Marc Glimcher... Estos son los nombres de un selecto grupo que controla el rumbo del gran mercado del arte. Recientemente leí un artículo que se centraba en el inmenso poder que estos “gurús” poseen en el mundo del arte. Son las cabezas visibles de las galerías más poderosas del planeta y creo que no hace falta decir que han obtenido un éxito sin parangón. Son los propietarios de algunas de las colecciones más codiciosas del arte contemporáneo y logran colocar sus piezas allá donde quieren o les interese. Todo artista que se precie de querer rubricar su nombre en los anales de la historia, busca la forma de que este selecto grupo fije su mirada en ellos.

La Gagosian Gallery, White Cube, Haunch of Venison, Lisson Gallery o Pace Wildenstein son algunas de esas cunas del arte contemporáneo de hoy. No me digan porqué pero sentí la necesidad de ahondar en cada una de ellas, ver a qué artistas representan. Cuál fue mi sorpresa al comprobar que muchos de esos nombres han tenido relación con Castellón. ¿No lo creen? Tan solo deben visitar sus páginas web y verán que no miento. ¿Y cuál puede ser esa relación con nosotros? La unión entre ambos mundos se produce gracias al Espai d’Art Contemporani. Gracias al EACC hemos podido ser partícipes de las creaciones de algunos de los mejores y más reconocidos artistas contemporáneos. El listado es muy largo, por ese motivo hemos decidido nombrar a los que creemos gozan de una posición privilegiada en este singular universo de oferta y demanda estética-monetaria. A lo largo de los diez años de vida del Espai, han poblado sus paredes y rincones --o han participado en alguno de sus proyectos-- nombres como Bruce Nauman, Cindy Sherman, Louise Bourgeois, Marlene Dumas, Jeff Wall, Nancy Spero, Joseph Beuys, Marina Abramovic, Bill Viola, Daniel Buren, Lawrence Weiner, Mario García Torres, Ai Weiwei, Dora García, Barbara Kruger, John Baldessari, Atsuko Tanaka... Todos estos creadores son la flor y nata del mercado actual y son algunos de los buques insignia de las grandes galerías mundiales. Dicho de otro modo, mueven millones y millones de dólares.

Los marchantes más selectos, los museos de referencia, las salas de mayor reputación... todos se pelean por contar entre su amplio catálogo con algunos de estos artistas que han dejado su impronta en la capital de la Plana. ¿Asombroso, no? La idea de que todas esas figuras tengan un nexo con Castellón es emocionante, puesto que revela la trayectoria ascendente de una sociedad en el ámbito cultural. O, al menos, eso quisiera creer. No creo que haga falta decir que estos artistas han alcanzado el éxito con mayúsculas, aunque sean una minoría dentro del vastísimo círculo de creadores que existen hoy. A pesar de todo, podemos decir orgullosos que nuestra provincia se ha podido codear con centros urbanos en los que las subastas de algunas de sus obras alcanzan cifras astronómicas.

una entre un millón

La posibilidad de ver en directo, en el mismo espacio y en una provincia pequeña como es Castellón, piezas emblemáticas dentro del sector del arte podría decirse que es una entre un millón. Sin embargo, debemos dar gracias por disponer de un lugar en el que todo eso es posible. La labor del EACC ha sido y es --hasta la fecha-- valiosísima para los intereses de aquellas personas que buscan ampliar sus miras con respecto al arte contemporáneo y la cultura en general. Podemos decir que somos cómplices, en cierto sentido, del gran poder que abarcan los gurús del mercado.

garantía de triunfo

La destreza de gestionar arte es, valga la redundancia, todo un arte. A mediados del siglo XX la confianza lo era todo. Una gran galería lograba que sus clientes tuvieran la certeza de que no era necesario cuestionar ni la obra de arte ni su precio. Puede que esta situación haya provocado, a la larga, que todo el sistema de tasación artístico sea un tanto dudoso. A pesar de todo, huelga decir que las galerías de primera categoría descubren y desarrollan artistas, además de enriquecerse. Las salas que mencionábamos al principio cuentan con un capital operativo que marearía a más de uno. Tienen excelentes contactos y no dudan en escoger a los artistas más comerciales ya consolidados, esos que decíamos hemos podido conocer en Castellón.

Otro punto a tener en cuenta para garantizar el éxito de una galería es, cómo no, el atrevimiento y apuesta por nuevos valores. En este sentido, creo que la provincia es un gran ejemplo con iniciativas como el Premi d’Art Contemporani de la Diputació Provincial, cuyos ganadores son ahora también referentes --hablamos, por ejemplo, del caso del mexicano Mario García Torres--.

Sin duda, todo este complicado escenario del mercado del arte resulta difícil de entender y, también, atractivo. Tal y como remarcaba Olga Martínez en el artículo que me ha servido para escribir esta reflexión, todos los agentes implicados, sean estos comisarios, agentes, directores de museos, propietarios de galerías o artistas, “son responsables --quieran o no reconocerlo-- de que cierto tipo de arte sea tan popular: el que es tan caro”. Lo bueno de todo es, que aquí en Castellón, ese arte “tan caro” lo hemos podido disfrutar durante una década de forma totalmente gratuita. Es el premio por contar con un Espai d’Art Contemporani que trabaja por acercanos las propuestas más innovadoras, controvertidas e interesantes del actual mercado. El arte contemporáneo tiene la capacidad de intimidarnos y, al mismo tiempo, asombrarnos.

Relatos de gran potencia verbal (reseña literaria)

2011-10-07T15:46:00.002+02:00

Leo: "ficción excelentemente trabada, que trastoca buena parte de los tópicos femeninos". Lo escribe Agustín Fernández Mallo en referencia a la obra La reina del burdel, de Macky Chuca. Sabedores de las tretas que las editoriales practican para ganar lectores --y por ende, vender más libros y saciar sus arcas--, el hecho de que en las portadas de muchas obras aparezcan este tipo de mini-reseñas suele provocar dos actitudes frente al libro: por un lado, nos resulta más atractivo, puesto que uno o varios expertos han hablado bien de él; por otro, rechazo al pensar que todo es una estrategia para ocultar la verdadera calidad de la obra en sí. En el caso que nos ocupa, debo decir que no me he dejado llevar por ninguna de las dos opciones anteriores. Cierto que leí lo escrito por el autor de Nocilla experience, pero simplemente con sumergirse en las primeras líneas de estos relatos --ganadores, por cierto, del VIII Premio Café de Mon-- te engancha.

Frases cortas, incisivas, aparentemente inconexas. Sin embargo, toda la ficción de Macky Chuca está perfectamente hilvanada. La temática que sugiere es bien conocida, sobre todo para las mujeres. Chuca habla del amor, el desamor, la soledad, los primerizos juegos sexuales, los traumas, la familia, el qué dirán de mí, los demonios internos, la pasión... Algunos pensarán que estamos ante otra lectura "romanticona", pero nada más lejos. Esa es la clave del porqué cada oración de estos relatos suena a puñal clavado. La escritora --y cantante de un grupo punk rock-- deja a un lado los tópicos literarios que abordan al mundo de la mujer, les confiere un sentido mucho más postmoderno al no creer en ninguno de los discursos que dirigen nuestras vidas. La reina del burdel tiene rabia, ira contenida, veneno... pero también goza de momentos donde la inocencia aflora y el lirismo se hace presente. Macky Chuca escribe de forma directa, sin contemplaciones y con una técnica cercana a la poética. Me recuerda a una amiga murciana --que no marciana--, también narradora sincera y espontánea. ¿Será que las mujeres literatas de hoy en día han dejado a un lado la pomposidad y el rebuscamiento en pro de la sencillez? Será, a razón por esta lectura que impresiona por su potencia, su tensión y belleza. La editorial mallorquina Sloper, debo decir, me ha sorprendido de nuevo. Sin pudor, ni tabúes.

Rediseñando la ciudad... gracias a 'Racons Públics'

2011-10-04T11:07:00.001+02:00

Cómo mejorar el entorno de tu ciudad? Esa es una de las cuestiones que muchos ciudadanos se formulan cada día. Ahora esto es posible gracias al proyecto Racons Públics Castelló que promueve el Espai d’Art Contemporani de Castelló junto al Periódico Mediterráneo y el Ayuntamiento de Castellón. La fórmula es bien sencilla: un concurso público en el que todos pueden opinar. Desde el pasado 2 de octubre, hasta julio del 2012, cada primer domingo del mes el diario de Castellón y www.raconspublicscastello.com informarán de las propuestas que promueven la participación ciudadana en el diseño urbano.

Ocho serán los rincones emblemáticos de la ciudad que se plantearán para su recuperación y dinamización. Una ocasión única que gracias al EACC, y bajo el comisariado de Sara Dauge y Alejandro Giménez Imirizaldu, será posible llevar a cabo. La pretensión no es otra que reformular lugares degradados, olvidados o desaprovechados, para su uso público. Dicho de otro modo, devolverles su esplendor. Los concursantes tendrán siete u ocho semanas para presentar su propuesta sobre cada rincón, tras lo cual se convocará a un jurado que seleccionará cuatro, que deben incorporar un análisis de todos los condicionantes del entorno: formales, ambientales, sociales, económicos, urbanísticos...

Esta iniciativa, que se ha llevado con éxito en otras ciudades como Barcelona --la pionera--, Bilbao o Sao Paulo, me parece de gran interés, puesto que consiste en que los castellonenses compongan una opinión positiva de aquello que no les gusta de la ciudad --ya era hora de que nos permitieran decir aquello que pensamos sobre el mal crecimiento urbanístico y planificación de la ciudad--. Los dos objetivos fundamentales son abrir la disciplina urbanística a otros campos de las artes y las ciencias, y recuperar para la ciudad un número de rincones significativos. Mi relación con Racons Públics no es otra que coordinar las publicaciones mensuales que salgan en el periódico. Como siempre, es un placer colaborar conjuntamente con el EACC por el bien de una ciudad que, tal y como reconoció Alejandro Giménez, "es de luces y sombras". Aunque, como yo soy un poquitín más crítico, diría que hay más sombras que luces, pero bueno.

Vanguardia nipona (artículo de prensa)

2011-10-03T15:34:00.000+02:00

'Electric Dress',1956 (Takamatsu City Museum of Art)

Un ejercicio por recuperar la memoria de una de las artistas orientales más destacadas de los años cincuenta y sesenta. Ese es, a grosso modo, el objetivo que persigue el Espai d’Art Contemporani de Castelló con su próximo proyecto expositivo, El arte de conectar. La muestra se centra en la figura de Atsuko Tanaka, personaje sorprendente de la vanguardia artística en Japón. Muchos se preguntarán quién es exactamente Tanaka, qué fue lo que la diferenció del resto de sus contemporáneos, porqué es importante en la historia del arte contemporáneo. Analizando su trayectoria uno puede llegar a comprender esas cuestiones y darles una respuesta coherente. Sin ir más lejos, pensar que en la década de los 50, con un país marcado todavía por la II Guerra Mundial e intentando resurgir económica y socialmente, ver a una mujer capaz de romper fronteras en el arte es algo a tener muy en cuenta. Atsuko Tanaka fue, por decirlo de un modo más elocuente, pionera y revolucionaria. Pionera por ser una de las primeras artistas en acercarse a otras disciplinas que no fueran las pictóricas. Revolucionaria porque con su obra llegó a influenciar a muchos artistas de su generación y posteriores.

¿movimiento gutai?

Para entender el arte de Tanaka hay que adentrarse en el denominado movimiento Gutai, una disciplina que surgiría en 1955 y que, principalmente, mostraba una especial predilección por el arte de acción o happening. El grupo nació a raíz de la terrible experiencia de la II Guerra Mundial. Rechazan el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas, con un sentimiento de crispación, con una agresividad latente --ruptura de objetos, acciones con humo...--. Jiro Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburo Murakami, Katsuo Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka --los artistas que conformaron este peculiar conjunto de mentes creativas-- lograron influenciar a grupos tan relevantes como Fluxus o a artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell.

Aún con todo, puede que muchos sigan con dudas sobre la valía de Tanaka en el contexto internacional. A esas mentes dubitativas bastará decirles que las obras basadas en la performance del grupo Gutai, sobre todo en las que participó activamente Tanaka, ampliaron el informalismo y el action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En otras palabras, fueron causa de una nueva concepción del arte, de entender el proceso de creación y su posterior materialización. El país del Sol Naciente pedía paso en el intrincado mundo del arte contemporáneo con Atsuko Tanaka al frente. Precisamente, tras abandonar al grupo Gutai en 1965, Tanaka seguiría sorprendiendo a propios y extraños. A partir de ese momento, la nipona creó sus pinturas, de esencia contemplativa. Su obra a partir de entonces se interpreta, tal y como remarcan desde el EACC “como una abstracción colorista simplemente ornamental, socavada por su sutil intensidad en el acto de la creación”.

'Thanks Sam', 1963 (Chiba City Museum of Art)

Gestos desafiantes en un universo caótico muy personal. Esa podría ser una definición de su arte. Sin embargo, también hay que destacar la fusión y la búsqueda de materiales que le servían como plataformas de expresión. Todo ello se podrá comprobar a partir del 7 de octubre en el Espai d’Art, donde se inaugurará la mayor exposición dedicada a esta figura tan peculiar. Gracias al interés del EACC, la Ikon Gallery de Birmingham, el Museum of Contemporary Art Tokyo y la Japan Foundation, los castellonenses podrán hacer un recorrido exhaustivo por su obra: sus trabajos más tempranos, como los dos collages de papel de su serie Calendar; tres obras más ligeras, sin ningún tipo de inscripción, tituladas Work (Yellow Cloths), de 1955; dos de sus obras más conocidas Bell, 1955 y Electric Dress, 1956; tres dibujos basándose en Bell llamados Untitled (Study for ‘Bell), mucho más técnicos; un recorrido de la artista por su etapa Gutai, que se encuentra clasificada en Gutai Study de 1957 y Gutai Painting de 1961/63; y obras pertenecientes a su último período Post Gutai que fue de 1966 a 2004 --un año antes de morir--.

Sin duda, esta es una oportunidad única en España para conocer a una de las artistas que salen poco en los libros de historia del arte pero que, curiosamente, tiene mucho que ver en las transformaciones surgidas en el siglo XX. Atsuko Tanaka fue una de las causas por las cuales el concepto de arte avanzó para siempre fusionando definitivamente el arte de vanguardia del siglo XX con la mayoría de avances materiales, técnicos y sociales de todo el siglo y hasta hoy mismo, todavía... Un auténtico homenaje en Castellón.

El 'huesopiel' de Trashformaciones (artículo de prensa)

2011-09-25T17:44:00.000+02:00

Muro ciego - 1300. Realizado en 2009. Fotografía de Pau Bellido

Érase una vez, dos hermanos que vieron grandes posibilidades donde otros no veían. Dos hermanos que supieron sacar provecho de aquellos objetos que nadie quería. Dos hermanos que transformaron la materia en desuso para convertirla en arte. Dos hermanos inquietos que buscaron nuevos paradigmas en el mundo del arte y que lograron descubrir nuevas vías de expresión. Pablo y Blas Montoya llevan tiempo persiguiendo un objetivo muy claro: reflexionar sobre el propio arte. Para alcanzar dicha meta, hicieron valer la imaginación, ese arma tan poderosa de que disponemos los seres humanos --aunque muchos no sean capaces de hacer uso de la misma--.

A partir de los ‘objets trouvés’ y bajo la influencia, imaginamos, de ‘l’arte povera’, los hermanos Montoya comenzaron su andadura en el denominado ‘arte del deshecho’. Desde que iniciaran esta aventura se han convertido en todo un referente, cosa que no sorprende a razón de las piezas que crean de la nada. No detallaré el currículum de estas dos mentes inquietas, pero cabe destacar que sus participaciones en el festival ‘Drap Art’ del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) o el seminario ‘Cinark. Arquitectura de reelaboración y tectónica sostenible’, organizado por la Escuela de Arquitectura de la Academia Danesa de Bellas Artes en Copenhague, ya dicen mucho en su favor.

Como buenos artistas, siempre buscan nuevas formas de creación. Sus estudios en diseño y arquitectura provocan que el fomato más usual sea el escultórico. Aún con todo, cada proyecto difiere del anterior, bien por la dimensión, el material a utilizar o por el concepto que persiguen. De forma sincera, diré que ese trabajo “artesanal” que realizan es admirable. Las horas invertidas, el esfuerzo realizado --tanto físico como mental-- y la plasmación de esas ideas que surcan sus mentes, provocan que su producción sea contínua. Por ese motivo, ahora han decidido mostrar al público el trabajo que llevan realizando en los dos últimos años.

A partir del próximo jueves, 29 de septiembre, su propio taller se convertirá en sala de exposición. ¿Y qué podremos ver allí? Bajo el nombre de Huesopiel, Pablo y Blas Montoya han creado un proyecto que, advertimos, puede provocar el Síndrome de Stendhal --quedarnos boquiabiertos por la grandiosidad de las piezas expuestas--. Yo mismo he tenido la suerte y el privilegio de haber visto ya esta instalación, a pesar de que faltaban muchos retoques todavía. Me quedé sin palabras. La idea y la propia exposición son tan inmensas que, únicamente, puedes balbucear cuatro palabras sueltas. No quisiera parecer demasiado “pelota” al decir que este showroom dará que hablar, y mucho. Asimismo, estoy convencido que, a partir de esta iniciativa, el futuro de los Montoya será muy alentador.

Muro mixto - 950. Hierro, 160 x 200 x 20 cm. Realizado en 2011. Fotografía de Pau Bellido

Para formalizar y conceptualizar este proyecto, los dos hermanos vieron en la persona del artista y comisario vila-realense Pascual Arnal como perfecto catalizador. Fue el propio Arnal quien me comentó la aventura que habían emprendido los Montoya, y fue él quien me avanzó que ‘Huesopiel’ era algo que nunca se había visto antes en Castellón. Tenía razón. En este sentido, Arnal remarcó que “tendemos a pensar que aquellos trabajos artísticos basados en la reutilización de la materia solo son meros dispositivos que se prestan al azaroso juego de la elección y composición. En el caso del colectivo Trashformaciones este juego deviene en una sólida e inusual conceptualización escultórica basada en la desactivación y reformulación de la función primigenia para la que fueron creados”. Esa es, en esencia, la idea que persiguen e intentan divulgar Pablo y Blas con este proyecto. Detrás de lo que creemos inservible, existe todavía un número infinito de posibles usos. En este sentido, tal y como Trashformaciones apunta, “Huesopiel’ es el resultado de todos esos años de experimentación y reflexión en torno a la materia prima surgida en el negocio familiar”. A partir de la chatarra, los hermanos Montoya crean y crean esculturas imposibles.

La instalación, que se encuentra en su propio taller ubicado en Almassora, está dividida en dos partes independientes, a priori. Sin embargo, basta echar un vistazo para comprobar que están conectadas por un juego de contrarios alrededor de los conceptos “hueso” y “piel”. El hueso, el sustento, está representado por grandes muros de hierro compuestos por vigas de construcción cortadas y moduladas a modo de ladrillos, generando espacios, paredes, celosías, lienzos cerrados y figuras geométricas. La piel la conforman una serie de coches y motos aplastados hasta convertirse en una representación gráfica de ellos mismos, que penden del techo del taller y parecen escurrir su jugo en cubetas de aceite quemado. Ver para creer, al fin y al cabo. Alucinante.

Detalle de la instalación 'Huesopiel'. Fotografía de Pau Bellido

Álvaro de los Ángeles, uno de los críticos más prestigiosos de la Comunitat Valenciana, también se ha dejado seducir por este proyecto --no es de extrañar--, y ha escrito un texto titulado ‘La labor del artesano en el laberinto del arte contemporáneo’, que se podrá leer en el catálogo de la propia exposición. A grosso modo, De los Ángeles hace hincapié en la labor más artesanal de este trabajo, destaca la valía que tiene el que sean los propios hermanos quienes se enfunden el mono de trabajo y forjen sus creaciones. Ciertamente, tienen mucho mérito. Desde aquí, estamos convencidos de que pueden competir al nivel de algunos nombres paradigmáticos de la escena escultórica internacional y animamos a nuestros lectores a contemplar tan grandiosa obra. Realmente, es algo único.

Más información en www.trashformaciones.com

La ironía de Karl Marx sobre la criminalidad (reseña literaria)

2011-09-24T12:00:00.000+02:00

“El filósofo produce ideas, el poeta poemas, el cura sermones, el profesor compendios, etc. El delincuente produce delitos”. Sin embargo, “el delincuente no produce solamente delitos: produce, además, el derecho penal y, con ello, al mismo tiempo, al profesor encargado de sustentar cursos sobre esa materia y, además, el inevitable compendio en que este mismo profesor lanza al mercado sus lecciones como una ‘mercancía’. Lo cual contribuye a incrementar la riqueza nacional...” Increíble, ¿no?

Este es el comienzo de uno de los capítulos que engloban la obra Elogio del crimen, de Karl Marx. Curiosamente, el fragmento que acabo de transcribir forma parte de uno de los textos que este “filósofo de la sospecha” escribió entre 1860 y 1862 a modo de apéndice en su obra Teorías de las plusvalías.

La editorial Sequitur ha sido la encargada de recopilar, mediante el trabajo de Javier Eraso Ceballos, una serie de pequeños escritos que tratan abiertamente sobre la productividad de esta ‘profesión’. Quizá parezca extraño que un personaje como Marx escribiera sobre los delincuentes y el crimen. No obstante, tiene razón cuando dice que si no existieran ambos, parte del sistema por el que nos regimos no existiría. El alemán es conciso al precisar que sin los delincuentes toda la policía y la administración de justicia penal no tendrían cabida y, por lo tanto, miles de puestos de trabajo no deberían existir. Con ello no da a entender que la figura del criminal sea esencial para la supervivencia del ser humano. Únicamente, reflexiona sobre una de las partes --aunque marginal-- de la sociedad, y lo hace con una ironía exquisita que, a la postre, nos conduce hacia una reflexión aún mayor: la crítica del sistema establecido.

A lo largo de este diminuta obra, podemos conocer la opinión de Karl Marx sobre la pena capital, el pauperismo, la ley, la filantrópica burguesía y, en definitiva, la criminalidad --esa patología humana indiscutible--. La lectura es amena, educativa y, por momentos, nos ofrece la posibilidad de sonreír. Y es que Elogio del crimen muestra el poco conocido sentido del humor y el sarcasmo que solía acompañar a su riguroso e insoslayable genio en la filosofía política y económica. Marx consiguió con este compendio de textos mostrar su indignación usando, tan solo, la ironía como forma de expresión.

Entrevista a... Esmé Valk

2011-09-23T19:50:00.000+02:00

La artista holandesa Esmé Valk

El premio ‘5X5’ fue a parar a manos de una joven artista holandesa de la que conocemos bien poco. Por esa razón, y como nos gusta “meter la nariz” allá donde nos dejan, creímos necesario ponernos en contacto con Esmé Valk para que fuera ella misma la que nos explicara algunas cuestiones básicas de su trabajo. Esta es la entrevista que logramos realizar a distancia gracias a las nuevas tecnologías.

Pregunta: El premio 5X5 es uno de los más prestigiosos de Europa. ¿Qué simboliza para ti recibir un reconocimiento tan importante fuera de tu país?

Esmé Valk: Estaba ya muy contenta con la nominación al premio y teniendo la posibilidad de mostrar mi trabajo, Showcasing Today’s Essentials, por segunda vez, aunque en esta ocasión fuera de los Países Bajos. Saber que el trabajo ha sido entendido y apreciado por un jurado internacional cuyos miembros trabajan en grandes instituciones y centros, hace que una se sienta agradecida.

P: ¿Cómo puede influir este premio en tu carrera artística?

E. V.: Espero que esto conduzca a tener más oportunidades de trabajar con gente en diferentes sitios. Es muy apasionante realizar un trabajo que apela a una audiencia internacional. Pienso que el premio en sí mismo me dará la oportunidad para continuar con mi desarrollo artístico.

P: ¿Cómo definirías la pieza ‘Showcasing Today’s Essentials’?

E. V.: Este es un trabajo que consta de dos partes. Por un lado, existe una instalación espacial con partes móviles; y, por otra, el cortometraje Asymmetry is Dynamic. La observación a largo plazo del escaparate de una tienda de muebles fue el punto de partida de ambos trabajos.

La escultura dentro del espacio de exposición está colocada de tal forma que, al entrar, el público la percibe como si fuera un escaparate. A diferencia de las vitrinas, esta instalación también es un escenario que se habita a partir del movimiento corporal del visitante. La escultura incluye las partes que pueden ser puestas en movimiento. Así, el visitante tiene un papel que cambia, puede ser un espectador o un participante. Ellos son un elemento activo de la misma instalación.

Por otra parte, Asymmetry is Dynamic es un cortometraje que enfoca la relación entre el escaparate, el teatro y artistas de vanguardia a los cuales pregunto por el significado de lo contemporáneo y el empleo modernista del lenguaje visual en el apartado comercial. El libro Contemporary Art Applied to the Store and Its Display (1930), de Federico Kiesler, señalaba que los mantones de seda y la decoración de los escaparates construyen los ingredientes para una reflexión personal sobre la relación entre la modernidad y el comercio.

La película funciona como un recipiente que contiene mi investigación acerca de la relación entre la modernidad y el comercio y los ideales que motivaron a varios artistas de vanguardia a dirigir sus objetivos estéticos hacia las posibilidades que existen en un escaparate. Mi investigación en estos temas se presenta como una voz superpuesta que acompaña la creación de una demostración en miniatura. Las escenas están filmadas muy de cerca, ampliando las texturas de los materiales y los movimientos de las manos.

P: Algo que suele interesar a las personas que investigan sobre el arte es la metodología de los artistas. ¿Cómo trabajas?

E. V.: En el caso de Showcasing Today’s Essentials, el proyecto comenzó en el año 2008 cuando me fijé en la disposición del escaparate de la tienda Anders dan Anderen --que era totalmente diferente a otras--, que me fascinó. Los objetos que se mostraban no eran muy atractivos pero encontré la composición asombrosa. Todo estaba conformado por materiales principalmente bidimensionales. Algunos artículos estaban colgados de forma torcida mientras otros tenían una colocación perfecta. Observando el escaparate durante más tiempo, vi cómo la tienda utilizaba los mismos artículos pero estructurados de formas distintas. Digamos que la vitrina es una especie de campo de juegos para el propietario de la tienda.

La disposición del escaparate no está diseñado en su totalidad. El mantenimiento del mismo es una de las actividades diarias de la tienda, como la venta, la contabilidad... En este sentido, existe una discrepancia entre el transeúnte que ve el propio escaparate como una imagen terminada y estática, y el proceso en curso por el que se construye. En otras palabras, basta decir que el escaparate se está reorganizando constantemente.

Tras mis observaciones de este escaparate comencé a leer y recoger imágenes y objetos que creía semejantes. La acumulación de todos estos materiales causa una especie de fondo de donde extraigo las partes más esenciales para constituir un trabajo.

P: Existen varios diálogos en torno al arte actual, diferencias que provocan cierto distanciamiento con el público. Uno de ellos, quizá de los más importantes y/o conflictivos es el mercado del arte. ¿Crees que la monetarización del arte ha afectado al propio arte?

E. V.: Cuando hago un trabajo no pienso en la comerciabilidad del mismo. Mi preocupación radica en hacer un trabajo que creo importante. Hasta ahora no he estado estrechamente ligada con el mercado de arte y solo de vez en cuando muestro mi trabajo en una feria. Por lo general, cuando vendo mi obra lo hago como consecuencia de las exposiciones en las que he formado parte.

P: Si el arte es una forma de expresión, ¿qué persigues?

E. V.: Al mismo tiempo que creo y expongo mi trabajo, mi interés radica en crear una situación o lugar donde pueda suceder algo. Trato de crear un espacio que ofrece mis contemplaciones y pensamientos, pero que aún sigue bastante abierto para que otros tengan su propia opinión. Los trabajos, a menudo, contienen muchas capas en las que no prevalece una única idea. Yo veo mi trabajo como una invitación a reflexionar sobre las múltiples caras que conforman el mismo.

P: En mi opinión, la cultura es una parte esencial para el crecimiento del ser humano. El arte es fundamental para alcanzar ese objetivo. Sin embargo, se desconoce el trabajo de muchos artistas. ¿Cómo un joven artista puede alcanzar ese reconocimiento? ¿Paciencia y mucho esfuerzo?

E. V.: Como artista haces algo en lo que estás interesado y por lo que la gente responda, creando un diálogo entre artistas, conservadores, organizadores y espectadores. Algunos artistas son muy conscientes de esto y deciden deliberadamente el camino que quieren que su trabajo tome. Hay otros que trabajan de forma más libre. Esto conduce a que trabajen en contextos diferentes, y por tanto, se dirijan a un público distinto. Por otra parte, encuentro difícil dar consejo sobre cómo un artista joven puede mostrar su trabajo. En mi caso, trato de perseguir los temas que me interesan y hacer el trabajo que me gustaría ver.

Dadas las circunstancias, imaginación

2011-09-20T17:19:00.000+02:00

Leyendo cada día los periódicos, viendo puntualmente las noticias en la televisión o navegando por las diferentes ediciones digitales de los diarios, uno comprueba que la vida está chunga, chunga, chunga. No parece haber indicios de mejora. Ningún rastro queda de ilusión. Al menos, aquí en España, país conocido por su pesimismo exacerbado, por su desconfianza y no valoración de lo que tiene. En este país somos expertos en mirar hacia otro lado y quejarnos de lo que no tenemos --y no lo tenemos porque ni siquiera lo intentamos--. La pregunta es: ¿hacemos algo para cambiar esta situación? Fríamente, uno llegaría a la conclusión de estar lejos de lograr ese cometido. España, a día de hoy, parece estar en posesión de una terrible enfermedad. ¿Cuál? La total pasividad y la falta de determinación. Dicho de otro modo, nunca hemos creído en nuestro potencial.

Hace ya largo tiempo que nos creemos los hermanos pobres de todos. Esa sensación, que produce un desasosiego importante en la sociedad, se ha visto acrecentado en los últimos años a causa de la coyuntura económica --si antes no valíamos nada, ahora aún menos--. Quizá peque de ingenuidad pero yo diría que la avaricia de muchos ha sido la causa mayor. También entran en juego otras vicisitudes, como ahora la despreocupación por dotar a la sociedad de una buena educación --a pesar de que los expertos y políticos digan que España goza de un gran sistema educativo--. Otro punto a tener en cuenta es la falta o ausencia de un sistema legal adecuado y una política creíble --la justicia ha perdido totalmente su legitimidad y a los políticos nadie los aguanta ya--. Asimismo, el hecho de mirar siempre fuera de nuestras fronteras ha provocado la no valoración y fomento de nuestras virtudes. Han existido y existen en España grandes intelectuales, científicos, artistas, literatos… que carecen por completo de un apoyo social e institucional. Manuel Vicent me dijo durante la charla que mantuvimos en el Teatre Principal de Castelló, que España “se había permitido el lujo de tirar muchos cerebros por la borda”. Razón no le falta. Aún con todo, y para nuestro asombro, siguen existiendo centros y personas empeñadas en dotar de cierto prestigio a este país. ¿Y qué hacemos al respecto? Ignorarlos --algo muy nuestro--.

Leyendo esta misma semana un artículo de Enrique Vila-Matas --ese cerebro único al que envidio profundamente-- publicado en el País, me quedé con un fragmento que ha sido el causante de que les aburra con toda esta perorata. Dice así: “dadas las circunstancias, parece insólito que esa muestra se dé en el país del mismo pantano de siempre, pero seguramente, como suele suceder en estos casos, habrá sido idea de unos pocos: gente todavía optimista, que aún cree que la tendencia humana a interesarse en minucias puede conducirnos a grandes cosas”. Vila-Matas habla de una exposición que tendrá lugar en el Museo Reina Sofía de Madrid, una muestra sobre el novelista francés Raymond Roussel y se pregunta cómo es posible que ante la algarabía que se cierne sobre España, sigan existiendo propuestas de tal envergadura en nuestro país. “Parece insólito”, nos dice. Y añade más tarde “habrá sido idea de unos pocos”. Esos “pocos” son aquellas personas que hace tan solo unas líneas más arriba remarcaba yo que ignorábamos. Siempre lo hemos hecho y rara vez daremos gracias por las interesantes propuestas culturales que, aunque con cuentagotas, llegan a cada rincón de esta “tierra de conejos”.

Por otra parte, Vila-Matas habla de “gente optimista” que cree en la importancia de ir poco a poco para cultivar el intelecto y forjar un espíritu luchador y despierto. Esos excéntricos personajes --que no salen de ninguna novela-- buscan con pasión cualquier excusa para fomentar la crítica y elevar la imaginación a límites insospechados. En España, no me cabe duda, existen seres con una imaginación desbordante, gente capaz de crear universos enteros, personas cuyo objetivo no es otro que evolucionar. Sin embargo, a pesar de sus esfuerzos, prácticamente nunca se les tiene en cuenta --para qué hacerles caso si sus ideas no repercuten de forma ostensible en los bolsillos de los poderosos--. Ahora, muchos me dirán: ¿y los festivales? ¿las ferias de arte? ¿no son estas citas plataformas culturales que subvencionan las instituciones? ¿no generan suficiente promoción y satisfacen esas necesidades tan estúpidas de la gente preocupada por lo cultural? Llámenme insatisfecho, pero no lo creo. Tomando prestadas las palabras de Mónica Guariglio, responsable del IV Congreso Iberoamericano de Cultura, “hay que sacar la cultura de la agenda ornamental, ir más allá de la lista de bienales y festivales de cine. No puede ser la guinda que acompañe al desarrollo, debe formar parte de él”. Esa es la clave, a mi entender. Todos se preocupan por establecer un plan económico, industrial, tecnológico… para el futuro. No obstante, casi nadie se preocupa de la cultura, esa cosa que, en definitiva, nos conforma como seres racionales y sociales. En este sentido, volveríamos, de nuevo, a reclamar la importancia de esos “pocos” de Vila-Matas. Así pues, y dadas las circunstancias, imaginación. Si perdemos eso, caeremos en la desgracia, deambularemos de acá para allá sin rumbo fijo.

El estudio del espacio (artículo de prensa)

2011-09-19T09:23:00.001+02:00

'Showcasting Today's Essential', 2010. Esmé Valk

Esmé Valk. Así se llama la artista que se ha alzado con el Premi Internacional d’Art Contemporani de la Diputació de Castelló. Desde aquí le damos la enhorabuena por conseguir ganar uno de los certámenes más prestigiosos que existen, actualmente, en Europa --y no lo digo solo por la cuantía económica, que también--. Sin embargo, muchos se preguntarán: ¿quién es Esmé Valk? Dejando a un lado los comentarios del jurado tras dar a conocer su fallo, hemos investigado un poco sobre el trabajo de esta artista holandesa, un trabajo, por cierto, que resulta muy interesante por varios motivos.

Valk busca comprender las relaciones propias de los seres humanos entre sí y de los seres humanos con los objetos. Esta segunda relación es la que ha querido reflejar en su obra ganadora Showcasing Today’s Essentials. Desde que comenzara su actividad artística, la holandesa siempre ha querido responder a la pregunta ¿hasta qué punto nuestro comportamiento se forma a través de nuestro entorno, y por los procesos sociales, biológicos y químicos? Para estudiar estas preguntas, Valk decidió crear una especie de coreografía social.

Cada uno de sus proyectos funcionan como método para pensar en la presentación de los mismos, así como el contexto de las mismas exposiciones y el carácter del espacio. Dicho de otro modo, Valk piensa en la exposición no solo como un lugar para exponer sus trabajos, sino también como una oportunidad de hacer partícipe al visitante en la instalación. Así pues, podríamos decir que Esmé Valk realiza apuestas interactivas. Su intencionalidad es crear un diálogo con la misma obra, que ésta no sea algo totalmente ajeno al espectador. A razón de lo que se pudo ver en la exposición del ‘5x5’, logró su objetivo.

práctica artística

Esmé Valk implica en sus proyectos diferentes significados, de modo que cada material gráfico que utiliza crea un entorno en el cual podemos observar cada uno de sus detalles. Como decíamos al principio, su interés por el movimiento y las relaciones sujeto-objeto provocan la utilización de diversos medios de comunicación. Así, la artista hace uso del vídeo, la fotografía o las instalaciones físicas. En Showcasing Today’s Essential aúna el cortometraje con la instalación para relacionar la geometría de los diseños dedicados a las vitrinas y escaparates, con la arquitectura, el teatro y las nociones de lo comercial. Muchos se extrañarán al conocer que una de las preocupaciones que podemos entrever de esta pieza radica en la economía y los agentes que influyen en la mercadotecnia.

En su visión particular, el mundo es un archivo grande e infinito en el que podemos explorar y repasar las redes de asociaciones existentes. Con su capacidad de reconocimiento, valora y entiende que el espacio estético reside en cualquier lugar, y que este espacio real puede funcionar como una plataforma para producir un sentimiento artístico. Ni que decir tiene que Esmé ha emprendido una aventura sumamente complicada, aunque no imposible. De hecho, utilizando las mismas piezas en un espacio concreto, pueden existir diferentes escenarios, todo depende de la disposición que se les dé. He aquí la gracia de la que Valk hace su seña de identidad. Y es que razón no le falta. Si tomamos buena nota de aquello de “todo se transforma, nada permanece”, una exposición puede evolucionar con el paso del tiempo, aunque este sea escaso. Un ligero cambio sería suficiente.

el arte actual

En el arte de hoy existen elementos transformadores y generadores de nuevas narrativas, que nos hacen cuestionarnos nuestro propio ser y el lugar que ocupamos en un entorno dado.

Uno de los asuntos centrales en el imaginario artístico contemporáneo es la conceptualidad de las obras, algo que ha vertebrado el mundo del arte. Esta vertebración reside en cómo la separación tradicional entre artista y público se ha venido diluyendo en las últimas décadas. Sin embargo, en el caso de Esmé Valk, esa separación es inexistente --al menos, en su idea principal--. De hecho, la propuesta con la cual se ha hecho acreedora del Premi de la Diputació de Castelló, tal y como remarcábamos consiste en una instalación escultórica creada a base de elementos móviles susceptibles de entrar en movimiento por la acción del visitante.

Por otro lado, no podríamos finalizar este artículo sin hacer mención del cortometraje que completa a la instalación, Asymmetry is Dynamic. Ambas partes de la obra surgieron de la prolongada observación de una tienda de artículos para el hogar. El filme aborda la conexión entre el escaparate, el teatro y los artistas de vanguardia. En él, Valk cuestiona el significado y el uso contemporáneos del vocabulario visual de la modernidad en el ámbito comercial. En definitiva, la holandesa ofrece los ingredientes de una reflexión personal sobre la relación entre modernidad y comercio, elementos, estos, propios de la cotidianeidad.

Bartomeu Marí, director del MACBA, Barcelona; Agustín Pérez Rubio, director del MUSAC, León; Wenceslao Rambla, catedrático de Estética y Teoría de las Artes de la Universitat Jaume I de Castelló y vicerrector de Cultura de la misma; Nicolaus Schaffhausen, director del Witte de With, Rotterdam y Rosalía Torrent, Profesora Titular de Estética y Teoría de las Artes de la Universitat Jaume I de Castelló, creemos que sudaron tinta para elegir entre las 25 propuestas. No es tarea fácil adentrarse en las mentes de los artistas de hoy en día. Fallar un premio de esta categoría tiene su mérito y desde aquí les felicitamos. Ahora, solo queda que este premio siga afianzándose en el panorama internacional.

Un retrato sin igual de la India decimonónica (reseña literaria)

2011-09-17T09:16:00.000+02:00

Recuerdo vivamente la vez que leí por primera vez El hombre que quiso ser rey. Las descripciones de ese país tan exótico y enigmático como es la India, más en pleno siglo XIX, me dejaron hipnotizado. La narrativa de Rudyard Kipling, al igual que la de muchos escritores decimonónicos, es muy descriptiva, con diálogos sorprendentes, de una genialidad única. La lectura de esta obra maestra me dejó, como era de esperar, un buen sabor de boca. Por tanto, cuando vi en una librería otro de sus clásicos, recuperado en una edición de “lujo” por Mondadori, no dudé un instante en hacerme con él.

El libro, en cuestión, es Kim, del que, reconozco, desconocía por completo --uno no puede saberlo todo--. Esta edición, cuidada al máximo detalle y con una introducción magistral por parte de Edward W. Said --otra de las razones por las que no pude contenerme a la hora de comprar el libro--, narra las peripecias de un huérfano que emprende un viaje por territorios inhóspitos de la India junto a un monje tibetano. Lo que en un principio nos pudiera parecer un libro de viajes, se transforma, poco a poco, en una novela de aventuras.

La atención de Kipling se centra en esos matices exóticos que, desde Occidente, creemos existen sin miedo a equívoco. Asimismo, los personajes que van apareciendo son herederos directos de aquellas novelas victorianas en las que los aristócratas poseen una posición demasiado acomodada y podían permitirse el lujo de viajar allende los mares. En este sentido, Kipling desgrana, paso a paso, la espiritualidad hindú para abrirnos los ojos y darnos un toque de atención. A pesar de todo, el gran protagonista de la obra no es otro que el entorno en el que se desarrollan sus acciones. La maestría con que logra retratar cada escena es de una genialidad que no está al alcance de muchos. Sin embargo, Rudyard Kipling la lleva a cabo con una sencillez impresionante.

Kim es un auténtico placer para cualquier amante de la literatura, de cualquier género y de cualquier edad. Su belleza, sus entrañables y humanos personajes y su espléndida puesta en escena solo pueden deparar unos momentos de lectura deliciosos. Si a eso le añadimos la didáctica introducción de uno de aquellos humanistas sin parangón, como fue Edward W. Said, “no hay peros que valgan” para no leerla.

¿Influencias?

2011-09-15T11:36:00.001+02:00

A la pregunta de ¿cuáles son tus influencias? mucha gente responde con nombres de excelsos intelectuales, artistas o literatos. Suele ser normal. Cuanta mayor retahíla de apellidos famosos des, tu apariencia de “don nadie” se va transformando en la de “alguien”. Sin embargo, solemos mentir, y mucho. Las falsas apariencias parecen ser algo innato en nosotros. No es que seamos fanfarrones --que lo somos--, pero el miedo a no parecer interesantes a la otra persona nos puede. Sentimos una especie de aprensión ante el dilema de dar a conocer nuestro verdadero “yo”, aquel al que le encanta tumbarse en el sofá y dormir la siesta, o modificar el comportamiento para asemejarnos a un experto --esta es la parte que se muestra públicamente--. Por poner un ejemplo, yo podría decir que siento una fascinación importante por Dostoievsky, Camus, Nietzsche, Duchamp, Picasso… Como pueden leer, dije podría. Sinceramente, siento respeto por todos ellos, pero sé, a ciencia cierta, que no son mis maestros directos. Ese papel, queramos o no reconocerlo, se lo dejo a otro tipo de personas mucho más cercanas a mí, aquellas que en un momento dado batallaron para darme a conocer a los nombres que cité arriba. Estoy hablando de los profesores, esos personajes que poco a poco van muriendo, puesto que su labor no se reconoce como debiera y muchos de ellos han decidido participar en ese juego del acomodamiento y la apatía o desilusión. A pesar de todo, en mi época universitaria tuve la fortuna de toparme con varios de estos seres extraños, algunos de los cuáles me enseñaron bastante. Mis fuentes bibliográficas son, a día de hoy, las mismas que ellos me dieron en su día. Mis referencias intelectuales, también. Incluso, podría decir que parte de la visión que tengo del cosmos me recuerda a la suya.

Como dije, fueron varios los profesores que me guiaron hacia lo que soy ahora. No obstante, quizá movido por cierto sentimiento nostálgico, quisiera centrarme en uno de ellos --hablaré del resto en otras ocasiones--. Mis compañeros creían que su metodología no era, por decirlo de un modo suave, la más adecuada. Pensaban que él exponía sus temas para un público experto y que no tenía en cuenta al alumnado. Decían que se mostraba distante. Por el contrario, no sé si porque soy una rara avis, yo lo encontraba fascinante. En sus clases pude disfrutar algunos de los mejores momentos de mi carrera. Con él vi por primera vez el filme de John Huston La noche de la iguana --película, por cierto, que sigue siendo una de mis favoritas, con un enorme Richard Burton y una Ava Gardner que impacta--. También escuché atentamente, apreciando cada matiz, la Gymnopedie nº1 de Erik Satie. Otro día nos sorprendió con el visionado de un musical de Broadway, Sunday in the park with George. Este hombre fue, además, quien me dio a conocer a fotógrafos de la talla de Bill Brandt, Dorothea Lange, Walker Evans… Gracias a su inquietud y sus ganas de transmisión de conocimiento tuve la oportunidad de leer a Witold Gombrovicz o apreciar la literatura de Thomas Mann. Todas esas lecturas, películas, imágenes y obras de arte permanecen bien frescas en mi memoria. Son parte fundamental de mis influencias.

Otro de los momentos que recuerdo vivamente son las charlas que manteníamos en su despacho. Este acto tan simple, como es el charlar, era visto por mis compañeros de titulación como una rareza o una estrategia calculada para sacar mejor nota al final del semestre --vamos, hacerle la pelota--. No podían estar más equivocados. Las tutorías de un profesor están para algo y yo quería sacar provecho de ese algo. En mi caso, le pedía más información sobre autores y obras. La teoría del arte contemporáneo, la estética y teoría de la modernidad, eran sus principales vías de investigación. A mi todo aquello me interesaba muchísimo. Incluso le pedí consejo para mi hermana, que por aquel entonces estaba en Barcelona estudiando un máster sobre la misma temática. No dudó un instante en recomendarme lecturas y más lecturas. Mis compis no se lo creían. El porqué de esa incredulidad versaba, única y exclusivamente, en que a ellos no les interesaba la materia --con aprobar tenía más que suficiente--. Yo, mientras tanto, seguía a lo mío, igual que ahora. Por todo ello, le doy las gracias a Francesc Morató i Pastor.

¿Cómo seguir creciendo? (artículo de prensa)

2011-09-12T11:25:00.000+02:00

El diputado de Cultura de Castellón, Héctor Folgado, tiene muy claro que uno de los grandes objetivos a los que debe aspirar la provinciaes la de crear un turismo cultural atractivo. Esta fórmula ayudaría a la reactivación económica de la provincia, lo crean o no. En muchos otros rincones de España lo saben y potencian. Así pues, no estaría de más que entre todos --sociedad de a pie, instituciones y otros entes-- intentemos buscar esa clave. El planteamiento es bien sencillo, solo hay que crear programaciones de interés nacional e internacional, sin olvidar lo local, por supuesto. Haciendo esto comprobaremos que en nuestra tierra existen algunas lagunas en el calendario. Pero, ¿cómo hacerlo?

En los meses de verano existe un ‘boom’ impresionante --tanto a nivel económico como de afluencia masiva de gente-- llamado FIB. Ahora también existe el Rototom. En menor medida --económica y de repercusión-- el festival de jazz de Peñíscola sigue siendo un gran reclamo. Sin embargo, en pleno mes de septiembre en el que nos encontramos, y a la espera de saber cuál será la programación de Castelló Cultural para la temporada otoñal, quedamos un poco huérfanos en cuanto a grandes citas se refiere. Es por eso que, sin quererlo, fijamos nuestra vista en otras localidades --las comparaciones son odiosas, lo sé, pero a veces ayudan--. Sin ir más lejos, leyendo las secciones de cultura de diversos medios de comunicación uno observa cómo pequeños municipios como Torroella de Montgrí, en esa majestuosa provincia de Girona, existe uno de los certámenes --sino el que más-- de mayor repercusión nacional. Hablo del festival de músicas de Torroella de Montgrí --que se celebró a lo largo de todo el mes de agosto--, una cita que enfoca su mirada hacia la música clásica y que ha llegado a convertirse en un monstruo --en esta última edición se ocupó el 91% de las plazas hoteleras de la zona y acudieron más de 7.000 personas--.

ejemplo a seguir

El programa que sedujo a propios y extraños este año fue, sencillamente, para enmarcar. La labor de Oriol Pérez, su director, es digna de mención. Aún con todo, el poder reunir a nombres de la talla de Nathalie Stutzmann, Philippe Jaroussky, Magdalena Kozena, Joaquín Achucarro, Jan Garbarek, Grigory Sokolov, etc., ha sido posible gracias al apoyo institucional y de las empresas. Dicho de otro modo, de las subvenciones. Y es que, a pesar de lo que muchos digan o crean, la economía de un lugar puede verse hinchada gracias a este tipo de actividades. La cultura da dinero --ahora me tildarán de loco--.

Si Torroella de Montgrí puede ser lo que es hoy, ¿por qué no vamos a conseguir nosotros lo mismo? El caso más cercano, por temática, es esa joya llamada Tardor Cultural de Vilafamés. Uno de los 50 mejores festivales de Europa en su categoría, y aún hay quienes dudan de su importancia. ¡Eso si es de locos! El festival, que se celebrará el próximo mes de octubre, contará con un cartel de gran altura. No desvelaré aún la programación pero sí diré de buena tinta que se ha sudado mucho para conseguir poner en marcha esta edición, algo que, sinceramente, no me explico. Volvemos a la misma cuestión, las subvenciones. Esa es, quizá, la gran diferencia que exista entre nuestra provincia y el resto. A una cita como la Tardor Cultural hay que mimarla, es, como dije, una joya que nos da a conocer al resto de Europa. Las revistas especializadas siempre se hacen eco de lo que pasa anualmente en Vilafamés y, por ende, en Castellón. Por tanto, mi pregunta sería: ¿no se podrían potenciar aún más este tipo de eventos? ¿no podríamos crear más festivales de Torroella de Montgrí, que ofrecen actividad durante todo un mes? Creo que tenemos la capacidad suficiente y la gente necesaria para ello. Explotar algunos de nuestros rincones más pintorescos con este tipo de reclamos sería de enorme valía para la economía, además de enriquecer a aquellos que vengan y, cómo no, a nosotros mismos. Si queremos una sociedad plural, en la que poder aprender día tras día, es necesario contar con estas cuestiones y no centrarlas únicamente en los meses de verano. La gente quiere disfrutar durante todo el año, ¿por qué no darles esa opción? Bien es cierto que los recortes en los presupuestos siempre merman estas peticiones pero desde este modesto rincón seguiremos reclamando. Nuestro trabajo no es otro que el de defender aquello que creemos fundamental: el derecho a cultivar nuestro espíritu.

Por último, y para que quede constancia, quisiera decir que esta reflexión y opinión es la de un servidor. Me equivocaré o no. Tendré razón o habré perdido el juicio. No obstante, en ese afán por hacer de nuestra provincia todo un referente fuera de nuestras fronteras, creo que cualquier iniciativa de esta singularidad es buena. Hay que mirar más allá y fijarse en los modelos que tienen éxito. Más tarde, una vez analizados los pros y contras, debemos hacerlos nuestros, darles ese toque que los convierta en una seña de identidad propia. Insisto en que es posible hacerlo si contamos con la fuerza de las instituciones y empresas privadas, y con la potenciación de nuestro patrimonio histórico-artístico y natural. Seré un iluso o no, pero Castellón tiene gran potencial si se sabe explotar correctamente. Ahora es el momento de actuar con determinación para certificar que esto sea así. Esperamos que con nuestra ayuda se consiga. Nuestro granito de arena será pequeño pero goza de una fortaleza importante: la ilusión. Así que, durante esta nueva temporada volveremos a estar ahí para seguir creciendo.

Una sátira de oficinas que no lo es tanto (reseña literaria)

2011-09-10T10:03:00.000+02:00

La burocracia, esa cosa tan odiosa y tan necesaria --según nos dicen--. ¿Qué es realmente? ¿En qué nos perjudica a los seres humanos faltos de sensibilidad administrativa? Servicios públicos, funcionariado, distribución y gestión de asuntos que le son propios, papeleo, formalidad... Un rollo, al menos para aquellas personas que buscan aventuras en sus vidas. Sin embargo, siempre existen excepciones. Al parecer, en esos lugares donde se apilan formularios, se consultan extractos y se dice aquello de “vuelva usted mañana”, pueden ser lugares en los que florece el sentido del humor. Al menos, eso es lo que uno comprueba al leer El frente ruso. Jean-Claude Lalumière es el autor de esta divertida, en ocasiones desternillante, novela. La editorial barcelonesa Libros del Asteroide es la encargada de ofrecernos esta obra que triunfó, y de qué manera, en Francia.

La situación con la que nos encontramos al comenzar nuestra lectura es la siguiente: un joven francés de provincias, ingenuo y algo retraído, se presenta a unas oposiciones al Ministerio de Asuntos Exteriores con la ambición de iniciar una brillante carrera diplomática. El problema, y lo que nos provoca la risa, es que este hombre lo único que quiere huir del seno materno --vamos, marcharse de casa y conocer mundo por la gorra--. Aún con todo, y porque la vida da de tanto en cuanto este tipo de concesiones, aprueba las oposiciones. Ante tal hazaña, el joven ya se muestra ansioso por saber cuál será su destino. En un ir y venir su cabeza da mil vueltas pensando lugares, a cual más exótico. La alegría le dura poco al confirmarse su paradero: unas perdidas oficinas en un barrio periférico de París. A pesar de que se las prometía muy felices, el joven acaba en el departamento de Países en vías de creación. Sección Europa del Este y Siberia. Dicho de otro modo, el frente ruso. El panorama no puede ser más desolador. El protagonista vivirá todo tipo de situaciones en esas oficinas cochambrosas. A partir de aquí, Lalumière describe sin rehuir de los tópicos propios de la comedia las peripecias del joven funcionario. De forma sincera, cada una de las páginas de esta obra es un ejemplo perfecto de cómo escribir una sátira. En este sentido, existen, cómo no, momentos más delicados y reflexivos, cercanos al drama. Lalumière retrata con gran acierto al prototipo de hombre moderno.

Or whatever it is...

2011-09-07T20:47:00.003+02:00

Apatía confirmada, pocas ganas de "darle al coco", huir de la realidad, ver pasar los días... Cuando uno está de vacaciones, lo último que desea es tener presente todo aquello que le recuerde su vida laboral. Suficiente tiene ya con ser consciente de que algún día se acabarán y volverá al redil. Por esa misma razón, algunos buscan emociones en viajes y aventuras. Otros pretenden ocupar sus mentes bajo el influjo de la caja tonta. También existe un sector que intenta mantenerse firme haciendo deporte. Luego podríamos encontrar un grupo que decide saciar su apetito sin control. En mi caso, debo ser sincero, he sido de los que comen, beben y ven la tele día tras día. Sé que no es algo propio de alguien que dice preocuparse por la cultura, ávido lector o pseudo-intelectual, a secas. Pero, ¡qué le voy a hacer! Uno también tiene derecho a, simplemente, no pensar. Esta acción, el no pensar, es una tarea dificilísima. Cierto es, no voy a ser yo quien descubra esto ahora, que el cerebro está siempre "dale que te pego". Sin embargo, creo que podemos controlar, de algún modo, su actividad. Eso es, dicho de forma simple, lo que yo quise hacer durante mi período vacacional. Reducir al máximo mi actividad cerebral. Quizá, en mi subconsciente, hiciera esto para entrar pletórico de ganas al siempre intrincado mundo de lo laboral, con miles de ideas nuevas e inquietudes por saciar. No lo sé. Lo único que sí sé es que ya he vuelto al trabajo. ¿Con ganas? Ni tanto ni tan calvo. Imagino que poco a poco volveremos a sentir ese cosquilleo que produce el adentrarse en todos los ámbitos de la cultura or wathever it is...

El retorno

2011-09-06T15:16:00.001+02:00

Próximamente...

Un diálogo artístico: el premio '5X5' (artículo de prensa)

2011-08-03T17:15:00.001+02:00

Double Perspective (Cassius Clay/Muhammad Ali), 2010, instalación de Melissa Gordon

Expectación. Generalmente, cuando uno o varios esperan un acontecimiento importante de forma curiosa, incluso ansiosa, se crea una gran expectación. Hablo por mí mismo, claro está, pero confieso que así me sentía yo al visitar la exposición que alberga las 25 obras que optan al ‘5X5’ Premi Internacional d’Art Contemporani de la Diputació Provincial: expectante.

El mundo del arte actual ha creado una especie de entramado o maraña en el cual uno debe saber moverse para no quedar atrapado en un mar de dudas. Es complejo, que no complicado. He insistido en multitud de ocasiones que la clave de todo está en lograr entender la evolución hacia el conceptualismo de la obra en sí. Hay que dejar seducirse por la idea --si esta viene acompañada por un marco estético agradable o bello, mejor que mejor--. Digo esto porque en el ‘5X5’ no existe una línea coherente, regida por un mismo hilo argumentativo, al haber 25 artistas totalmente diversos, ya sea por su procedencia o por su forma de trabajar. Por tanto, quien visite la muestra, le recomiendo que no se asuste.

El visitante que acuda al EACC debe alienarse por completo para ver cada una de las piezas de modo individual, no debe cometer el error de buscarle un sentido a todo lo expuesto como si fuera un proyecto en conjunto. En este sentido, y lo que resulta atractivo e interesante para el propio espectador, es que se crea un diálogo entre los mismos artistas y también entre las personas curiosas que deciden adentrarse en este mundo singular creado a partir de pinturas, esculturas, vídeos, instalaciones...

variedad

Para gustos, colores. O eso dicen. Por esa misma razón, en el EACC se exponen obras de gran variedad que seguro despiertan inquietudes a más de uno.

Debo decir, que existen algunas obras que, ya sea por su materialización o por su significado, sorprenden gratamente. Tras realizar el recorrido completo por el EACC --que siempre transforma su interior en cada exposición creando, así, un espacio totalmente distinto-- la sensación que le queda a uno es de preocupación. Pero no malinterprenten lo que digo. Esa preocupación de la que hablo se traduce en el complicado papel que deberá realizar el próximo mes de septiembre el jurado del premio. Hay piezas realmente llamativas, con mucha fuerza conceptual, y creo que decidirse por una u otra será una empresa difícil. Pero bueno, los desconocidos --todavía-- miembros de ese jurado serán expertos que sabrán analizar todas y cada una de las obras presentes mucho mejor que un servidor.

No obstante, y si me permiten el lujo, hablaré aquí de algunos de los proyectos que más me atrajeron. En primer lugar, la video-instalación del barcelonés Adrià Julià, Formas de matar el tiempo, que se basa en la serie de teatro interactivo Murder Mystery Series, puesta en escena durante los años noventa por USO, la compañía que organiza espectáculos para los soldados destacados en las bases militares estadounidenses de todo el mundo. Tomando prestada la estructura del “mumming” --una modalidad de teatro doméstico nacida en la Inglaterra del siglo XVIII-- el filme de Julià, que cuenta con la colaboración de Mark Gowers, cuestiona la estrategia discursiva que da forma a nuestros valores morales, geografías compartidas y referencias locales.

Otra artista de Barcelona, Luz Broto, ofrece la que, probablemente, sea la pieza más extraña, polémica y, porqué no decirlo, atrevida. Bajo el título de Right Cube_02, Broto pone en relación el espacio visible con algún elemento ajeno al mismo. Así, de una de las aberturas de un conducto de ventilación del EACC gotea una sustancia negra, que forma, a la larga, una mancha que se expande. La infraestructura del espacio sirve como material de trabajo para generar una situación susceptible de entenderse como anómala e invasiva. La cantidad de espacio ocupado por el charco dependerá del tiempo en que el dispositivo se mantenga activado. Sin duda, esta es una de las obras más atrevidas.

Nici Jost ofrece una pieza increíblemente atractiva, Allusion-The Little Pink Slipper, que consiste en un pedestal blanco sobre el que se ha colocado un zapato rosa cubierto de lentejuelas, en cuya suela interior el espectador descubre la fotografía de un claro de bosque tomada desde la perspectiva de una lombriz y una imagen de vídeo de una diminuta figura que se columpia apaciblemente contra el firmamento. Del zapato sale una suave melodía que se inserta en un audio-collage de sonidos característicos de la naturaleza.

Finalmente, y no por ello menos importantes, destaco las obra de Liang Shuo Letter to my Wife and Letter to my Lover y 16mm, de Daniel Steegman. Pero aún hay muchas otras por descubrir.

Un festival muy diferente (artículo de prensa)

2011-07-30T00:10:00.000+02:00

Bunny Wailer fotografiado por Luca d'Agostino

El mayor festival reggae de toda Europa. Así se podría definir, de modo muy simple, el Rototom Sunsplash. Para aquellas personas que no han seguido la evolución de esta cita, efectivamente, tendrán en mente las actuaciones que se llevarán a cabo. Para los veteranos, es una reunión en la que compartir experiencias, dialogar y convivir con personas preocupadas por mejorar el mundo en el que vivimos. Dicho de otro modo, las personas que repiten asistencia saben, perfectamente, que este es un festival muy diferente, un centro neurálgico en el que poder debatir sobre las distintas problemáticas que asolan el planeta. Y todo, eso sí, al ritmo de la música.

Este año será especial por el homenaje que el Rototom rendirá a Bob Marley en el trigésimo aniversario de su muerte. La leyenda musical estará más presente que nunca en Benicàssim, un lugar que ya es sinónimo de festival. Asimismo, al nombre de Marley se deben añadir otros muchos, todos ellos de gran prestigio. Instrumentistas, vocalistas, periodistas, activistas, escritores, políticos... Habrá un buen número de cabezas pensantes, de seres preocupados, en esa semana que se vestirá de rojo, amarillo y verde.

No reproduciré la lista de actuaciones que tendrán lugar del 18 al 27 de agosto. Los interesados pueden hacerlo en la página web del Rototom. Sin embargo, sí me gustaría adentrarme en esa programación alternativa que han previsto desde la organización, y que sirve para abrir un foro de debate --algo de lo que carecemos cada día más--. Partiendo del amigo y biógrafo de Bob Marley, Roger Steffens, por la mesa de conferencias pasarán los familiares de José Couso, el cámara español fallecido durante la invasión de Irak en 2003; el catedrático de Ciencias Políticas de la Universitat Autónoma de Barcelona y articulista de prensa Joan Subirats; Shirin Ebadi, la primera mujer musulmana en recibir el Premio Nobel de la Paz; el intelectual francés y uno de los emblemas del movimiento anti-globalización, Bernard Cassen; periodistas de la talla de Carlos Carnicero o Rosa Mª Calaf; la medioambientalista Vandana Shiva; los actores Leo Bassi y Willy Toledo; los dibujantes de la revista El Jueves... Incluso yo moderaré un debate sobre la España racista junto a Esteban Ibarra.

Muchos dicen que esta es la edición más ambiciosa del Rototom. Yo así lo creo. Con la música reggae de fondo, como pretexto y reclamo al mismo tiempo, en una semana se producirán numerosas reflexiones. De ellas, pueden surgir ideas que ayuden a cambiar aquellas partes que cojean de nuestro sistema --aquel que nos han estado vendiendo como perfecto--. Estaremos, pues, ante un verdadero hervidero de propuestas que saldrán a la luz a través, y gracias, a las conferencias sobre las revoluciones árabes, la crisis nuclear y económica actual, las relaciones internacionales, el caso Wikileaks y sus consecuencias en España, el sexismo, el fútbol como fenómeno de masas, el futuro del periodismo o el teatro crítico. Como ven, este es un festival muy diferente al que estamos acostumbrados a presenciar. La música hace de nexo, de perfecta unión entre los asistentes, para crear una comunidad en armonía que está dispuesta a levantar su voz y opinar. Desde aquí, lo digo sinceramente, lograr ese objetivo de crear un espíritu crítico en una cita musical me parece algo admirable. Propuestas como esta son más necesarias que nunca.

Una mirada romántica del cielo y sus nubes (reseña literaria)

2011-07-29T21:04:00.000+02:00

¿Recuerdan aquel anuncio --para mí algo tonto, por no decir muy tonto-- de “a qué huelen las nubes”? Si mi memoria no me falla hace ya más de una década del ‘spot’. Sin embargo, esa preocupación por los nubarrones no es de ahora. Desde que el ser humano vaga por estas tierras siempre ha tenido ciertas inquietudes con respecto a esas masas visibles que parecen algodón y surcan los cielos. La ciencia nos dice que están compuestas por cristales de nieve o gotas de agua microscópicas. La literatura, por el contrario, nos concede la posibilidad de imaginar un sinfín de definiciones. Es la magia que tienen las letras.

Parece poco propicio el que un autor considerado, de fama mundial y reconocido prestigio, dedique su tiempo a mirar hacia arriba y pensar en esas manchas suspendidas en la atmósfera. Pero así es. Johann Wolfgang Goethe, el mayor escritor alemán de la época romántica, el creador de esa magistral obra titulada Fausto, tenía curiosidad por las nubes. Durante un tiempo considerable realizó, a modo de diario, una serie de anotaciones sobre sus observaciones de nubes. Aunque pueda parecer extraño, la lectura de tales cuestiones despierta en el lector nuevas sensaciones. La editorial Nórdica Libros nos ofrece la posibilidad de adentrarnos en ese curioso mundo atmosférico a través de El juego de las nubes, una recopilación de los textos que Goethe escribió tras interesarse seriamente por la obra del inglés Luke Howard, On the modifications of clouds, una clasificación de las nubes.

Para el científico germano Karl-Agust, duque de Weimar en la época, las nubes eran seres animados que reaccionan en función de las condiciones de la tierra y de su fuerza de atracción. Es por eso que para Goethe --quien se interesó por la ciencia gracias al noble-- la observación de fenómenos atmosféricos responde a dos cuestiones, una empírica y otra simbólica. Como digo, la lectura resulta atractiva y muy amena, sobre todo, porque cuenta con unas excelentes ilustraciones de Fernando Vicente. Entre los textos de Goethe y los dibujos de Vicente, podemos captar la belleza de las nubes respirando ese preciado aire romántico que embaucó a más de una generación. Tras la lectura, tengan por seguro que mirarán al cielo para redescubrir esos algodoncillos esponjosos que sobrevuelan nuestras cabezas día tras día.

¿Un cambio cultural para Castellón? (columna de prensa)

2011-07-25T17:02:00.003+02:00

Una ola de cambios políticos se han ido produciendo a lo largo de esta semana. No me adentraré a analizar los porqués, ni nada por el estilo. Sin embargo, con la llegada a la presidencia de la Generalitat Valenciana de Alberto Fabra, hasta la fecha alcalde de Castellón, me pregunto si ahora seremos testigos de una alteración sustancial en el modo de pensar que tenemos los castellonenses, esto es, de ser los "hermanos pobres" de la Comunitat. No lo digo yo solo, pero la historia parece dar la razón a los que creen que siempre hemos estado a la sombra de Valencia y Alicante. Ahora, un castellonense será el representante número uno de todos los valencianos. Repito, que no quiero hablar y reflexionar sobre política. Pero insisto en saber si tendremos la posibilidad de aumentar el peso de la provincia a nivel autonómico y, por tanto, nacional. Me deambulan estas preguntas porque Castellón tiene, a nivel cultural --y esto es lo que me interesa-- centros y eventos referentes como el Espai d’Art Contemporani de Castelló, Museu d’Art Contemporani de Vilafamés, Festival Internacional de Benicàssim, Festival de Jazz de Peñíscola... No obstante, y a pesar de disponer de todas estas maravillas, aún no se les da la importancia que creo merecen. Quizá me equivoque, y solo sea una sensación mía. Habrá que ver cómo se desarrolla la política cultural por y para Castellón a partir de ahora. Desde este pequeño y modesto rincón intentaremos seguir promocionando nuestros baluartes. También interpretaremos, un poquito, ese papel de "espíritu de las navidades pasadas, presentes y futuras". Todo para que la provincia crezca y nos enriquezca como nunca.

Literatura alcohólica (Part II)

2011-07-18T18:37:00.000+02:00

Norman Mailer fotografiado por Michael Brennan

Puede que me esté trastornando. No lo sé. Lo que si sé es que soy claro devoto de las historias que surgen a partir o con motivo del alcohol. La relación del preciado licor con el ser humano es tan antigua que ya ni nos acordamos. La ingerencia desmedida de esta sustancia ha provocado infinitas situaciones curiosas, hostiles, descorazonadoras, autodestructivas, graciosas, estimulantes… Desinhibirse tiene sus pros y sus contras, como todo en la vida. Con esto, no quiero hacer una apología en pro del consumo del alcohol, ni mucho menos. Sin embargo, mis lecturas me han llevado a interesarme por el mundo de lo etílico. En una ocasión anterior hablé de la importancia que para mí tiene Charles Bukowski en la literatura universal. Sin duda, el destartalado Buk fue el perfecto emblema de la llamada literatura alcohólica. A pesar de otorgarle tales honores, muchos han sido los que se dejaron llevar por esta sustancia líquida.

Mucho se ha escrito sobre el alcohol y mucho se ha averiguado sobre los escritores que terminaron sus días pegados a una botella --podríamos incluso pensar que los fabricaron en serie--. En muchas épocas, la vida bohemia --o lo que ellos entendían como tal-- llevó a los escritores a probar sustancias de todo tipo para dejar volar su imaginación o, simplemente, para relajarse y concentrarse en su escritura. Personalmente, me interesan esos escritores “canallas”, aquellos que hicieron de su embriaguez un icono de la contracultura. Bukowski es un ejemplo claro, pero algunos otros buques insignes de la literatura norteamericana también gozan de una posición privilegiada en esta lista. Citemos, para empezar, a Norman Mailer. Considerado el gran innovador del periodismo literario, autor de la célebre La canción del verdugo o la increíble Los ejércitos de la noche tuvo serios problemas. Él mismo se confesó una vez diciendo: “beber ha matado muchas de mis neuronas y creo que hubiera escrito mejor sin hacerlo, pero sería una manera menos de poder relajarse”. La generación Beat, aquella que promovieron Allen Ginsberg, Jack Kerouac o William Burroughs estaba impregnada de alcohol. El propio Scott Fitgerald, portavoz de la Generación perdida, acabó sus días sin poder dormir si no tomaba alguna que otra gota de alcohol. Odiaba su mundo y se odiaba a sí mismo. “Muéstrame un héroe y te escribiré una tragedia”, dijo una vez. Boris Vian, Joseph Roth o Dylan Thomas también se dejaron seducir por el licor. Casi todos hicieron de él una forma de entender la vida cruel.

La diferencia que pueda haber entre cada uno de los autores que liberaron su mente gracias al efecto del alcohol radica en su forma de escribir sobre él. Algunos tan solo contaron miserias, otros sacaron a relucir una ironía punzante a modo de redención, de búsqueda de una posible salvación a todos los males cometidos. Tras la lectura de Abluciones, de Patrick DeWitt y Knockemstiff, de Donald Ray Pollock --las dos novelas publicadas en Libros del Silencio--, me encontré con ambas situaciones. Dos libros cuyos protagonistas viven impregnados hasta las cejas de mierda, que conviven con seres despreciables --aunque algunos de ellos resultan entrañables, todo hay que decirlo-- y nos encogen el corazón. De ambas obras ya he hablado con anterioridad, por tanto, no voy a repetirme. Aún quedan muchas más lecturas que comentar. Si me lo permiten --y si no, también-- seguiré profundizando en esos territorios etílicos de nuestra literatura. Como dijo una vez Oscar Wilde: "¿Cuál es la diferencia entre un vaso de absenta y el ocaso? (What difference is there between a glass of absinthe and a sunset?)". Intentaremos averiguarlo.

Un retrato inolvidable del alma criminal (reseña literaria)

2011-07-17T00:10:00.000+02:00

El lado equivocado de la vida. El camino de la perdición. Ser canalla, alcohólico, ruin, rastrero, gentuza, un don nadie, un ladrón de poca monta, un drogata de los bajos fondos... tiene un lado que, a nivel literario, atrae --al menos a un servidor--. Sumergirse en bares y prostíbulos, calles recónditas, barrios marginales y cualquier otro lugar donde quieran que vivan estos personajes miserables ofrece la posibilidad de darnos cuenta de la cruda realidad que vivimos. Somos mayorcitos para tener constancia de que no todo es un camino de rosas, que la música no suena en el momento de besarte con una chica, que la inocencia es un bien preciado. Sin embargo, preferimos no ver, ni conocer, para no sufrir --algo que respeto--. Aún con todo, creo que viajar, de tanto en cuanto, a esos ambientes sórdidos puede ayudarnos a apreciar mucho más nuestras vidas.

De San Quintín, esa temida prisión que tuvo como uno de sus huéspedes a mi idolatrado Art Pepper --uno de los saxofonistas de jazz más increíbles que hayan existido jamás--, surgió una pluma afilada, uno de esos seres que descargan su ira a través de la palabra. Hablo de Edward Bunker, considerado ahora toda una eminencia literaria, quien fue recluso y un escritor del que difícilmente puedes olvidarte tras leer su primera novela No hay bestia tan feroz, publicada aquí en España por Sajalín Editores.

Bunker ofrece una literatura que desgarra, te arranca el corazón y lo sumerge en dios sabe qué sustancia corrosiva. Eso sí, con un dominio excepcional de la palabra, con una belleza casi poética. A pesar de la crudeza de sus retratos, no quieres que el libro que tienes entre las manos acabe nunca. La culpa de todo la tiene su personaje principal, Max Dembo, quien tras salir de la cárcel --después de ocho años-- deambula de aquí para allá por una ciudad que creía conocer pero de la que ya nada sabe, Los Ángeles. Moteles mugrientos, cafeterías grasientas, ambientes poco dados a celebrar un picnic... Dembo se mueve por la parte peligrosa de esa urbe corrupta, plagada de yonquis, maleantes y atracadores. Bunker relata a las mil maravillas los atracos a mano armada y las peripecias que tienen que pasar los delicuentes para sobrevivir a duras penas. Asimismo, hace una especie de reflexión sobre el rechazo que normalmente siente la sociedad hacia aquellos que buscan la redención. Finalmente, y a causa de ese rechazo, Dembo recurre de nuevo a la violencia, el único modo de vida que conoce.

Lecturas para todos (artículo de prensa)

2011-07-16T22:09:00.002+02:00

Ilustración de Leonard Beard

Tenemos suerte. España es uno de los países que cuenta con mayor número de editoriales independientes. ¿Qué significa esto? En pocas palabras significa, mayor variedad. O lo que es lo mismo, mayor riqueza cultural. Podemos presumir, perfectamente, de poseer un amplio catálogo literario. Por tanto, quien no lee es porque no quiere.

Reconozco que el mundo de estas pequeñas empresas editoriales resulta un tanto difícil de conocer. Yo mismo he ido investigando, poco a poco, sus nombres, ubicaciones, objetivos... Aún me queda mucho por descubrir. A pesar de eso, puedo decir que son totalmente diversas, todas gozan de una fuerte personalidad, algo que es digno de admirar. No obstante, tienen algo en común: el amor por la literatura. Y ya se sabe que si las cosas se hacen “con amor” salen mejor. ¿No?

Nombres exóticos, editores jóvenes con ganas de hacer bien las cosas, cuidadas presentaciones, ilustraciones exquisitas, traducciones de primer nivel, prólogos escritos por auténticos maestros de la palabra... Las editoriales independientes de nuestro país tienen muy claro cómo ganarse al público lector. No obstante, son conscientes que no solo el envoltorio debe ser atractivo si realmente quieren triunfar. El interior, es decir, la verdadera obra literaria, debe ser la principal razón de su éxito. En este sentido, cabría remarcar que todos y cada uno de los sellos está realizando fuertes apuestas en el mercado.

Aprovechando, pues, la temporada de verano, aquella que nos permite disfrutar de nuestro tiempo con mayor precisión y sosiego, queremos permitirnos el lujo de recomendar algunas obras para que nuestros lectores dejen volar su imaginación “hasta el infinito y más allá”.

autores del norte

Para refrescarnos durante el periodo estival, qué mejor que dejarse seducir por las plumas de algunos autores nórdicos y rusos. Las editoriales Nórdica Libros y Nevsky Prospects, especialistas en publicar literatura surgida de esos parajes recónditos del norte de Europa y Rusia, nos ofrecen obras más que interesantes como La habitación muda (Nórdica Libros), de Herbjørg Wassmo, una novela que, tal y como remarca la crítica, se lee como un thriller y, entre otras muchas sensaciones, como ocurre con buena parte de los autores nórdicos cuando describen los paisajes nevados, te deja helado. Asimismo, podemos adentrarnos en la época de la caída del comunismo en Europa a través de El puercoespín (Nevsky Prospects), de Julian Barnes. Esta obra se desarolla en un país sin nombre del este de Europa, y describe el juicio de su jefe de estado, Stoyó Petkánov. Barnes presenta la historia a través de los ojos de muchos personajes, desde unos estudiantes desencantados que ven el juicio por televisión, actuando como una especie de coro griego, hasta el propio ex dictador.

novelas ilustradas

Si el lector es más dado a las obras que vienen acompañadas por el trabajo de algún ilustrador, existen un buen número de libros que pueden satisfacer sus gustos. Por citar varios ejemplos, la editorial Sexto Piso acaba de sacar a la luz la obra Dibujos, de Franz Kafka. La faceta de dibujante de Kafka y su temprana vocación por el dibujo surgió, según cuenta el editor de la edición original, Niels Bokhove, al contemplar en el escaparate de una tienda dos cuadros que le dejaron una fuerte impronta. Pese a que por lo general se relacionan con su universo literario, muchos de los cuarenta dibujos que se presentan en esta original edición son bocetos de sus días de estudiante, acompañados por un fragmento de texto específico del autor.

A través de 451 editores también tenemos la posibilidad de conocer, de cerca, una de las generaciones más importantes del siglo XX, la llamada generación ‘Beat’. El creador de American Splendor, Harvey Pekar, y el dibujante Ed Piskor ofrecen un collage biográfico de los autores de En el camino, Aullido o El almuerzo desnudo en The Beats. El resultado es un tributo visual tan lúcido y original como la generación que lo ha inspirado.

otras alternativas

La cantidad de opciones que tenemos para leer este verano es tal, que resulta imposible citar todos los títulos que nos gustaría. Por esa razón, y haciendo una cuidada selección, recomendamos títulos de editoriales como Impedimenta, Global Rythm Press, Libros del Asteroide, Periférica, Libros del Silencio, Alpha Decay, Pepitas de Calabaza o Cuadernos de Langre. Así, para empezar, el japonés Tamiki Hara, superviviente de la bomba atómica que arrasó en Hiroshima, escribió Flores de verano (Impedimenta), donde valiéndose de tres momentos narrativos diferentes narra el antes, el durante y el después de la tragedia con un lenguaje exento de florituras.

Para los amantes del jazz, Global Rythm Press ha publicado Una vida ejemplar. Memorias de Art Pepper, escrito por el propio músico y su mujer Laurie Pepper. Este es, sin duda, uno de los mejores relatos jamás escritos sobre la perdición y redención de un músico de jazz.

Daniel Katz relata en Mi abuelo llegó esquiando (Libros del Asteroide) historias y recuerdos que conforman la identidad de una familia judía de origen ruso instalada en Finlandia desde principios del siglo XX. La ironía y la melancolía se unen a la perfección en esta obra que ofrece una particular visión del continente europeo.

Los libros son tímidos (Periférica), obra de Giulia Alberico, es un libro sobre el amor a los libros, un cruce entre 84 Charing Cross Road, de Helen Hanff y las novelas de Natalia Ginzburg. Por otro lado, Libros del Silencio nos trae una novela de iniciación, descarnada y empática, que planta cara a la locura que acecha en la periferia del amor y el deseo, el veneno del racismo, el sufrimiento de los que no son amados, Lejos de ninguna parte, de Nami Mun.

Alpha Decay nos da a conocer la literatura de Fabián Casas en Los lemmings y otros, que describe la infancia misma evocada como paraíso perdido. Pepitas de Calabaza nos traslada a Egipto con la obra Mendigos y orgullosos, de Albert Cossery, una obra que no se centra en el Egipto de los faraones sino sobre sus bajos fondos. Finalmente, otra de nuestra recomendaciones sería El bosque sagrado, de T. S. Eliot en versión bilingüe publicada por Cuadernos de Langre. Un clásico, una verdadera joya de la crítica literaria de todos los tiempos para disfrutar, como nunca, de un verano literario perfecto. Leer alimenta el espíritu. ¿No creen?

ladies and gentlemen... The FIB

2011-07-15T09:54:00.003+02:00

'Fibers' durante la primera jornada del FIB'11. Fotografía de David Bausà

Redes sociales que nos deshumanizan

2011-07-11T18:52:00.001+02:00

Las redes sociales nos han vuelto seres dependientes, automáticos y, lo que es peor, seres fríos e indiferentes, en muchos casos. Supuestamente, vivimos en la era de mayor comunicación global. El mundo está conectado de norte a sur, de este a oeste. Cada rincón se encuentra en Google. Y, sin embargo, no hablamos, no nos comunicamos como antes. Digo esto por una sencilla razón: soy uno de los afectados de esta nueva “moda social de relaciones”. Para poner un ejemplo de hasta qué punto afectan a nuestros modos de vida los facebook, twitter y demás, diré que uno de mis grandes amigos se ha marchado a vivir una temporada a Sassuolo, Italia. ¿Vosotros os enterásteis? Yo tampoco. Al parecer, colgó la noticia en un foro. De esto hace ya dos semanas y un servidor supo de la noticia el pasado sábado porque me llamó por teléfono desde allí –y lo bueno de todo es que se sorprendió al ver que yo no tenía constancia--. Es ahora cuando me pregunto: ¿tan difícil era llamar para comunicarme su partida? ¿costaba tanto acercarse a mi casa y tomar un par de cervezas, reír y llorar si hacía falta? Tanta inmediatez ha provocado que nos alejemos los unos de los otros.

Mi amigo, que por cierto vive a tan solo dos minutos de mi casa, creyó que con publicarlo en su muro bastaba. ¿Y el contacto entre personas, el hablar cara a cara, de tú a tú? O me hago demasiado cascarrabias, o no logro entender todo este submundo de la red. Quizá el problema sea mío, que no evoluciono como lo hace la tecnología. Me tildan de loco por no tener cuenta en facebook o por preferir leer un libro en papel. Perdonen si creo todavía en la importancia de las relaciones humanas directas. Y ya sé que con las redes sociales nos ahorramos el dinero de las llamadas telefónicas, los sms y demás. No obstante, sigo pensando que nos estamos equivocando un poco. Al final no sabremos ni qué aspecto tienen nuestros conocidos. En este sentido, me doy cuenta de que, poco a poco, nos retraemos en nuestra ficticia realidad. Creamos espacios imaginarios y nos distanciamos de todo aquello que nos rodea. Vivimos en burbujas con aire acondicionado. Y no digo que esté mal crear esa realidad. Yo he hecho lo mismo a través de mis lecturas, la música, el arte y el cine. La diferencia es el compartir con los demás tus sensaciones, quedar un día y conversar con el aroma de un buen café humeante. En definitiva, ser personas.

Un viaje irónico por la Dinamarca ‘borracha’ (reseña literaria)

2011-07-08T15:09:00.002+02:00

Situaciones disparatadas, incoherentes, extrañas, surrealistas... La bebida puede ser la causa de muchos encuentros comprometidos o, también, liberadores. Deshinibirse de tanto en cuanto no va mal, ¿no? No sé muy bien porqué, decidí adentrarme en la lectura de un libro cuyo protagonista indiscutible es el alcohol, que tiende sus hilos sobre la célebre patria del Hamlet de Shakespeare. Grandes borrachos daneses es una obra que te arranca la sonrisa y, en un momento dado, incluso la carcajada. Cierto es, que ser testigo de las desgracias de unos pocos causadas por el consumo desmedido del alcohol puede resultar triste. Sin embargo, la forma de narrar los hechos y, sobre todo, la intención de los dos autores de esta, para mí ya inolvidable, obra, provocan un estado de bienestar total en el cuerpo del lector.

Algunos dirán que es un libro estúpido, pero yo soy de la opinión de que estamos ante una obra tremendamente irónica. A través de cada uno de los personajes --que no sabemos realmente si son ficticios-- contemplamos una obra que cumple a las mil maravillas los requisitos del humor absurdo, ese que tanto adoro. Nunca tendremos la certeza exacta de cuáles eran los planes que perseguían Ignacio Vidal-Folch y Lars Bang Larsen al escribir este libro publicado en Alfabia --editorial, por cierto, que posee un catálogo fascinante--. Tampoco tendremos la seguridad ni la capacidad de definirlo o incluirlo en un género u otro. Grandes borrachos daneses puede ser, perfectamente, un libro de anécdotas, un dietario de viaje, una serie de artículos sensacionalistas... Leerlo, dicen algunos, es una pérdida de tiempo. Creo se equivocan, porque el poso que queda en nuestra mente gracias a esa retahíla de historias sin sentido cargadas de sarcasmo, es más que divertida. Además, nadie dijo que leer no pudiera ser un mero divertimento. Reírse es vital y hoy en día parece que nos hayamos olvidado.

Por último, y como consejo, no hace falta ser un dipsómano reconocido para dejarse llevar por esta lectura y entenderla. Cada historieta es un microcosmos cuyo centro neurálgico está impregnado por el whisky, la cerveza o cualquier otra sustancia que pueda embriagar a una persona. Lo bueno de todo, si es que lo hay, es saber hasta dónde puede llegar el ser humano en este estado total de deshinibición. Locuras varias y malos entendidos en este trepidante viaje a Dinamarca y sus alcoholizados ciudadanos.

Adiós a un genio sensible del arte. Cy Twombly

2011-07-06T11:38:00.003+02:00

'III Notes from Salalah', Cy Twombly

Hace ya unos años un artista entró en la vida familiar. Mi hermana tuvo la culpa. La primera impresión, al conocer su obra, fue un tanto distante. Recuerdo pensar: “¿esto qué es?” Mis padres, como era lógico, también se quedaron algo desconcertados. Sin embargo, y con el tiempo, al final acabas tomándole cariño. Puedo decir, perfectamente, que forma parte de nuestra familia. Asistimos a todas las exposiciones que le dedicaron aquí en España en los últimos años. Viajamos a Madrid, Bilbao... Todo para conocer mejor a esa rara avis que fue Cy Twombly.

Pintor proscrito de su generación, aquella maravillosa época del Expresionismo abstracto, Twombly fue un incomprendido por sus coetáneos. Sus influencias, aquellas pasiones que le servían para crear sus obras, distaban bastante del resto. Además, en los años 50, solo te tomaban en serio si te llamabas Pollock, Rothko o De Kooning. No es de extrañar que Twombly huyera y se refugiara en la bella Italia. El de Lexington abandonó la magnanimidad de los Estados Unidos para vivir tranquilamente en una población costera entre Roma y Nápoles --yo creo que también lo hubiera hecho--. El viaje que realizó con su gran amigo Robert Rauschenberg por la península itálica le abrió los ojos.

Cy Twombly era un enamorado de la antigüedad clásica, de los maestros de antaño. Este hecho le confirió la auténtica personalidad en su obra. Trazos libres, sueltos, infantiles, manchas, múltiples colores, estallidos, espirales... Twombly modernizó los mitos a través de su arte. Se atrevió, en cierto modo, a deconstruir el mundo clásico para hacerlo propio. Quieran o no reconocerlo, fue un genio, probablemente el último genio de esa dorada generación de artistas. Su fama le alcanzaría ya en la madurez, puesto que el mercado parecía no entender muy bien cuáles eran sus intenciones. Twombly no interesaba, no era “vendible”. Resulta curioso como al final de su vida se le reconociera el valor que realmente tuvo en el mundo del arte contemporáneo. De sensibilidad exquisita y gusto refinado, no me parece tanta locura el que mi hermana se dedicara por completo a estudiar a este artista con mayúsculas. A él le dedicó su tesina y algún que otro artículo en revistas especializadas como el que publicó Disturbis titulado Twombly: Poeticidad en el lenguaje. Puedo decir, que mi hermana es una de las expertas sobre Twombly que tenemos en nuestro país. Un orgullo. Que descanse en paz este genio creador.

El cinismo de un teórico salvaguarda

2011-07-04T17:05:00.000+02:00

El que un hombre que dice defender los derechos de los autores --sean estos escritores, músicos, artistas, actores...-- esté siendo investigado por un supuesto fraude, evasión de fondos de la misma entidad que presidía, resulta cómico. Reímos por no llorar ante el escándalo que se cierne sobre un personajillo --para mí no llega a ser siquiera personaje-- que cobraba la friolera cifra de 260.000 euros anuales y que una vez ya jubilado percibirá el 60% de su salario --ahí es nada--. Si, finalmente, Teddy Bautista es procesado, significará que es uno de los mayores cínicos de nuestra historia reciente. Promulgar a los cuatros vientos que todos somos piratas por realizar descargas en la red, cuando supuestamente 400 millones de euros han desaparecido bajo su mandato de la SGAE, es "de juzgado de guardia".

Sinceramente, y por la parte que me toca, no le tengo mucho aprecio. Lo bueno de todo es que, a pesar de su teórica culpabilidad, siguen defendiendo la valía de una sociedad que, a mi parecer, ha desvirtuado por completo su objetivo primario. Cierto es que todos necesitamos ganar dinero para sobrevivir y que siendo "artista" puede resultar mucho más complicado. Sin embargo, eso no quita para que se intente, por todos los medios, enriquecerse a costa de la sociedad --que no tiene ninguna culpa--. La clave de todo es, cómo no, la codicia. El ser humano suele perderse en laberintos muy a menudo y, el ansia de poseer más y más, le lleva a perder el juicio. No es justo que un hombre, cuyo trabajo en la SGAE no teníamos muy clara, ganara el sueldo que ganara y nos tildara de ladrones por unos pocos cedés de música o unos deuvedés. Ahora, ese teórico salvaguarda está imputado por un delito grave. Por tanto, ¿quién roba a quién?

Aprender el oficio de un maestro del periodismo (reseña literaria)

2011-07-02T19:18:00.000+02:00

¿Cuál es el poder de la opinión pública? ¿Qué papel juega o debería jugar en la sociedad la figura del periodista? ¿Cómo informar objetivamente, manteniendo los principios, buscando siempre la verdad? Estas son algunas de las cuestiones que nos preguntamos tras la lectura de Sobre el periodismo, de un señor llamado Joseph Pulitzer. De origen húngaro, pero emigrado a Estados Unidos a los 17 años, la figura de Pulitzer es, sin duda alguna, la más representantiva de la historia del periodismo del siglo XIX y XX norteamericano y, porqué no decirlo, mundial. Este hombre fue a lo largo de su vida el referente periodístico por antonomasia. A través de sus columnas, aquellas que escribía en su propio periódico --el World-- Pulitzer promovió el periodismo de investigación. Este hecho, que ahora nos resulta algo muy común, no lo era tanto a finales del siglo XIX.

A través de sus palabras logró denunciar multitud de casos de corrupción política y financiera. Sin quererlo ni beberlo, Joseph Pulitzer le otorgaría a la prensa un poder inconcebible hasta esas fechas: movilizar a la sociedad. Gracias a la editorial Gallo Nero tenemos la oportunidad de adentrarnos en dos de sus artículos más famosos: La escuela de periodismo de la Universidad de Columbia y El poder de la opinión pública. En ambos textos Pulitzer deja clara sus preceptos, aquello por lo que se esforzó en años: ser transparente y cómplice de la verdad, alejado de los hilos de marioneta de las cúpulas políticas y monetarias. En el primero de los dos textos, el más extenso, Pulitzer sienta las bases de la que sería una de sus grandes aportaciones a la sociedad de entonces, la creación de la Escuela de Periodismo de la Universidad de Columbia. Habla de cómo debería ser un redactor, de los estudios que le ayudarían en su labor, de cómo mejorar la profesión de periodista, habla de la ética y la moral de un periodista, de la conciencia, de los peligros de la demagogia y la plutocracia... Pulitzer habla, también, del peligro que conlleva para un periódico convertirse en mero negocio, puesto que pierde toda su valía. “El alma del periódico --nos dice-- yace en su sentido moral, en su coraje, en su integridad, su humanidad, su consideración por los oprimidos, su independencia, su devoción al bienestar público, su anhelo de proporcionar un servicio público”. Esto, por desgracia, se ha olvidado hoy. Sin embargo, siempre podemos acudir a libros como este para recordarnos, de tanto en cuanto, cuál es la esencia del periodismo.

¿Un periodista honrado es posible? o la extraña reseña de la película de David Caffrey 'Divorcing Jack'

2011-06-29T20:26:00.003+02:00

Estamos acostumbrados, por la gracia o culpa del mundo del celuloide, a pensar que el periodista es honrado, fiel a sus principios y amante de la verdad. Esa figura, que no porta sombrero ni tirantes ni un lápiz tras la oreja, tiene un poder inmenso aunque, a día de hoy, no lo tengamos muy en cuenta. El periodista goza de la posibilidad de acercar a la sociedad aquellos acontecimientos que se suceden, día tras día, allá donde viven. Es más, logran crear una opinión pública sobre los mismos y pueden contrarrestar los discursos hegemónicos de nuestros mandatarios --¡que no es moco de pavo!--. Asimismo, crean cultura y, por ende, un espíritu crítico. Sin embargo, esas virtudes se han ido desvaneciendo poco a poco.

El aura de libertador moral se ha esfumado junto a las ganas de aportar una verdadera reflexión. ¿Y todo por qué? Como ya predecían muchos, business is business. Todo queda reducido al puro, asqueroso y, odio decirlo, necesario negocio. Para que un periódico funcione correctamente, esto es, con total libertad de expresión y completamente alejado de los tentáculos “politiqueros” hace falta dinero. Para conseguir ese dinero es necesaria la publicidad (sea esta encubierta o no). Es una lástima. Digo esto porque, como no podía ser de otro modo, al final todo se reduce al euro (o al dólar si se prefiere, o la moneda que sea).

Los medios de comunicación venden su alma y no se dan cuenta del daño que eso produce en la sociedad, que lee noticias interesadas todos los santos días. ¿Puede revertirse esta situación? Lo veo complicado, por no decir, simplemente, que estamos ante una utopía auténtica. No obstante, y esto es lo interesante, siempre existen algunos periodistas inconformistas. Llamémosles outsiders, ilusos, creyentes, personas con fuertes convicciones… Son pocos, pero existen. Normalmente se les tilda de locos descerebrados que nunca llegarán a buen puerto con sus opiniones. Dicen de ellos, también, que sus crónicas o editoriales son meros chistes. Al parecer, todos aquellos que los denigran no entienden la sátira, ese arte intelectual tan elevado y que tanto admiro. ¿Preguntar es ofender? Si es así, que las mismas personas que atacan a esos pocos iluminados tengan en mente esto que escribo.

El mundo no está bien y, por ende, la sociedad. Partiendo de la inmensa cantidad de corruptelas que tenemos que aguantar --y de las que nadie parece enterarse--, la cúpula política dice y desdice a su antojo. Un error, a mi entender. Y es que si estos altos cargos se llegan a creer, como se creen, que son impunes ante la ley y la población, estamos perdidos. El poder corrompe, o eso nos dijeron. Por esa misma razón, cuando leemos algún artículo atrevido que hace visible todo este embrollo, siento que no todo está abocado al terror. Decir la verdad, hoy, está muy caro. Pero no debemos olvidarnos de esa verdad que, a la postre, nos guía y reconforta, que nos permite evolucionar.

Esta misma semana vi la película de David Caffrey Divorcing Jack. Un retrato cínico y amoral del gran problema norirlandés con el IRA. El cineasta irlandés, y cuyo primer largometraje fue este, se basó en la novela homónima de Colin Bateman, que tuvo un fuerte impacto unos años antes. Caffrey nos narra una historia sobre una Irlanda del Norte en paz. El protagonista es Dan Starkey (interpretado por David Thewlis), un joven y polémico periodista que, desde su columna, critica con dureza al candidato a primer ministro norirlandés Michael Brinn. Aficionado a la bebida, un día Dan se acuesta con Margaret, hija de un asesor de Brinn, quien tiene por ex-novio a un famoso terrorista del IRA. Tras un segundo encuentro furtivo, Starkey sale de casa de Margaret para comprar algo de pizza y al volver, se encuentra a la joven agonizando tras ser brutalmente atacada por alguien desconocido. Starkey se verá inmerso en una persecución por parte de la policía (que le consideran el autor del asesinato), miembros del IRA y paramilitares protestantes. En su empeño por descubrir la verdad, el espigado periodista hará lo imposible por salir airoso de esta agónica situación. Al desarrollarse el filme nos damos cuenta de que todos sus perseguidores le buscan por un motivo: una cinta de audio que Margaret le dio al conocerlo. En esa cinta hay una grabación del futuro primer ministro Michael Brinn confesando que, años atrás, y como integrante del IRA, hizo estallar una bomba en la que murieron 13 policías. Aquí vemos cómo un hombre poderoso, capaz de ocultar su pasado y hacerse el héroe en busca de la paz, planifica todo para deshacerse de una prueba que le costaría su vida política. A modo de thriller cómico, Caffrey me sorprendió por una sencilla razón: retratar a un periodista que siempre se caracterizó por decir aquello que pensaba sin ser marioneta de nadie. Al final, y pese a que en algunos momentos tememos lo peor, el bueno de Starkey supera todas las dificultades. La escena final muestra al periodista saliendo del hospital –al pobre le apalean varias veces--, donde le esperan funcionarios del Gobierno Británico y le ruegan que, por favor, no cuente lo sucedido por el bien de todos. Él, engrandecido y furioso, les contesta: “¡Que os jodan!” Era evidente que no podía ocultar un caso tan agravante de corrupción y asesinato. Era fiel a sus convicciones y debía contar la verdad. Algo que todos deberíamos aprender. Así pues, que se jodan todos los que no crean en el poder de la verdad y quieran ocutarla.

'Periodismo comprometido', ilustración de Martin Tognola

Revistas de y para el arte (artículo de prensa)

2011-06-23T19:18:00.002+02:00

A veces, existen noticias agradables que leer. No suele ser muy habitual, puesto que la mayoría de circunstancias que nos rodean son, por decirlo de un modo suave, alarmantes. Si fijáramos nuestra mirada en las noticias sobre el mundo de la cultura, nos daríamos cuenta de que son, quizá, las que mayor alegría puedan reportarnos por diversos motivos, entre los que destacaría el hecho de que no producen desasosiego --al menos, no todas--. La pasada semana leí que las revistas de arte están en pleno auge. Reconozco que esta noticia me sorprendió y agradó infinitamente. Como todos saben, el ámbito cultural de cualquier provincia, comunidad, país o continente, siempre queda relegada a un segundo plano. Por esa misma razón, nadie creería que las publicaciones artísticas pudieran gozar de un momento de esplendor. Sin embargo, y esto es lo maravilloso del asunto, todo cambia. En España, a lo largo del último año, las revistas de arte se han convertido en un fenómeno a tener en cuenta. Lo cierto es que, hoy día, resultan un campo idóneo para poder acercar la producción artística de creadores y/o las reflexiones y estudios de los críticos y pensadores. Muchos han llegado a pensar si las revistas podrían convertirse en un nuevo formato de exposición.

EJEMPLOS

Ejemplos ya ha habido aquí en Castellón. Recordemos la exposición Avecindamientos discretos que organizó el Espai d’Art Contemporani en la que colaboramos ofreciendo varias páginas durante el periodo en que permaneció abierto el proyecto. Esas páginas formaban una parte esencial de la propia muestra, le conferían un sentido. En Otros fueros, ese análisis que el grupo mexicano Tercerunquinto planteó en el EACC a principios de la primavera, y que finaliza hoy mismo, también necesitó de una publicación para completar una de las obras de la exposición, Vecindad. Como ven, ambos casos sirvieron para darnos cuenta de que las revistas sirven, perfectamente, como plataformas desde las que proponer nuevas maneras de entender y mostrar el arte.

Los museos y centros de arte de nuestro país editan cada vez más una serie de publicaciones cuyos contenidos siempre están en sintonía con las exposiciones que albergan. Son, dicho de otro modo, un soporte añadido. Este hecho, como no podía ser de otro modo en este extraño mundo del arte, ha levantado debates.

CREATIVIDAD

¿Es necesario crear una revista exclusiva para dar a conocer una exposición? ¿No resulta un tanto excesivo? ¿Realmente aportan algo nuevo a la mera obra? La experimentación y la creatividad que proporcionan las revistas que se publican hoy traspasan fronteras y abren nuevas vías que ofrecen mayor visibilidad a las plataformas artísticas. En este sentido, creo que es una forma más que válida y, me atrevería a decir, necesaria en muchos de los proyectos que se llevan a cabo.

Los artistas abarcan mucho más, ya no se conforman con aprender y desarrollar técnicas y manifestaciones artísticas monotemáticas. El artista de hoy quiere dominar la imagen, el concepto, cree vital el proceso creativo y su desarrollo. Con ese objetivo en mente, el mundo editorial les ha servido como trampolín perfecto para desarrollar sus trabajos, ya sea en formato papel o digital. Asimismo, son muchos los artistas que deciden crear aquello que se denomina ‘libro de arte’ –obras cuya materialización ha necesitado de este formato para realizarse de un modo físico--.

DIVULGACIÓN

La divulgación del arte, esa mirada analítica con vocación teórica, es también la clave de una revista ‘made in Castellón’ como es CBN. La publicación, que nació de la imaginación y tesón de Mariano Poyatos y que dirige Rosalía Torrent, es un claro ejemplo de revista de arte. En ella se reflexionan de forma crítica distintos aspectos del arte. De carácter anual, CBN es una invitación al diálogo y, sobre todo, una ventana para conocer nuevos aspectos desconocidos para el gran público. La revista, que ya es toda una realidad, es el resultado de la inquietud intelectual de muchas personas. Es posible que sea esa inquietud la que haya impulsado un formato como este.

En una época en la que todo se dirige a lo electrónico, parece mentira que sigan apareciendo publicaciones en papel. Me levanto el sombrero. Digo esto por una sencilla razón, el ser humano es un ser táctil, necesita palpar con sus manos para conocer mejor aquello que le rodea. Leer libros, revistas y periódicos en papel supone todo un ritual que, no nos engañemos, la electrónica nunca podrá suplir. Pasar las páginas con los dedos, el olor del papel impreso, el propio espacio físico que ocupa la obra y que, en un aparente sentimiento de coleccionista, nos invaden las estanterías, son algunas de las razones por las que prefiero un millón de veces lo tradicional. Y no soy el único. Pero bueno, eso sería otro cantar.

Volviendo al tema que nos ocupa diré que ese renacer de las revistas especializadas en arte supone un cambio provisto de grandes sorpresas y misterios. En cada uno de los números de CBN hemos podido enterarnos de algunos de los movimientos artísticos más influyentes del pasado siglo XX, el trabajo y trayectoria de algunos de los artistas más reconocidos y también desconocidos por el gran público, de las técnicas empleadas por los mismos, de la conceptualidad que inunda al arte contemporáneo... Gracias a estas publicaciones nos acercamos, un poco más, a ese intrincado viaje cultural que es el arte.

Coincidencias y pareceres

2011-06-21T10:12:00.000+02:00

Resulta muy agradable poder leer a alguien que piense como tú. Sin conocer personalmente a la mente que está detrás de esas reflexiones tan parejas como las tuyas, tienes la sensación de conocerlo y sonríes casi sin querer creando una complicidad imaginaria. Resulta agradable y extraño al mismo tiempo. Normalmente, el ser humano tiende a creer que está solo en el mundo, que nadie le comprende o que no es capaz de darse a conocer por completo. Por esa razón buscamos el amor, esa idea etérea que ansiamos todos --o casi todos--. El amor es uno de los gestos más egoístas que existen. Queremos para que nos quieran. Pero bueno, no quiero adentrarme ahora en estos terrenos del amor, es un tema complicado. No obstante, solemos asociar felicidad y amor en muchos casos. En este sentido, cabría preguntarse ¿qué es la felicidad realmente? Es aquí donde me sorprendo al comprobar que un personaje como Gustave Flaubert tenía una concepción muy cercana a la que yo tengo. Pude darme cuenta de esta extraña coincidencia gracias a un artículo del inigualable Enrique Vila-Matas --del que siempre obtengo maravillosas reflexiones y disfruto con cada una de sus medidas palabras--.

En un texto reciente publicado en el periódico El País, Vila-Matas habla del presente tan negro que vivimos, de la educación que deberían recibir las clases dirigentes para alejarse de una vez por todas de la dominación de los mercados, de la transformación que la sociedad actual lleva a cabo hasta convertirse en una gélida masa sin sentimientos. Como siempre, Vila-Matas se sirve de la literatura para darnos a conocer su parecer, y nombra al autor de Madame Bovary. De Flaubert nos dice que no creía en la felicidad, pero sí en la tranquilidad. Esa frase fue la que me conmovió. Desde hace ya unos cuantos años siempre digo lo mismo: "yo, lo único que deseo en esta vida es vivir tranquilo". Podrá parecer estúpido, pero Vila-Matas lo explica perfectamente: "seguramente, la tranquilidad es de los pocos derechos que aún podemos ejercer con calma". Quizá sea un actitud un tanto cobarde, no lo sé. Sin embargo, al igual que hiciera Flaubert al final de su vida, intentaré apartarme de todo lo que me resulte enojoso para alcanzar esa meta --quién sabe si utópica--. Habrá que ver si lograré dicho cometido. Flaubert pudo hacerlo.

'Gustave Flaubert', retrato de Pierre François Eugène Giraud

Iconos del arte de hoy (artículo de prensa)

2011-06-19T13:57:00.002+02:00

El artista chino Ai Weiwei sostiene un puñado de semillas de girasol de porcelana. Foto: Andy Rain.

La pasada semana dieron a conocer los nombres de los artistas que este año participarán en el 5X5 Premi Internacional d’Art Contemporani de la Diputació de Castelló. Este grupo selectivo de 25 talentos creativos ha sido configurado a partir de los criterios e intenciones de cinco iconos del arte de hoy. Y, ¿quiénes son? ¿qué les ha llevado a convertirse en una referencia indiscutible del arte contemporáneo? Eso es, de forma modesta, lo que me gustaría responder aquí.

Ignasi Aballí, Marlene Dumas, Dora García, Pipilotti Rist y Ai Weiwei son los cinco creadores que el Espai d’Art Contemporani de Castelló y la Diputación Provincial escogieron para la presente edición del certamen artístico más importante de Europa. Todos y cada uno de ellos tienen en común el carácter conceptualista de sus obras. En ellas, prima más la idea que su resultado final, algo común en las prácticas artísticas del último medio siglo. Sin embargo, y como es lógico, cada uno posee elementos diferenciadores que les han convertido en claros representantes del arte actual.

ignasi aballí

En el caso de Ignasi Aballí, decir que comenzó a despuntar a través de su una intensa reflexión sobre el estatuto de la imagen, la pintura, la representación e incluso la condición política del arte. Asimismo, su obra reflexiona también sobre los límites de lo artístico y su relación con la vida cotidiana, aquella que le sirve para extraer la mayoría de sus materiales. Su producción, como la del resto de miembros de este selecto grupo, ha estado presente en la Biennale di Venezia, un privilegio al que no todos pueden aspirar.

marlene dumas

La surafricana Marlene Dumas dirige sus esfuerzos en el campo pictórico. Sus creaciones, ya sean sus pinturas al óleo, las acuarelas o las tintas, tienen una fuerza expresiva brutal que no solo impacta por la representación sin concesiones estéticas del cuerpo humano, sino que también plantea un enfoque inusual del sexo y de la sexualidad en el arte. En cierto sentido recuerda a aquello enigmáticos retratos de Egon Schiele. Dumas admite no distinguir entre un tema tabú y uno convencional pues dice no encontrar esa frontera. Sin duda, es una de las artistas que crean un ambiente de intranquilidad supremo al contemplar sus obras. Poseen una fuerza demoledora. A mí, particularmente, me encanta.

dora garcía

Además de Ignasi Aballí, la otra representación española que completa el quinteto de nuestra reflexión es la vallisoletana Dora García, quien, por cierto, es la representante nacional de la presente cita artística veneciana. Tras varias ediciones frustradas, el pabellón español de la Biennale di Venezia ha acertado este año con el proyecto de García --al menos, eso nos dicen los expertos--. El campo de interés de la artista se centra en la creación de situaciones o contextos que alteran la relación tradicional entre artista, obra y espectador. Podemos decir que Dora García busca siempre una separación radical entre objetividad y subjetividad.

pipilotti rist

De Suiza procede una de las videoartistas más influyentes de los últimos tiempos: Pipilotti Rist. En contraste con otros muchos artistas conceptuales, sus coloridos y musicales trabajos transmiten una sensación de felicidad y sencillez. Fueron en un principio considerados como obras de crítica feminista, hecho este que ha cambiado con el tiempo. Hoy en día sus trabajos se encuentran en las más importantes colecciones de arte de todo el mundo. El trabajo de Pipilotti se inscribe dentro de un arte narrativo, cuyo tema es la memoria de la experiencia vivida que no es pasado sino que se hace presente. En cierta forma autobiográfico, pero situado más allá de la mera anécdota personal, las vídeo instalaciones de Rist hacen del cuerpo, del deseo, de lo sexual, de lo fluido, del movimiento y de la música, su leitmotiv. A lo largo de los años 90 Rist se convirtió en una de las artistas que más han marcado las prácticas artísticas.

ai weiwei

Por último, y no por ello menos importante, nos encontramos con el chino Ai Weiwei. Hablar de Weiwei es hacerlo de mucho más que un artista. Su activismo político le ha llevado a ser conocido como una de las personalidades más importantes de la disidencia China. Sin embargo, no hay que olvidar que es una de las figuras más radicales e interesantes del panorama mundial. Actualmente se encuentra encarcelado en su país, noticia esta de gran repercusión. Hoy en día es conocido por el diseño del estadio olímpico de Pekín, conocido como “el nido”, que realizó en colaboración con los arquitectos Herzog y De Meuron. No obstante, la producción de Weiwei va mucho más allá de esta arquitectura puntera.El chino es uno de los artistas más iconoclastas que existen hoy día. Hijo de uno de los grandes poetas chinos del siglo XX, Ai Qing, que durante la revolución cultural fue enviado a limpiar letrinas en la región musulmana de Xinjiang, Ai Weiwei parece llevar en la sangre el espíritu rebelde y la conciencia social.

Como pueden ver, con sus distintos matices, preocupaciones y conflictos internos, cada uno de los cinco artistas que han seleccionado a los participantes en el premio ‘5X5’ goza de una reputación intachable en el ámbito contemporáneo del arte. Por esa misma razón, el hecho de que aceptaran el “encargo” del Espai d’Art Contemporani y la Diputació Provincial, aumenta considerablemente el valor de un certamen que, año tras año, sigue aumentando su caché y su prestigio. Todo un lujo para Castellón.

Una sociedad preocupada y en alerta (columna de prensa)

2011-06-17T13:39:00.001+02:00

Momentos llenos de incerteza, polémicas constantes, ataques verbales, insultos varios. Presidentes que necesitan de helicópteros para llegar a su destino, furgonetas blindadas que transportan a consellers, pintadas por la espalda. Injurias y traiciones que no se esperaban. Una gran parte de la sociedad dijo basta ante tanto sinsentido provocado por la clase política, aquella que, en teoría, debe servir y defender al pueblo --que no al contrario--. El movimiento del 15-M ha levantado muchas ampollas y, sinceramente, creo que era necesaria una llamada de atención como esta. No estamos bien y debemos ser conscientes de ello. Eso sí, no entraré en lo correcto o incorrecto de las actuaciones llevadas a cabo hasta la fecha por unos “indignados” a los que me uno.

Sé que concienciar a la población de una situación es difícil, más cuando ésta tiene algo que ver con la política --esa cosa que cada vez me da mas miedo--. Sin embargo, existen formas para acercar a las personas las preocupaciones que puedan surgir a lo largo de este camino intrincado que es la vida. Por poner un ejemplo, la cita que se celebrará mañana sábado en el parque Ribalta de Castellón: la VII Bienal de l’Art del Rebuig --de la que haremos un análisis más profundo la próxima semana--. Esta peculiar performance de arte en directo sirve para levantar la voz y dejar bien claro que es necesaria la igualdad entre mujeres y hombres, que debemos respetar el medioambiente y hacer todo lo posible por construir la paz. La cultura es, quieran o no reconocer muchos, un bien necesario para seguir evolucionando como seres humanos. La clase política debe tomar conciencia de ello. Sería un primer paso para conciliarse con una sociedad que está harta de que les tomen el pelo.

Un viaje reflexivo a través del país del sol naciente (reseña literaria)

2011-06-12T20:02:00.000+02:00

Matsuo Kinsaku, conocido de forma popular como Basho, es, probablemente, el poeta más importante de la historia de Japón. Leer su obra es, en pocas palabras, recorrer el país nipón de punta a punta, conocer sus costrumbres y tradiciones, desnudar sus almas. De gran profundidad y con un contenido que va más allá de lo puramente poético, Basho logró crear ya en el siglo XVII un estilo propio que sedujo a miles de lectores en su época --y sigue haciéndolo--. Emperadores, shogunes, samurais, geishas, ninjas... La riqueza mitológica e histórica del país del sol naciente me resulta fascinante --como tantas otras--.

El mundo nipón sigue siendo una auténtica incógnita para muchos de nosotros. La modernidad irrumpió de forma tajante y sorpresiva en el archipiélago, y eso provocó la confección de un país con demasiados contrastes. Quizá, por esa misma razón, para averiguar cómo vivía esta nación caracterizada por su amor a las tradiciones, quise adentrarme en la lectura de uno de sus referentes, como fue, es y será Basho.

La editorial DVD Ediciones ha publicado recientemente, gracias al buenhacer de Jesús Aguado, De camino a Oku y otros diarios de viaje. Aguado nos cuenta que Basho se pasó buena parte de sus cincuenta años de existencia caminando sin apenas descanso. A lo largo de ese periplo, se dedicó a escribir sobre todo aquello cuanto veía y sentía. Recorrió todo Japón y en ese tiempo dejó más de dos mil haikus, cuatro diarios de viaje y decenas de textos de distinta naturaleza. Algunos de estos relatos y haikus son los que podemos leer en este libro que, realmente lo digo, es una joya. A través de cada uno de sus pasajes, no sabes muy bien cómo, viajas a través del tiempo para acompañar a Basho en su particular aventura, en sus reflexivos pensamientos. Su mirada es la tuya, su voz es la tuya. Cada una de sus impresiones reflejan el modo de vida de un país que, antes de la era actual, se caracterizaba por la sencillez, el honor y el respeto. Asimismo, los paisajes que describe Basho son un acto de amor hacia la naturaleza de su patria, esa que puede ser agreste y sosegada al mismo tiempo, que esconde misterios y que produce alegrías. De camino a Oku y otros diarios de viaje le abren a uno la mente, le permiten relajarse y disfrutar de la intimidad de un narrador que supo retratar como nadie la identidad de su país.

Patrimonio y sociedad (artículo de prensa)

2011-06-11T16:26:00.001+02:00

Resulta extraño ver aquello que normalmente es privado, ajeno a nuestras teóricas preocupaciones. A pesar de ello, a mí me encanta. Ver lo que otros no ven, bien porque no pueden o porque no se atreven, te hace sentir especial. Es una sensación única que te permite mirar las cosas desde otro ángulo. La perspectiva que creías tener sobre las cosas, se amplía, crece o se transforma. En este sentido, comprobar el trabajo, in situ, que realizan en el Institut Valencià de Restauració i Conservació de Béns Culturals, ha supuesto una inyección de estímulos que todo el mundo debería poder disfrutar un día. Y es que el espectador de una obra, lo único que logra contemplar es el resultado final de la misma. El proceso de creación o, en el caso que nos pertoca, restauración, se pierde. Este hecho, que para muchos puede carecer de importancia --para gustos, colores, ¿no?--, creo que debería poder replantearse para lograr concienciar a la sociedad del incesante trabajo que realizan nuestros “salvaguardas” de la cultura. No debemos olvidar que el patrimonio, ese conjunto de bienes que cierta gente parece obviar o que no le otorga la importancia que merece, es de todos y para todos. Por esa misma razón, quisiera, desde aquí, alzar la voz --o en este caso, la tecla del ordenador-- para reconocer el gran mérito que tiene el IVC+R y saber de su necesidad hoy.

ARDUA TAREA

Recuperar, como lo hacen, piezas de valor socio-histórico-cultural, es una tarea ardua, que requiere de mucha paciencia, precisión y, sobre todo, amor por el mundo del arte. Lo bueno del caso es, que el IVC+R cumple con todos estos requisitos, y lo hace con un sobresaliente, hecho este que le ha llevado a convertirse en el centro de restauración más importante de España y uno de los que gozan de mayor prestigio en toda Europa. Con su sede en Penyeta Roja, en Castellón, cada día decenas de restauradores y técnicos trabajan para devolver el esplendor a aquellas piezas que, con el paso inexorable del tiempo, han visto deteriorada su faz.

El IVC+R funciona como un engranaje perfecto en el que se combinan multitud de procesos para lograr un único objetivo: restaurar y devolver a la sociedad una parte de nuestra historia. Para conseguir tal fin cuentan con profesionales de primera índole y de orígenes variopintos. Durante la visita que realizamos al centro pudimos comprobar cómo el IVC+R cuenta entre su personal con personas de nacionalidad italiana, argentina, portuguesa... No resulta tan extraño, cuando se es consciente del valor que el IVC+R tiene en el viejo continente y con otras partes del planeta. Para que vean, el Institut intercambia estudiantes con la Sorbona de París, cuenta con proyectos en Pompeya (Italia), Argentina, Nicaragua, Cuba, Austria, Marruecos, en la Fundación Indira Gandhi (India), colabora con la Hispanic Society of America y el Metropolitan de Nueva York... La lista de entidades colaboradoras y centros es larga, muy larga. Como dije antes, no es tan raro, ya que su profesionalidad y su pasión por lo que hacen es digna de admiración.

Restauración de obras pictóricas y escultóricas contemporáneas, de cerámicas, dorados y retablos, esculturas policromadas, grandes formatos, material de archivo, metal y orfebrería, mobiliario, paleontología, pétreos, pintura de caballete, pintura mural, vítreos y textiles. Todo se realiza con sumo cuidado en la sede del IVC+R de Castellón.

DEDICACIÓN

Carmen Pérez es la cabeza visible del IVC+R, su directora. Con ella recorrimos cada uno de los talleres de restauración que existen en Penyeta Roja. Pérez nos abrió las puertas de su casa y nos permitió conocer, de cerca, algunas de las técnicas, procesos, materiales, instrumentos y maquinaria que utilizan para la restauración. Debo decir, de forma sincera, que uno nunca creería que restaurar conllevara tantos procedimientos. Sin embargo, y por esa misma razón, es necesario interesarse por el trabajo que llevan a cabo.

La sociedad, no se sabe muy bien porqué, nunca es del todo consciente del valor y la importancia de las cosas si no las comprueba por sí sola. Este es un fallo que tenemos, porque somos humanos. Así pues, una vez comprobado el trabajo realizado sobre una obra, le conferimos el valor que realmente tiene de forma instantánea. Puede que no sea justo pero, como dicen, más vale tarde que nunca --aunque es mejor que la gente pueda darse cuenta antes--.

Quizá, dar a conocer todo ese intenso trabajo sea lo más laborioso y difícil de conseguir. Los medios de comunicación, debo decir, no ayudan demasiado para que esto cambie. Por ese motivo, y en plena era de Internet, las redes sociales juegan un papel crucial. El IVC+R ha logrado acercar sus proyectos a mucha gente a través de la red. Pero la cosa, amigos lectores, no acaba ahí. Otra parte esencial, a mi entender, y que distingue al IVC+R de otros centros es esta misma preocupación por dar a conocer su labor. Los talleres didácticos que programan a lo largo del año son, pues, vitales. En la actualidad ofrecen actividades en el Archivo Municipal de Burriana, el Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni de Vilafamés, el Museu de Belles Arts de Castelló... Precisamente, en el Museu de BBAA, hasta el momento, ya han participado más de 200 niños en estos talleres que les acercan al mundo de la restauración, a la paleontología o la misma historia, y aún faltan mas de 300 por participar.

Bajo el título de ‘Restauro en el Museu’, alumnos de educación infantil y primaria se han convertido en auténticos expertos que han aprendido a tratar y restaurar fósiles del dinosaurio más alto de Morella. Este taller ha visitado recientemente Valladolid para asistir a la feria de patrimonio más importante de España, que ha contado con más de 1.500 participantes. Asimismo, se ha trasladado a numerosas escuelas de la Comunitat Valenciana. Todo, con el fin de aproximar a la sociedad una pequeña parte de todo el trabajo que realizan.

Podemos estar orgullosos en Castellón de contar con un centro único que recupera para todos una parte de lo que somos, de nuestra particular historia personificada en obras de arte, textiles o libros. El IVC+R es y debe ser un baluarte cultural.

Una ‘cantera’ editorial (artículo de prensa)

2011-06-10T00:07:00.000+02:00

Castellón es uno de los máximos exponentes actuales en el ámbito del arte contemporáneo nacional. También goza de un amplio reconocimiento en el campo de la restauración del patrimonio y cuenta con personalidades de gran proyección en el apartado musical. En la literatura disponemos de plumas excelentes, que escriben en castellano y valenciano. Sin embargo, y siguiendo con las letras como telón de fondo, a veces me pregunto el papel que jugamos exactamente en el, siempre complicado, capítulo de la edición.

Hace ya un tiempo la provincia vio cómo Ellago Ediciones --probablemente el sello más importante que ha habido aquí-- se trasladaba a la lejana Galicia. La histórica editorial se marchó a Pontevedra, aunque todavía existe una oficina en la capital de la Plana. En este sentido, nos quedamos un poco cojos. Ante tal panorama, nuestra situación en el entramado de la producción literaria perdió fuerza. No obstante, y debido a circunstancias casuales, me he dado cuenta de que no todo está perdido.

Debido a la constante “fuga de cerebros” que ha vivido la provincia en los últimos años, muchos de los nuestros se han desperdigado por todo el país. Una de estas personas es Ana S. Pareja. La joven castellonense es editora y una de las personas fundadoras de la editorial barcelonesa Alpha Decay. De carácter independiente, el sello es uno de los que está “pegando fuerte” en el mercado actual. España, para aquellos que no lo sepan, se está convirtiendo en la reina de la “bibliodiversidad”. Desde hace unos diez años en adelante han surgido numerosos sellos que conforman un panorama espectacular en cuanto a oferta literaria. Nunca antes se podría haber leído tanto como ahora. Algo asombroso, la verdad sea dicha. Castellón, gracias a la labor de Ana S. Pareja, puede decir que “pone su granito de arena” al respecto. Y esto lo hemos constatado estos días por la participación de Alpha Decay en la Feria del Libro de Madrid. Numerosos medios de comunicación culturales entrevistaron a la castellonense, quien ahora forma parte de una cúpula de nuevos valores que ha cambiado radicalmente el mundo de las editoriales en España.

La relación Castellón-mundo editorial, no acaba, sin embargo, en el trabajo de Pareja. Algunos de nuestros escritores más jóvenes publican en estos sellos. Es el ejemplo de Ismael Llopis --quien, por cierto, fue fotógrafo del periódico en el que trabajo-- que publicó en Melusina ‘No tendrás casa en la puta vida’. En este libro colectivo, que entremezclaba relatos con fotografías, escribieron varios castellonenses, uno de ellos fue Robert-Juan Cantavella. El de Almassora, que recordemos acaba de sacar en Mondadori su Asesino cósmico, forma parte de un grupo de autores de la tierra que emigraron a la ciudad condal para hacerse un hueco en el campo literario y editorial. El otro literato almazorense Óscar Gual, publica también con la editorial barcelonesa DVD Ediciones. Así, aunque desconocidos para muchos de nosotros, debemos tener en cuenta que Castellón es, también, una tierra preocupada por la literatura. Las letras, y todo aquello que le rodean, forman parte esencial de nuestro ‘yo’, a pesar de que no nos lo acabemos de creer. La provincia tiene mucho talento, lo ha demostrado en el pasado y lo está demostrando ahora mismo. Esperemos que, en el futuro, Castellón siga siendo sinónimo de literatura. De momento, con los autores antes mencionados y con la editora Ana S. Pareja, parece que podemos estar tranquilos. Eso sí, si alguno se añade a la lista, mejor que mejor. Cuanto más azúcar más dulce.

"Álbum del mes: BLOSSOM DEARIE" MAYO'11

2011-05-31T23:35:00.002+02:00

Dicen que poseía un pobre y pequeño registro, que tenía voz aniñada. Sinceramente, me da lo mismo. Escuchar a Blossom Dearie, además de ser un descubrimiento, me ha reportado alegrías. Y es que este álbum homónimo de la cantante norteamericana es fresco, muy fresco, y contiene alguna que otra sorpresa que uno no se espera, como las canciones que nos brinda en un perfecto francés.

Dearie se mudó a Francia en 1952 con el grupo vocal The Blue Stars, con quienes conseguiría un hit en 1954 con la versión francesa de Lullaby of Birdland. Y como si de una película romántica se tratara, Dearie conoció en París al que sería su marido, el flautista y saxofonista belga Bobby Jaspar. Sin duda, la influencia europea se nota en sus canciones.
A su vuelta a Nueva York comenzaría su despegue. De 1956 a 1960 firmaría con el sello Verve Records y grabaría los que, sin duda, son sus mejores trabajos, como este que presentamos. Firmar con un gran sello como este le brindó la posibilidad de tocar y grabar con algunos de los grandes de la escena jazzística del momento. Sin ir más lejos, en este Blossom Dearie, la cantante y pianista se rodeó de magníficos instrumentistas como Herb Ellis, a la guitarra, Ray Brown, al bajo, y Jo Jones --aka 'Philly' Joe Jones--, a la batería. Increíble. Como era lógico, este disco --de 1956-- consolidó su carrera y nos dejó constancia de su calidad, tal y como se puede apreciar en la versión que realiza en el álbum de ese clásico de los clásicos titulado Lover Man. Para finalizar diré que, personalmente, escucharía una vez a la semana canciones como Comment Allez Vous o Tout Doucement. Quizá sea por capricho, pero oír cantar en francés a Dearie con esa peculiar voz me traslada a ese ambiente parisino soleado de primavera en el que jóvenes, y no tan jóvenes, se dejan llevar por el romanticismo. Este disco es sensacional para escuchar en primavera.

Descubriendo realidades con la cámara... (artículo de prensa)

2011-05-30T01:59:00.001+02:00

Biblioteca Usera, Madrid. Fotografía de Bleda y Rosa

Este mes de mayo tuvo lugar en Madrid una de las principales ferias fotográficas de nuestros país, a pesar de que necesita trabaja mucho todavía para ser cita ineludible del calendario. MadridFoto, que así se llama, nació con un claro objetivo: apostar por un mayor coleccionismo y difusión del formato. Allí se pudieron ver los proyectos de algunos de los mejores artistas de la instantánea. Los 5.000 metros cuadrados de exposición se inundaron de ojos curiosos y expertos. Precisamente, cuando a uno de estos expertos le preguntaron si podría recomendar a algún fotógrafo que la haya sorprendido especialmente, éste contestó: “Pascual Arnal. Sus imágenes, cargadas de matices y símbolos, se mueven en un extraño arco que va de Wolfgang Tillmans a Manuel Álvarez Bravo”. Arnal, para aquellos que no lo sepan, es de Vila-real, y es, probablemente, uno de los mejores baluartes de la fotografía contemporánea castellonense.

Reconocer el trabajo de uno de los nuestros fuera de las fronteras locales tiene mucho mérito. Pero, debo advertir, amigos lectores, que él no es el único que destaca. Me explico. La persona que contestó a la pregunta “qué recomendaría de MadridFoto” fue María Bleda, quien junto a José María Rosa conforman el colectivo Bleda y Rosa, Premio Nacional de Fotografía en 2008. Bleda también es de Castellón y ahora está considerada toda una institución en el ámbito de los fundamentos del medio fotográfico y la fotografía documental. Como ven, desde aquí surgen muchas mentes inquietas en busca de retratar esa extraña realidad que nos rodea.

A Pascual Arnal y María Bleda se les pueden unir perfectamente otros nombres como los de Pilar Beltrán, Vicente Tirado, Laura Vallés, Joel de las Heras, Juan Plasencia o David de la Rosa. Ni que decir tiene que la fotografía documental, la cultura del archivo, esa exploración de territorios físicos, sociales, metafóricos y literarios, tiene en Castellón un buen aliado. Por tanto, creo que es hora de quitarnos esas molestas etiquetas que solemos autoimponernos de “don nadie”. En definitiva, y para concluir esta reflexión en voz alta, me gustaría hacer un llamamiento para animar a los que empiezan en el siempre delicado mundo de la fotografía, y para aquellos que creyeron que en Castellón no hay nada que hacer ni que decir. Será un proceso largo, una carrera de fondo, pero a la vista está que tenemos algunos de los ojos más delicados y perspicaces de la fotografía nacional. Por tanto, no debemos caer en el pesimismo. En Castellón hay mucho arte.

Una petición: apostar por la cultura (columna de prensa)

2011-05-28T00:11:00.000+02:00

Nunca me ha sido fácil, o mejor dicho, nunca he querido opinar sobre política. Desde que tuve los primeros indicios de cierto razonamiento en estas lides, tuve claro que resulta un tanto peligroso para mi propio bienestar emocional e intelectual. Para bien o para mal, estamos supeditados a las directrices de unos pocos que nos dicen lo que es bueno y malo para todos. En este sentido, y tras las elecciones celebradas el pasado 22 de mayo, sé que habrá cambios en el ámbito cultural de nuestra provincia. No sé si serán importantes, pero espero que no afecten al bienestar de nuestra salud. Digo esto por un sencillo motivo, no quisiera que el nivel alcanzado hasta la fecha en cuanto a propuestas culturales se vea reducida. Sé que son tiempos difíciles y que hay que recortar de donde sea. Sin embargo, creo sinceramente, que la cultura y todo lo que le rodea son parte vital de nuestro futuro. La formación es necesaria para que los jóvenes castellonenses nos lleven a un nivel superior y es por eso que no se les puede dejar de lado. Ni a ellos ni a todas aquellas personas que ven en la música y el arte un modo de vivir, de sentir las cosas. Debemos seguir apostando por nuestros festivales, centros expositivos, premios literarios, actividades didácticas... Es crucial disponer de estos espacios y eventos para seguir creciendo como personas. Además, y si lo que realmente les importa a los políticos es el ámbito económico, consumir cultura es lo más barato que existe. Aprovecho, pues, este pequeño rincón para pedirles un nuevo esfuerzo al confiar en la cultura, ya que ésta genera progreso, entendimiento y, lo que es más importante, comunicación entre las personas.

Un encuentro con... Manuel Vicent

2011-05-27T20:44:00.001+02:00

Manuel Vicent visto por José Luis Roca

Desde que comencé mi particular periplo periodístico tuve muy claro que quería conocer de cerca a uno de los escritores más importantes nacidos en la provincia de Castellón: Manuel Vicent. Por causas que todavía desconozco, nunca pude entrevistarle ni pude asistir a alguna de sus animosas charlas. Sin embargo, nunca sabes lo que te depara la vida. Digo esto porque esta misma semana compartí escenario con este excelente narrador. El protagonista del evento en cuestión, obviamente, era él, pero yo me sentí como un fiel escudero. Vicent hacia las de Don Quijote, mientras yo me enfundaba el raído traje de Sancho Panza. Ambos nos enfrentamos a las inquietas hormonas de los adolescentes que llenaron el Teatre Principal de Castelló para participar en los ya famosos Encuentros de estudiantes con..., que organiza la Fundación Caja Castellón-Bancaja a lo largo del año.

Tranquilos, en un primer momento, pero con el “sentido arácnido” de Spider-man en funcionamiento, comenzamos ese toma y daca de entrevistador y entrevistado ante las decenas de ojos que nos observaban. En ningún momento quise adentrarme en esos terrenos pantanosos de polémicas surgidas a raíz de su último libro Aguirre, el magnífico. Mi intención fue, porque creo que era lo realmente interesante para los estudiantes, dar a conocer aquellos aspectos que hicieron que un chico de la Vilavella llegara a ser uno de los escritores más importantes de nuestros días. Vicent fue muy sincero, habló de la suerte que tuvo de poder estudiar en una época difícil marcada por la dictadura. Incidió en que, gracias a eso, logró “alzar el vuelo”. Tras muchas peripecias --entre las que se encuentran momentos de gran placer, tragedias, romances, viajes...-- ha logrado convertirse en un autor premiado, reconocido y respetado, algo que, a día de hoy resulta, cuanto menos, complicado. Digo esto, porque el mundo editorial ha cambiado mucho en los últimos años. Ahora, tal y como remarcó el propio Vicent, impera la creación de los ‘best-seller’. Todo es puro mercado. En otras palabras, si no vendes, no vales nada. A pesar de ese panorama grisáceo casi negro, lo que está claro es que quien verdaderamente sienta la necesidad de dar a conocer su mundo interior, o su particular visión sobre todo aquello que le rodea, “tan solo debe utilizar un bolígrafo y un papel”. Durante la conversación que mantuvimos Manuel Vicent y yo dejó claro que escribir “es una de las formas más baratas que existen para disfrutar”. Razón no le falta.

Poseedor de ese espíritu viajero y amante del buen comer --y del buen vivir, para qué engañarnos--, Manuel Vicent ha logrado conjugar ambos aspectos en su literatura. Viajar, para él, es algo necesario. “El viaje es el fundamento de la literatura”, nos dijo durante la charla. Desde la Odisea homérica, las aventuras de Jasón y sus Argonautas, o el propio destierro del paraíso de Adán y Eva, el viaje ha estado presente en la literatura. Vicent es un viajero intrépido, no solo en el plano físico de ir de un lugar a otro, si no en la búsqueda de la comprensión del ser humano, de su comportamiento y sus sentimientos. A través de sus obras ha indagado, poco a poco, en todo esto. Quizá, esa curiosidad haya sido la que le llevara a ser optimista con respecto al futuro del lector y del libro. En plena era digital, en la que los jóvenes piensan en imágenes, Manuel Vicent cree que tanto el libro como el lector gozarán todavía de larga vida, aunque solo sean unos pocos los que se atrevan a dejarse llevar por las magníficas historias que se hallan en cada relato.

El de la Vilavella no dudó en animar a los 500 jóvenes presentes en el Teatre Principal a que dejen volar su imaginación y, por supuesto, a que lean. ¿Por qué? Pues para llegar a ser una persona culta, ya que “este país se ha permitido el lujo durante mucho tiempo de tirar cerebros por la borda”. Debo decir que escuchar a Manuel Vicent embriaga por su convicción del poder que tiene la palabra hablada y escrita. Las letras son una parte esencial del ser humano y no podemos permitirnos el lujo de perderlas.

Territorios que se intuyen. Una reflexión sobre el proyecto ‘Camouflages’, de Laura Vallés

2011-05-23T15:18:00.001+02:00

Dos de las imágenes que componen el proyecto 'Camouflages', de Laura Vallés

El ser humano siempre ha sentido la necesidad de adentrarse en territorios inhóspitos. Ese afán aventurero por descubrir paraísos perdidos es una característica innata. Probablemente, el hecho de que seamos inquietos sea la razón más plausible para explicar estas y otras cuestiones. Bien es cierto que cuando nos topamos con algo desconocido, queremos, casi de inmediato, ahondar en ello. Curiosidad lo llaman; una de las mejores --aunque a veces, más peligrosas-- facetas de que disponemos. Por otro lado, ese carácter explorador puede ser excesivo si penetramos con demasiado ahínco en aquello que buscamos. En este sentido, si centráramos nuestra búsqueda en lo personal, estaríamos traspasando la línea de la privacidad, abusaríamos de la intimidad. No es extraño, pues, que exista aquello que denominan “camuflaje”. A través del camuflaje podemos despistar al ojo desorbitadamente curioso y logramos crear un ambiente hermético para no dejar que nada ni nadie invada nuestro hogar.

Extrapolando todo esto al ámbito de la arquitectura, descubrimos que muchos edificios se esconden gracias a las enredaderas o la agreste vegetación de sus alrededores. Las fachadas que anteriormente se nos antojaban perfectamente visibles, ocultan su rostro bajo una maraña verde. En la ciudad norteamericana de Chicago existen muchos de esos edificios ocultos; rincones perdidos y territorios que se intuyen.

Laura Vallés ha logrado fijar su objetivo en algunos de esos parajes que --ya sea por una mera cuestión estética o por la dejadez de sus propietarios-- no muestran toda su faz. La cámara fotográfica hace de exploradora de aquellas realidades que se nos escapan para dejarnos contemplar una belleza casi desconocida. Diríamos, sin ningún miedo, que Vallés nos ofrece la posibilidad de disfrutar, de un modo completamente distinto al que estamos acostumbrados, de una ciudad. Asimismo, nos hace tener constancia de la importancia de la naturaleza y su integración en la ciudad. En cada una de las instantáneas que comprenden el proyecto Camouflages apreciamos que la arquitectura --ese hecho artificial que el ser humano ha construido-- queda relegada a un segundo plano, siendo el espacio verde el que impera. En este sentido, podemos hablar de una especie de reflexión sobre la propia ecología y la importancia que adquiere ésta en nuestro cada vez más contaminado mundo. La artista redescubre Lincoln Park para nosotros y nos permite vivir una mística aventura a través de los rebeldes, y majestuosos a la vez, recovecos vegetales.

¿Cueces o enriqueces?

2011-05-22T11:12:00.000+02:00

No suelo ser muy dado a los listados y enumeraciones. Normalmente, hacer uso de estos recursos literarios sirve como relleno. Sin embargo, voy a permitirme una pequeña licencia porque creo, de forma sincera, vale la pena: Antoni Clavé, Manuel Millares, Manuel H. Mompó, Antonio Saura, Antoni Tàpies, Juan Barjola, Francisco Bores, Pancho Cossío, Álvaro Delgado, Pedro Figari, Tsuguharo Foujita, Henry Goetz, Eugenio Granell, Oswaldo Guayasamin, Hayden, Celso Lagar, Nicolás Martínez Ortiz, Ginés Parra, Joaquín Peinado, Orlando Pelayo, Jacinto Salvado, Cristóbal Toral, Daniel Vazquez Díaz y Rafael Zabaleta. ¿Qué tienen en común estos nombres? Además de ser algunos de los grandes pintores del siglo XX, todos ellos poblarán las paredes del Museu d’Art Contemporani de Vilafamés Vicente Aguilera Cerni con algunas de sus obras. No sé con exactitud cuándo lo harán, pero sí sé el porqué.

La galería valenciana Valle Ortí ha cedido por un periodo de diez años parte de su colección privada. La prestigiosa sala, que cuenta con una amplia trayectoria, hacía ya tiempo que tenía en mente exponer algunas de sus obras. Imagino, porque estoy solo lo puedo intuir, que vieron en el Museu de Vilafamés el lugar idóneo para hacerlo, puesto que es el centro pionero de arte contemporáneo de España y porque los artistas pertenecen a las vanguardias de los años en que se alzó el Aguilera Cerni. La complicidad no podía ser más idónea.

El director del Museu d’Art Contemporani de Vilafamés, José Garnería, comentó que “la familia Valle Ortí quería dar a conocer a la gente estas piezas y pensaron en nosotros”. Un hecho que enriquece, aún más si cabe, la importancia del centro castellonense a nivel nacional. Además, y no es por alardear, ningún museo de la Comunitat Valenciana tiene en su fondo obra de los autores antes mencionados. Por tanto, ni que decir tiene que el Aguilera Cerni es, probablemente, en la actualidad, uno de los mejores.

CENTRO ÚNICO

Las piezas que se podrán ver son muy importantes y, poder disfrutar de obras de Antonio Saura, Tàpies o Guayasamin, no tiene precio. En este sentido, insisto una vez más en la riqueza cultural que poseemos. La provincia de Castellón tiene en su haber uno de los centros de arte contemporáneo más importantes de España y de toda Europa, como es el EACC. Asimismo, tiene el premio internacional de arte contemporáneo más relevante --económicamente hablando-- que existe, el 5X5 Premi de la Diputació de Castelló. Y por último, inauguró el primer espacio dedicado exclusivamente a este tipo de arte, como fue hace ya más de 40 años el Museu de Vilafamés que, ahora, con la cesión de la familia Valle Ortí, contará con 26 obras excelentes de artistas que forman parte del patrimonio cultural de nuestra historia y sin los que no se podrían llegar a entender muchas de las actuales manifestaciones. Vilafamés, siempre logra sorprendernos.