Humanismo, Crítica y...Café solo?

"Álbum del mes: COOL STRUTTIN' " NOVIEMBRE'09

2009-11-13T00:06:00.004+01:00

Este mes de noviembre viene marcado por uno de los trabajos que personifican el esplendor de la casa Blue Note a finales de los años 50 de nuestro pasado y querido siglo XX. Hablamos del Cool Struttin' del pianista Sonny Clark. Este clásico posee uno de los huecos más importantes de la historia del jazz por derecho propio. Probablemente, tal consideración se deba al espectacular conjunto que acompañó a Clark en esta aventura de 1958: Art Farmer, Jackie McLean, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Toques blues con marcado carácter de la época cool del jazz que nos dibujan una agradable sensación en el rostro. Este álbum del mes irradia por los cuatro costados momentos estelares que deparan melodías intrincadas como Blue minor o la increíble y, porqué no decirlo, electrizante composición que abre el disco y que también da nombre a este trabajo discográfico. En definitiva, este es un disco esencial para los conocedores del período clásico hard-bop, una época que sigue inspirando futuras generaciones. Como cabía esperar, fue grabado en los estudios Van Gelder hace ya 51 años. Su contemporaneidad es impresionante. El trabajo de Sonny Clark en el piano, McLean al saxofón, Art Farmer en la trompeta, Paul Chambers al contrabajo y el tempo de los platillos de la batería de Philly Joe Jones, bien valen una misa. Lástima que Sonny Clark se fuera tan pronto de este mundo. Influido por el maestro Bud Powell, Clark engrosa la lista de extraordinarios músicos muertos en el cenit de su carrera y cuando aun tenían por delante una extraordinaria trayectoria. Poseía ese estilo rapidísimo y frenético que con un continuo despliegue de notas, enlazaban en acordes, y resonancias originalísimas. Una sobredosis de heróina se lo llevó con 31 años. Siempre nos quedará su música.

Un trío de mosqueteros nos dejó (columna de prensa)

2009-11-09T10:05:00.000+01:00

Francisco Ayala

Dos cabezas pensantes dejaron de hacerlo esta última semana. Dos nombres ilustres del humanismo. Dos plumas inquietas que corretearon sin cesar y que nos regalaron páginas repletas de pasajes sabios. Sin embargo, estas dos almas literatas no viajan solas. Un cómico, actor con mayúsculas, les acompañará en el camino hacia un mundo en el que otras mentes privilegiadas, a las que envidio profundamente --envidia sana-- por su heroicidad, ya les esperan con más historias que contar, interpretar o estudiar: Francisco Ayala, Claude Lévi-Strauss y José Luis López Vázquez. Tres personajes que, en principio, no tienen nada en común pero que conforman un trío de mosqueteros que ha logrado, a lo largo de sus diferentes trayectorias, algo que el ser humano necesita de forma imperiosa --aunque no se le dé la importancia que requiere--, como es la creación y el fomento por el conocimiento, sea este literario, socio-antropológico o interpretativo. Seres que bien podrían ser de otro planeta por su dedicación, a la que aspiro llegar algún día. Esta semana leía una de esas ingeniosas frases del ensayista y escritor granadino: “Soy un cómico que lleva años esperando a que se baje el telón, pero no termina de bajarse”. Maestro Ayala, el telón finalmente bajó y debo decirle que ha cosechado usted los aplausos más emotivos y sinceros de un público entregado. Sus obras, al igual que los estudios de Lévi-Strauss, o la filmografía de López Vázquez, ya forman parte de nuestro patrimonio. Y como no podía ser de otro modo, me uno al resto de medios, entidades y demás personalidades del mundo de las letras para rendir un pequeño homenaje al último representante de la Generación del 27, a uno de los padres de la antropología moderna y a un actor de actores. Mil gracias.

Una cena con don Alfredo

2009-11-06T10:44:00.001+01:00

Sabía, por algunas entrevistas y lecturas, que Alfredo Bryce Echenique posee un preciado don: el buen humor. Comprobar que esto era cierto, ‘in situ’, fue una experiencia de esas que no se olvidan fácilmente, al menos, durante un tiempo. Compartí mesa con este escritor de exquisita ironía. Bueno, más bien, babeé al lado de una de las plumas más inteligentes, narrador con mayúsculas, de la literatura latinoamericana, creador de obras como Un mundo para Julius, La vida exagerada de Martín Romaña o No me esperen en abril. Cada comentario de don Alfredo era una pequeña joya. Hablamos de su Lima natal; de su llegada a un Madrid en la década de los 60 del siglo XX y en la que, según él, todos se llamaban “Paco”; de la actual situación política peruana; de sus amistades con otros ilustres como Carlos Bousoño; de su amada estancia parisina… Hablamos de todo y nada. Y es que tuve el privilegio de ver a un Bryce Echenique más cercano, sin el traje de conferenciante y/o profesor. Tuve el honor de escuchar fragmentos de una vida repleta de palabras que han creado y crean historias singulares que hacen las delicias de numerosos lectores. Y doy las gracias a Charo Gutiérrez --de la asociación Amics de la Natura y responsable de la presencia del autor peruano en Castellón-- por este premio en forma de invitación a una cena que, aún hoy estoy procesando, ya que un simple y cobarde mortal como yo nunca ha creído estar a la altura en tales situaciones. Pero lo estuve, o eso creo.

Estreché la mano de don Alfredo y le di las gracias por una velada en la que pude ver el otro lado del escritor. Un honor para un soñador como yo.

«Mi humor no es un dardo envenenado sino una forma de observar el mundo»

No hay otoño feliz sin la Tardor Cultural (artículo de prensa)

2009-11-01T09:17:00.013+01:00

El sentimiento venció a la razón en la Tardor Cultural de Vilafamés. Ese era el objetivo deseado, tanto por la organización como por los melómanos que se dejaron llevar por la musicalidad de Johann Sebastian Bach y los tres conciertazos que se llevaron a cabo en el Museu d’Art Contemporani Vicente Aguilera Cerní. Luc Beauséjour, María Espada y David Sagastume --y los acompañantes de estos dos últimos-- lo dieron absolutamente todo en esta cita europea con la música antigua y barroca. Quizá, el espíritu de María Martínez Belaire, la cabeza visible del festival castellonense, tenga una gran parte de culpa en esto. Y digo esto porque el esfuerzo desarrollado durante el año para conformar una programación de primer nivel, como lo fue esta edición, es algo que merece una tremenda consideración.

Para muchos castellonenses --y no castellonenses también-- la temporada otoñal no sería lo mismo sin la Tardor Cultural. Yo mismo espero con ansias, como si de un niño pequeño en épocas navideñas se tratara, la publicación de ese cartel que nos hará disfrutar un año más de la mejor música antigua y barroca. Y es que los ingredientes para tal receta son básicos, a saber: cariño, calidad y un ambiente familiar que hace de este certamen algo singular, fuera de lo estrictamente comercial --y esperemos que esto siga así--.

Hace ya varios años que soy asiduo, como tantos otros --las caras de los fieles son ya conocidas--, a esta cita con la cultura del más alto rango y, como en cada ocasión, debo decir que ha sido un éxito, tanto por el número de personas que asistieron a las tres actuaciones programadas, como por lo demostrado por los artistas.

cantatas y clave

El último de los conciertos estuvo protagonizado por dos vitorianos que tienen mucho que decir en esto de la música: el contratenor David Sagastume, y el clavecinista Daniel Oyarzábal. Ambos interpretaron una serie de arias de cantatas de Bach con una delicadeza y una profesionalidad fuera de lo común. Y es que, como muchos saben, la combinación “bachiana” de cantata y clavecímbalo es una de las más conocidas en la historia de nuestra música. Hay que hacer memoria para trasladarnos al siglo XVIII y ver cómo a partir de 1723 se le encargó a Johann Sebastian Bach la cantoría de Santo Tomás. El compositor se propuso en aquel momento la ambiciosa tarea de componer una cantata para cada domingo y día festivo, a excepción del tiempo de Adviento y Cuaresma. De esa infinidad de Cantatas han llegado hasta nosotros más de 200.

Daniel Oyarzábal ya avanzó en la programación del festival que, “las piezas que vamos a interpretar son una selección de arias y algún recitativo de estas Cantatas. Algunas de ellas son arias para alto y bajo continuo y otras están compuestas para alto e instrumentos solistas”.Obviamente las arias que pudimos disfrutar no permitieron ver en toda su dimensión lo que son y significan las Cantatas, ya que escucharemos solo una parte de cada una de ellas. Aún con todo, la belleza y factura de la pequeña selección que nos ofrecieron Sagastume y el propio Oyarzábal nos sirvió para imaginar porqué las Cantatas ocupan un puesto de privilegio en la historia de la música occidental.

certamen internacional

Como decíamos al principio, y como me corroboró la misma Martínez Belaire en persona, cada uno de los conciertos de esta edición de la Tardor se quería abordar desde una interpretación más personal por parte de los músicos. Este hecho, que a simple vista puede no tener importancia, es de un gran valor, ya que la hermenéutica, ese arte de traducir o interpretar, me parece un apartado muy interesante a tratar. Me explicaré. Como en tantos otros aspectos de la vida cotidiana, existe una dicotomía establecida a la hora de interpretar una pieza musical: la que se ciñe estrictamente a la partitura; y la que personaliza la forma de entender esa partitura. En este sentido, en la Tardor Cultural pudimos ser testigos de lo segundo. Luc Beauséjour, María Espada y David Sagastume ofrecieron interpretaciones mucho más íntimas, no tan rígidas, y con una delicadeza exquisita. Quizá fuera arriesgado, pero el público vibró con cada uno de ellos. Es por eso que nos rendimos ante este festival del que no hay que dudar, en ningún momento, de la calidad que posee.

Ser uno de los certámenes que se engloban en la REMA (Réseau Européen de Musique Ancienne), no es casualidad, sino fruto del excelente trabajo que se está llevando a cabo a lo largo de estos años. Esperemos que esto vaya a más.

El arte conceptual de Lawrence Weiner (artículo de prensa)

2009-10-20T09:00:00.011+02:00

Heidegger llegó a la determinación de calificar al arte bajo el apelativo de “enigma”. Como sabemos, los enigmas son un conjunto de palabras o de hechos que difícilmente pueden entenderse o interpretarse. Quizá esta sea una de las características que definan gran parte de la estética contemporánea. Los creadores del siglo XX transformaron por completo el concepto que se tenía hasta la fecha de “obra” y “artista”. Las vanguardias provocaron una ruptura que aún hoy sigue vigente. Tal y como refleja Arthur Danto en su artículo ‘El final del arte’, “hoy en día, nuestra concepción del progreso artístico va más allá de la pintura y refleja la expansión de nuestros poderes de representación, fruto de la invención de la imagen cinematográfica. Hace ya tiempo que los artistas desarrollaron técnicas para plasmar las cosas en movimiento”. Una de esas nuevas formas de expresión vino personificada en el llamado ‘Conceptual art’. Surgido a finales de los años 60 y principios de los 70, la idea principal que subyace este género artístico –si podemos llamarlo así-- es que la “verdadera” obra de arte no es el objeto físico producido por el artista sino que consiste en “conceptos” e “ideas”. No cabe duda de que el ‘arte conceptual’ tiene un fuerte componente heredado de los famosos “ready made” de Marcel Duchamp.

ARTE CONCEPTUAL

En el arte conceptual la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra y el mismo proceso --notas, bocetos, maquetas, diálogos-- al tener a menudo más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no solo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: ‘body art’, ‘land art’, ‘process art’, ‘performance art’, ‘arte povera’... Entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, el grupo inglés Art and Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets, Richard Long o el neoyorquino Lawrence Weiner quien expondrá en el EACC.

Las condiciones de la obra de arte han sido la base de la propuesta de Weiner desde 1967, usando el lenguaje como un objeto material. Aunque sus obras puedan mostrar cierta apariencia poética, se trata de todo lo contrario; no es con lo intraducible, lo no expresable, con lo que se encara, sino más bien con la necesidad de traducción, y por ende con la problemática de la interpretación. Weiner maneja el lenguaje de manera constructivista y no hermenéutica; no distingue entre substantivos o verbos, entre objetos y acciones. En sus proposiciones no se indica un sentido determinado:

“El arte que para su apreciación impone al receptor condiciones (...) constituye en mi opinión una estética fascista. Mi arte nunca da direcciones”, señala Weiner. Podemos decir que crear arte con palabras --arte y no literatura-- es lo que Lawrence Weiner se propuso hace ya más de treinta años y ha venido haciendo desde entonces. Como los otros tres fundadores del arte conceptual en Norteamérica (Joseph Kosuth, Robert Barry y Douglas Huebler), Weiner descubrió que podía prescindir de la ejecución material de la obra de arte y limitarse a exponer su proyecto, su idea. De este modo, abandonó la pintura, la escultura y la performance para presentar al público las descripciones verbales de piezas ya realizadas o simplemente concebidas.

Según el programa original de Weiner, el lenguaje presenta los materiales, objetos y situaciones de modo que el espectador pueda recrearlos imaginariamente. Así la obra de arte alcanzaría una existencia mental pura. Al inscribir sus textos en mayúsculas sobre las paredes (con plantillas o Letraset), Weiner juega con el alfabeto, el cuerpo, el color de las letras y otros recursos del diseño tipográfico.

En las últimas cuatro décadas Weiner ha realizado obras y exposiciones con textos pintados o vinileados directamente sobre la pared, suelos o fachadas de edificios; en carteles y libros que él mismo diseña. De este modo, el arte de Weiner no existe solamente como lenguaje, ni se limita a ser escrito sobre un soporte, sino que incorpora la vaguedad de significado que puede existir en lo hablado o en lo traducido. Colocando su obra en diferentes contextos claramente accesibles democratiza su propuesta voluntariamente.

PROYECTO DEL EACC

Respondiendo a la invitación del Espai d’Art Contemporani de castelló, Lawrence Weiner propone el proyecto Bajo el sol en dos versiones: un trabajo concebido para el espacio público y una exposición en la que despliega sus conceptos en la sala del EACC.

La obra pública hace referencia a cuestiones como ¿Qué constituye una escultura pública?, ¿Quién y dónde está ese público? Weiner reitera estas preguntas con este proyecto que se llevará a cabo en tres lenguas: valenciano, castellano e inglés. Así, ‘Bajo el sol’ funciona en dos contextos discursivos, cada uno aludiendo a diferentes espacios y modos de encuentro o espacios de recepción.

La exposición de Weiner une estos dos niveles, el relacionado con el lenguaje como una presentación necesaria y efímera como punto de partida de la obra pública y el otro como una inscripción permanente de la obra pública en sí misma. Ambos son diferentes pero al mismo tiempo indisociables ya que comparten la misma poética. Representan las figuras del mismo movimiento, el giro de muñeca que hace que la cometa vuele en el cielo y la conduce a matar al toro cuando está cayendo. ‘Bajo el sol’ nos recuerda claramente al mundo taurino pero también la delicadeza y elegancia de una ola que toma forma en el espacio como su propio territorio. Podemos decir que Weiner logra un proyecto que es una invitación a caminar, jugar o simplemente ejercitar la mente de uno mismo. Una apuesta importante realizada desde y para el EACC y que seguro logrará interesar al público castellonense durante su exhibición.

La polémica realidad que nos rodea (columna de prensa)

2009-10-19T10:09:00.001+02:00

Inmersos en polémicas “gürterlianas”, cuestionadas concesiones de premios Nobel y demás quehaceres de la duda, uno se queda atónito al comprobar la poca claridad que existe en nuestra realidad. Ocultar, mentir, callar... son signos que, por desgracia, caracterizan a la sociedad de hoy. ¿Por qué? Responder quizá sea un suicidio laboral e intelectual. ¿Y qué hacer ante tantas tramas y corruptelas? Intentar no formar parte de ellas y dirigir nuestros esfuerzos hacia algo más valioso como el fomento por la buena educación, la divulgación e investigación o la apuesta por aquello que llamamos “cultura”. No me parece descabellado trabajar para crear proyectos que potencien estas inquietudes que creo más interesantes para el crecimiento del ser humano. La pregunta que deberíamos hacernos es quién está dispuesto a llevar a cabo tal empresa. En un mundo en el que lo económico es la base de todo, parece difícil que alguien --en su sano juicio-- se atreva a ello. Sin embargo, siempre existen rebeldes --en esta ocasión con causa-- que se comprometen en su totalidad para crear espacios en los que descubrir esa actitud renacentista que tanto me agrada. Ejemplos en Castellón no nos faltan. La semana pasada ya comentamos la labor de Mariano Poyatos y Rosalía Torrent con la publicación de la revista ‘CBN’; el EACC sigue apostando por acercarnos las tendencias y conceptos que han confeccionado el arte actual; la asociación Amics de la Natura programa cada año conferencias con importantes nombres de las letras; los ciclos y exposiciones del Edificio Hucha; los conciertos del Auditori y el Palau de Peñíscola... Se cuentan por decenas los rincones en los que poder refugiarse para evitar las malas artes de la corrupción. Recuerden aquello de que “el saber no ocupa lugar” y no se estanquen.

"Álbum del mes: INVISIBLE CINEMA" OCTUBRE'09

2009-10-13T23:42:00.003+02:00

Aaron Parks. Quedaros con ese nombre porque promete, y mucho. Invisible Cinema es el debut discográfico de este joven pianista norteamericano que ya se ha ganado un lugar entre los grandes del panorama actual tras haber formado parte durante cinco años del grupo del trompetista Terence Blanchard --para aquellos que no lo sepan autor de las bandas sonoras de los filmes de Spike Lee-- o el guitarrista Kurt Rosenwinkel, entre otros. Lejos de hacer un disco convencional, Invisible cinema es un disco que mira hacia el horizonte y que ofrece un jazz novedoso que mezcla varios estilos como el pop o el rock progresivo ofreciendo así música muy contemporánea y actual que se agradece. ¿Y qué más nos depara este álbum del mes? Pues el conjunto que acompaña a Parks en el disco, para empezar. Eric Hardland, uno de los baterías más interesantes del momento, integrante del grupo de Charles Lloyd y también colaborador en algún que otro trabajo de Joshua Redman; Matt Penman al bajo y Mike Moreno a la guitarra --todo un descubrimiento este chico, muy parecido a Rosenwinkel--. En definitiva, Aaron Parks ha logrado un trabajo muy bien conjuntado que depara más de una sorpresa como el majestuoso Peaceful warrior que nos ofrece en la segunda pista y que os dejo en este vídeo. Una nueva perla para nuestra discoteca particular. Recuerden, Aaron Parks.

Hecho desde y para el arte contemporáneo (artículo de prensa)

2009-10-13T15:02:00.011+02:00

En su momento ya auguramos que ‘CBN’ se convertiría en una gran revista hecha desde y para el arte contemporáneo, y con un futuro más que prometedor. De eso hace ya poco más de un año. Cuando Mariano Poyatos y Rosalía Torrent presentaron este proyecto a la sociedad castellonense creo que se abrieron las puertas hacia una de las publicaciones que pueden marcar un paso importante en el camino hacia la excelencia de la investigación artística. Según parece, así va a ser. Y es que con la presentación del número uno --recordemos que el anterior fue el número cero-- en la biblioteca del Espai d’Art Contemporani de Castelló se constata que ambas mentes (la de Mariano y Rosalía) han acertado con esta pequeña gran fuente de saber estético. No cesaré en mi empeño de recordar aquello de que el saber no ocupa lugar. Así pues, CBN nos permite aprender esas otras curiosidades que suele brindar el pensamiento intelectual.
   Si en la primera edición encontramos textos sobre arquitectura y diseño, un monográfico sobre Pepe Beas --otro que también tiene culpa en esta perla llamada ‘CBN’--, el revisionismo de los carteles que inundaron París en mayo de 1968 o temas referentes a la música como expresionismo artístico, en la publicación de 2009 el viaje comienza por La Biennale di Venezia y su 53 Esposizione Internazionale d’Arte. El encargado de adentrarnos en una de las mayores muestras del arte contemporáneo, junto a la documenta de Kassel, es el profesor de la Universitat Jaume I, Joan Manuel Marín. Bajo el título ‘Hacer arte y rehacer el mundo en Venecia’, Marín realiza una breve introducción sobre el origen de La Biennale para, a continuación, recrear parte de su periplo y sensaciones vividas en esta 53ª edición, que ha galardonado con el León de Oro a la mejor participación nacional a los Estados Unidos por su exposición “casi retrospectiva” --como señala Marín-- de Bruce Nauman, uno de los mayores artistas conceptuales que existen. El recorrido realizado por Joan Manuel Marín resulta más que interesante ya que ofrece una mirada profesional muy acertada.
   El centenario del movimiento futurista, creado por Filippo Tommaso Marinetti, ocupa las páginas del segundo capítulo escrito por Rosalía Torrent, también profesora de la UJI, además de la directora de la revista. Tal y como hiciéramos en otra ocasión, aunque de una forma mucho más profunda y detallada, Rosalía explica el surgimiento de este movimiento vanguardista de principios del siglo XX y nos descubre otras figuras menos conocidas de esta corriente artística como fueron Valentine Saint-Point o Antonio Sant’Elia, entre otros.
   El resto de capítulos resultan igual de excelentes. Así, podemos descubrir qué es exactamente el ‘Stencil art’, un arte callejero que sirve para “exponer críticas o difundir la particular visión que tienen estos artistas del mundo actual”, tal y como nos dice el autor de este artículo, Danilo Guerrero. Por su parte, la mexicana Alma Reza habla de un colectivo formado por nueve escritoras unidas por el talento creativo y un megáfono. ‘Las poetas del megáfono’, como así se denominan, son: Anaïs Abreu, Haydée Ramos Cadena, Diana Reza, Marina Ruiz Rodríguez, Ximena de Tavira (todas ellas de México), Eva Cabo (España), Nicole Cecilia Delgado (Puerto Rico), Lauri García Dueñas (El Salvador) y María Tabares (Colombia).
   Otro de los apartados de CBN se encarga de mostrar un retrato personal del reconocido artista madrileño Fernando Bellver. Este retrato “fragmentario”, según indica la autora Dora Sales –también profesora de la Universitat Jaume I--, acerca al lector a una figura que se caracteriza por su estética postmoderna, que mezcla estilos. A través de las obras de Bellver descubrimos sus viajes que denotan un marcado carácter narrativo gracias a su puesta en escena. Tal y como Sales comenta, “Bellver crea desde la hibridez, los espacios de frontera, que son siempre escenarios estratégicos. Se nutre de sus viajes, de su apertura sin rodeos ni límites a diferentes estilos y técnicas, formas clásicas, formas modernas, objetos cotidianos, espacios diversos…".
   La fotógrafa Carmen Ochoa Bravo es la autora del capítulo dedicado a Angiola Bonanni y que narra su estancia en Berlín y el trabajo realizado en la capital alemana. La obra de Bonanni muestra diversos rincones de la ciudad del oso, llevándonos a una profunda reflexión ya que su mirada, “nueva y lejana”, puede tratar con distancia suficiente la realidad existente en Alemania con una enorme carga política y simbólica.
   Bajo el título ‘Corpus delicti: discursos artísticos en torno al cuerpo, la sexualidad, la violencia, la enfermedad y la muerte’, la comisaria de exposiciones temporales del MNAC (Museu Nacional d’Art de Catalunya) Silvia Tena, trata desde varios puntos de vista cómo algunas voces del arte contemporáneo actual español utilizan su propio cuerpo como plataforma artística, al estilo del ‘body-art’ o el ‘accionismo vienés’. En este artículo Tena habla de personalidades conocidas ya por nosotros como Mariano Poyatos, Pepe Beas o Rosana Zaera, entre otros. Finalmente, Lidón Sancho Ribés, de la Universitat de València, dedica su artículo al “mensaje inquietante” de Julia Galán, y el investigador cinematográfico Manolo Dos ofrece un capítulo sobre todo lo que rodea a los espectadores del mundo del cine como son los formatos, las fuentes de información, las vías de comunicación...
   Insisto, y no quiero parecer pesado, en la idea de que con esta revista existe un antes y un después en el arte contemporáneo e investigaciones estéticas. Mariano y Rosalía, mil gracias por este preciado regalo.

Las pelis de mi vida: "Una noche en la ópera"

2009-10-02T15:29:00.002+02:00

Que en 1935 los inigualables Hermanos Marx crearán esta obra maestra es algo asombroso. Su humor es para mí, a día de hoy, difícil de superar. Los suspicaces e irónicos diálogos son una delicia para los amantes de lo absurdo, entre los que me incluyo a ultranza. Groucho, Harpo y Chico, aunque mucha gente no lo sabe, eran auténticos genios que lograron crear un lenguaje propio dentro del mundo cinematográfico. Para un servidor, esta genialidad solo ha sido igualada por mi predilecto Woody Allen y los soberbios Monty Python. Podría decir, pues, que estos tres elementos conforman mi pirámide del humor. Y, como es obvio, los padres de todo esto son los Marx. ¿Cómo olvidar frases tan deliciosas como: "Es usted la mujer más bella que he visto en mi vida... lo cual no dice mucho en mi favor"; o: "Estaba con esa mujer porque me recuerda a tí ... sus ojos, su cara, su risa... De hecho, me recuerda a tí más que tú"? Magistral. Los adoro. Les dejo con el episodio más famoso del filme: El camarote de los Hermanos Marx.

Poesía y otros menesteres con Jaime Siles

2009-09-29T00:43:00.003+02:00

Sin

Sin signos.
Sin idioma.
Sin final.
Tal cual a ti
en ti
nada te cambia.
Lo anterior a tu voz,
eso es el mundo.

De "Biografía sola" 1971

Soy un ser afortunado. No es que quiera parecer un presuntuoso, ni mucho menos. Pero tengo suerte. Digamos que la vida me sonríe. Bueno, más que sonreír, me mima. Y porqué digo esto. Digo esto, y diré más, porque mi trabajo me ha permitido compartir mesa, cena y tertulia junto al poeta Jaime Siles. Amigo de Vicente Aleixandre, Alberti y otras grandes mentes de nuestras letras, ha sido un lujo estar con él. Repito, soy afortunado. Y como dije, digo más, puesto que escuchar a tan célebre autor y poder vivir en la propia carne esa experiencia majestuosa de intercambiar opiniones y discernir sobre temas de aquí y allá, no tiene precio --parafraseando al anuncio de la caja tonta--. Jaime Siles es, ante todo y lo que es más importante, un investigador de la lengua. De joven encontró en la filología clásica un rincón donde saciar su incipiente curiosidad intelectual. Más tarde, la tradición germánica completaría, aunque no totalmente, su formación. Revolucionario de la poesía cuando hubo de serlo, siempre ha mantenido una pugna interior por encontrar en cada momento de su periplo vital una forma de expresión poética acorde con su pensamiento. Y lo ha logrado siempre, aunque en algunos de sus poemas, como dice el mismo, no consiguiera el efecto deseado. Gran conversador, sabio de los que se extinguen poco a poco, Siles defiende con uñas y dientes la buena educación para lograr metas mayores en la vida intelectual y, por ende, humana. Y es que, por desgracia, el mundo educativo va de mal en peor, pese a que algunos ciegos, sordos y mudos, nos quieran vender lo contrario. Prima la ley del mínimo esfuerzo y eso nos hace débiles, cobardes, “masa” como diría Ortega y Gasset. Las altas esferas pueden mover sus hilos fácilmente y controlarnos a su antojo. Hay que volver sobre nuestros pasos para analizar la situación y reconducirla hacia un puerto más seguro. Para ello, creo sinceramente necesaria la recuperación de la crítica, la verdadera opinión pública y, porqué no decirlo, la valentía para enfrentarnos a esta injusticia que nos está transformando en auténticos mansos que se contentan con “pan y toros”.
Hablar con Jaime Siles me ha demostrado que sé muy poco. Sin embargo, también me ha servido para darme cuenta de que debo seguir luchando para no ceder. La literatura es, en este sentido, un aliado perfecto para alcanzar esta meta. Asimismo, el arte, el teatro, la danza, la música… Todas ellas son fuente imprescindible de la que hay que beber y beber a borbotones sin temor a atragantarnos. Tengo hambre de más y más cultura. ¿Alguien quiere un trozo?

Esa América nuestra, de todos (columna de prensa)

2009-09-28T09:46:00.006+02:00

Esta semana quiero hacerles partícipes de una preocupación que vino a mí a través de una lectura, más que interesante, que encontré en una revista literaria sobre la diminuta autobiografía de un poeta mexicano llamado Julián Herbert. Tuve la suerte de conocer a este autor de Acapulco hace un par de años durante la presentación de su obra ‘Cocaína (manual de usuario)’. Herbert se caracteriza por ser una de las nuevas voces de la poesía mexicana, y lo cierto es que demuestra una valentía inusitada. En esa, digámosle, confesión propia, Herbert ofrece una visión dura de su infancia, en la que tuvo que deambular de ciudad en ciudad con su madre y vivir alguna experiencia trágica cercana al mundo de lo mortuorio. Y es que en algunos lugares de México, los disparos vuelan con libertad, algo que realmente asusta. Aunque no solo en la patria de Zapata suceden estas cosas. Durante mis estudios universitarios me adentré muchísimo en el mundo latinoamericano. América era para mí un mundo fascinante en el que poder sumergirse para ir descubriendo, poco a poco, los entresijos que forjaron esta rica tierra. El sufrimiento es algo que, por desgracia, caracteriza a esta zona del planeta. Sufrimiento, resistencia, revolución, imaginación, creatividad... Son pueblos luchadores por su libertad que padecen corruptelas y “malas” políticas. Sin embargo, nos dieron a Borges, Cortázar, Cabrera Infante, García Márquez, Vargas Llosa, Pitol, Fuentes, Rulfo, Octavio Paz, Piglia, Villoro, Carpentier, Skármeta, Volpi, Enrigue, Soler... Algo admirable que incluso puede resultar paradójico. Este hecho demuestra el gran poder que el mundo latinoamericano posee: el poder de la palabra. Debo mucho a algunos de estos nombres ilustres. Son para mí una fuente inagotable de conocimiento.

El irlandés geométrico

2009-09-20T20:39:00.003+02:00

El destino me ha deparado una grata sorpresa en el día de hoy. Tranquilos que no he ganado la bonoloto ni he acertado la quiniela, ya quisierais vosotros verme desaparecer. Ja, ja, ja. Pero no, aquí sigo y seguiré el tiempo que pueda o me dejen. A lo que iba. Por causas que todavía desconozco me he topado con uno de esos autores que logran crear un lenguaje propio a base del concienzudo estudio de la pintura. Abstracción geométrica, minimal, conceptual… Así es el arte del irlandés Sean Scully, del que nada sabía hasta ahora y del que prometo indagaré a fondo. No me digan porqué, pero su estructura formal creada a base de rectángulos, cuadrados y líneas minuciosamente pintadas en todas las direcciones posibles, además del color --que emplea de forma exquisita, a mi parecer-- y las texturas, hace de su obra algo atractivo para el ojo humano. Existe una dimensión plástica que me agrada muchísimo y de la que creo puede entreverse una búsqueda por el orden y la emoción bastante interesante. Sé que el lenguaje abstracto es difícil de definir, así que no pretendo parlotear como un experto, ya que disto mucho de serlo. Sin embargo, sí que diré que sus lienzos me parecen muy accesibles para el espectador. Y es que las pinturas de Sean Scully poseen, en cierto modo, una sencillez que se agradece --ya nos complicamos la vida suficiente--. En definitiva, creo que la obra de este irlandés vale la pena ser vista y comentada. Yo, por mi parte, seguiré ahondando más en su figura.

El majestuoso lirismo de Bill Brandt

2009-09-18T12:53:00.003+02:00

"Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultadas receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez"

East Sussex, 1957. Bill Brandt

La primera vez que descubrí las instantáneas de Bill Brandt, quedé hipnotizado por su sensibilidad e intuición para captar escenas líricas que nos resultan en cierto modo nostálgicas. A base de sombras, enfoques imposibles y paisajes surgidos de la mente humana, los matices de la fotografía de Brandt me impresionaron. Brandt, que revela el mismo sus pruebas, utiliza siempre papeles de extrema dureza, de modo que los blancos y los negros se entrechocan en una sinfonía deslumbrante y al final tónica. Sin ir más lejos, en la imagen que adjunto en esta reflexión situada en los exteriores marinos, los cantos rodados tienen peso, el aire huele a olor marino, e incluso se oye el fragor de los olas que se precipitan en el caracol de un enorme oído, abierto en primer plano. Sencillamente perfecto, sencillamente magistral. Así era Bill Brandt a mi modesto parecer. Como diría el escritor francés Michel Tourier: "Nadie discute que Bill Brandt sea considerado el más grande fotógrafo inglés. Pero conforme vas recorriendo su obra, te asalta una duda: ¿realmente se ha dicho todo sobre Bill Brandt? Tal vez falte por decir la ultima palabra". Estaremos a la espera de que así sea.

"Álbum del mes: COLTRANE'S SOUND" SEPTIEMBRE'09

2009-09-15T09:50:00.002+02:00

En algún momento debía aparecer en este mi "bloj" la figura de John Coltrane. Y lo hace gracias a este espectacular álbum grabado en 1960, aunque su aparición no tendría lugar hasta cuatro años más tarde. Este trabajo presenta, con perfecta claridad, la magnífica combinación del cuarteto de Coltrane, que contaba en el piano con los dedos de McCoy Tyner, a Steve Davis en el contrabajo, y al inigualable y enérgico Elvin Jones en la batería. Coltrane buscó durante toda su carrera un sonido peculiar que le hiciera poseedor de la etiqueta de auténtico jazzman. Y así fue. No cabe duda de que John Coltrane representa uno de los emblemas más importantes del jazz. Revolucionó el concepto que se tenía del jazz. Fue un creador especial que elevó al hardbop a las cotas máximas de la música jazzística. Practicó el bebop y el freejazz con una soltura magistral. Quizá, su paso por el grupo de Miles Davis --además de haber sido uno de los participanes del Kind of Blue-- le sirvió de estímulo para crear obras maestras como este Coltrane's Sound que daría paso, al firmar con el sello Atlantic Records, grabaciones como Giant Steps o el célebre A Love Supreme, una obra sublime y del que ya hablaremos en otra ocasión, ya que merece toda nuestra atención. Mientras tanto, en este álbum del mes de septiembre que os presento, tenemos piezas espectaculares como la balada The Night Has A Thousand Eyes --que abre el disco--, o Central Park West, o la fantástica Body and Soul, o... Todo el elepé merece la pena ser escuchado cuantas veces se pueda. Y es que John Coltrane fue, sin duda, alguna, una de aquellas personas que poseen un don inigualable. Lástima que un cáncer se lo llevara pronto y nos privara de más trabajos suyos. Al menos, tenemos su sonido.

Algo que todos deberíamos hacer: burlarnos de nosotros mismos

2009-09-09T23:27:00.005+02:00

Y yo el primero.

Calvin & Hobbes by Bill Watterson

La música ante todo (artículo de prensa)

2009-09-07T09:29:00.006+02:00

"De la musique avant toute chose...”, “La música ante todo”, se leía en el primer verso del poema Art poétique de Paul Verlaine. Y en cierto modo, así es. O al menos, eso creo yo. Sin la música, el ser humano vería mermada su capacidad de expresión. No podría. Desde que tengo uso de razón --y de esto puede que no tenga que remontarme mucho en el tiempo-- la música ha sido uno de los pilares fundamentales de mi existencia. La tradición familiar, debo decir, tiene gran culpa de que esto sea así. Siempre hay algún disco sonando en mi casa. No es mera coincidencia, pues, que la necesidad que tengo de escuchar alguna melodía sea tan importante. Y la culpa, además de mi familia, la tienen cómo no, los compositores. Ellos, extraordinarios maestros del ritmo, la composición y el sonido, fueron visionarios en su época. Son, haciendo un paralelismo con un pensamiento ‘sartriano’, guías que nos dirigen hacia la libertad, y por lo tanto hacia la superación de la realidad que nos rodea.
La música siempre ha servido al ser humano como medio para evadirse, viajar, llorar, amar... Cientos y cientos de composiciones se han llevado a cabo desde que el ser humano surca los mares y camina por las tierras de este mundo. La mayoría de ellas, aún están por descubrir. Otras, sin embargo, han sido conservadas o recuperadas, por la cercanía del tiempo. Un trabajo que resulta tremendamente difícil.
El siglo XX fue, sin duda alguna, el periodo en el que algunos de los actuales intérpretes de mayor prestigio, como Nikolas Harnoncourt o Jordi Savall --por poner dos ejemplos--, quisieron recuperar la esencia de las músicas antiguas y barrocas. Es por ello que dedicaron gran parte de su tiempo a la investigación.

El sello francés Naïve ha logrado crear una serie de investigaciones de excelente calidad.

Y gracias a esas horas invertidas, hoy día, podemos disfrutar de algunas de las grabaciones más espectaculares que existen. Savall, al que pude entrevistar, creó la Fundació Centre Internacional de Música Antiga (CIM) para recuperar aquellas canciones de la época renacentista y medieval de nuestra historia. Su discografía es, en la actualidad, una de las más completas. De Harnoncourt podríamos decir lo mismo. Mención especial para el sello francés Naïve, que por causas del destino, encontró recientemente un gran número de partituras de Vivaldi que, hasta la fecha, eran totalmente desconocidas, y que ahora publican cada cierto tiempo con algunos de los ‘ensembles’ más reconocidos en el mundo como el Concerto Italiano, de Rinaldo Alessandrini; Il Giardino Armonico; Europa Galante, bajo la dirección del violinista Fabio Biondi --que visitó el pasado año el Auditori de Castellón en un concierto magistral--; y muchos otros más.
Sin otro particular, me despido ya, pecando como siempre hago, de algunas confesiones sobre gustos particulares que siempre me alegra compartir con ustedes. No dejen de consumir cultura. Lo recomiendan los médicos de las artes.

El ojo del siglo XX (artículo de prensa)

2009-09-02T09:49:00.006+02:00

Fotógrafo independiente, apasionado de la pintura y el dibujo, maestro de la imagen. Henri Cartier-Bresson fue un artista único, cuyo objetivo ha logrado conmover a miles de personas en todo el mundo. “Fotografiar es una manera de vivir. Es poner la cabeza, el ojo y el corazon sobre un mismo eje”, dijo el francés. En sus instantáneas podemos ver un desfile de personajes que nos conmueve y logra que, por un momento, nos detengamos para reflexionar sobre la cotidianeidad, algo que para muchos resulta aburrido y/o sin importancia pero que esconde tras de sí una gran belleza.
“El goce de mirar, la sensibilidad, la sensualidad,la imaginacion, todo lo que llega al corazon se junta en el visor de mi camara. Ese goce existira siempre para mi”, declaró Cartier-Bresson. En el particular mundo que el francés nos ha brindado, a través de sus fotografías, tenemos la sensación de poder controlar el tiempo. Su legado fotográfico, reflejo de la intuición y de la espontaneidad --que siempre trató de plasmar el propio autor--, resulta enigmático. Y lo mejor de todo es que cada uno es libre de interpretar las imágenes como más le guste. El propio Henri Cartier-Bresson señala esta característica de su obra: “No tengo la intención de dar una interpretación de mis fotografías, de atribuirles un sentido particular, un sentido historico. Este tipo de información no me interesa”.
Henri Cartier-Bresson fue para muchos “el ojo de un siglo”. Desde principios de los años treinta, el fotógrafo exploró con lucidez a los grandes movimientos artísticos, políticos y sociales de nuestro mundo. Henri nos ofrece el retrato de un artista que siempre escogió el anonimato en la acción para captar mejor el instante.

El politólogo del choque cultural (artículo de prensa)

2009-09-01T10:11:00.007+02:00

Samuel P. Huntington visto por David Levine

“Occidente conquistó el mundo, no por la superioridad de sus ideas, valores o religión (a los que se convirtieron pocos miembros de las otras civilizaciones), sino más bien por la superioridad en la aplicación de la violencia organizada. Los occidentales a menudo olvidan este hecho; los no occidentales, nunca”, reflejaba Samuel P. Huntington en uno de tantos apartados que comprende su célebre obra El choque de las civilizaciones. Y la reconfiguración del orden mundial. En Nochebuena de 2008 murió el autor de este controvertido texto. Samuel P. Huntington ha sido uno de los pensadores más discutidos y demonizados de los últimos años. Su osadía de explicar las diferencias del mundo como resultado de aquello que él mismo definió como “choque de civilizaciones” lo convirtió en un firme candidato a la hoguera para muchos medios e intelectuales.
A lo largo de los siglos se han conformado expresiones, términos y conceptos como el de civilización, occidente, oriente, tercer mundo, primer mundo, y un larguísimo etcétera. Y hay que tener cuidado. Para un servidor es de gran importancia matizar y tener claros los términos a utilizar en estos casos, ya que muchos de ellos han sucumbido a la degradacíon pública, al insulto e, incluso, al terrorismo. Leí hace un tiempo un artículo del profesor universitario Javier Arce titulado La Atenea Negra, en la que el autor se hace eco de uno de los problemas –sino el más grave, uno de los más importantes–, que tenemos los europeos, como es el egocentrismo. Así, Arce hace latente la visión preponderante de la mayoría de los pensamientos filosóficos y culturales de Europa y ese llamado Occidente –del que habla Huntington–, que es la visión pameneidea: “El ser es uno, continuo y eterno”. ¡Doy las gracias a Nietzsche por cambiar eso! Gracias a él, un filósofo sospechoso, recuperamos otra visión más acorde, quizás, y más justa que la anterior como es la visión heraclitiana: “Todo cambia, nada permanece”. Por tanto, diversidad de perspectivas y múltiples interpretaciones. No existe una sola historia occidental.

Hay un sinfín de historias y pensamientos que indagar, que estudiar. Sin embargo, esto no supone una extinción de la ya famosa “nuestra civilización”. Es aquí, cuando viene un excéntrico y polémico Samuel P. Huntington, hablando sobre choques, posibles ataques y atentados, exterminios y demás. Algo que asustó en el momento de la publicación de esta obra cumbre del pensamiento actual.
Recuerdo los debates que suscitó en mí la lectura de El choque de las civilizaciones. En algunos momentos, el propio Huntington me sorprendía con fragmentos como este: “la gente se define desde el punto de vista de la genealogía, la religión, la lengua, la historia, los valores, costumbres e instituciones. Se identifican con grupos culturales, tribus, grupos étnicos, comunidades religiosas, naciones, y en el nivel más alto, civilizaciones”. Hasta aquí, no tengo objeción alguna. Pero sigamos: “La gente usa la política no solo para promover sus intereses, sino también para definir su identidad. Sabemos quiénes somos cuando sabemos quiénes no somos, y con frecuencia solo cuando sabemos contra quiénes estamos”. Hete aquí el punto que tanto revuelo provocó, al plantear los conflictos interreligiosos como prácticamente inevitables y por la dificultad para encajar algunas realidades en su esquema de civilizaciones. La idea, avanzada por el propio autor tres años antes de la publicación del libro en un artículo de la revista Foreign Affairs, consiste en señalar que la Tierra está poblada por unas pocas civilizaciones –occidental, latinoamericana, ortodoxa, africana, musulmana, sínica, budista y japonesa– que se corresponden a grandes rasgos con las principales religiones, y que se pelean entre sí. Con ese concepto, Huntington pretendía explicar los cambios sucedidos en el mundo tras la caída del muro de Berlín en 1989, que suponía también, siguiendo al autor, el final de un época marcada por los enfrentamientos ideológicos entre bloques. Desde mi particular visión Huntington creó, sin quererlo, un gran impacto.

"Álbum del mes: EQUIPOISE" AGOSTO'09

2009-08-19T18:19:00.004+02:00

Este mes me he dejado llevar por el ritmo pianístico de Stanley Cowell. En 1979, Cowell publicó Equipoise, un elepé fantástico en el que está acompañado por el bajista Cecil McBee y el batería Roy Haynes (no es de extrañar que sea un álbum con mucha clase y francamente recomendable). La canción que abre este magnífico trabajo se denomina igual que el presente álbum Equipoise --compuesta por el propio Stanley--. Quisiera destacar dos de las composiciones de este elepé, Lady Blue y Dr. Jackle, creadas por Cecil McBee y el célebre saxofonista Jackie McLean, respectivamente. De todo el disco es muy probable que el pellizqueo de cuerdas de McBee sea lo que más admiro. Debo confesar que es uno de mis bajistas favoritos. Del propio Cowell y Roy Haynes, qué puedo decir, son dos maestros con mayúsculas del arte jazzístico. Sin duda alguna, estamos ante un perfecto disco para disfrutar de una buena lectura o de una cena entre amigos o, simplemente, tomando una copa de buen vino mirando el atardecer. ¡Qué gozadaaaa!

¿Qué como descubrí este trabajo de Stanley Cowell? La culpa la tiene el genio y figura de Art Pepper. Cowell, McBee y Haynes fueron la base del álbum Today --a día de hoy, uno de los cinco mejores discos que poseo, a mi parecer--. No es casualidad que este álbum del mes sea una joya más que añadir a vuestra discoteca. Espero que lo busquéis, escuchéis y disfrutéis. Ciao!

El "jinetito" polaco

2009-08-13T19:35:00.007+02:00

No se asusten. Esto no es una copia barata de la fantástica novela de Antonio Muñoz Molina, El jinete polaco, no. Tras mi paso por tierras venecianas me dirigí al país de un personaje petulante, altanero y ciertamente inmaduro. Amante de lo extravagante, lo folklórico y lo inacabado. Pero no por eso debemos caer en la tentación de tildarlo de alocado. Fue una persona sencilla, lo cual nos deja entrever una gran complejidad en su mundo, lleno de contradicciones propias del mundo post-moderno. Hablo un ser liberal e individualista, que creó un estilo propio hasta tal extremo que en su caso podríamos hablar de: “el estilo es el hombre”. Me refiero a mi querido Witold Gombrowicz.
Viajé a Polonia para obtener una mirada subjetiva de sus gentes. La impresión que me llevé fue sorprendente. La amabilidad hacía acto de presencia en cada rincón. Algo que puede resultar extraño si uno se detiene y reflexiona sobre la historia contemporánea del país del autor de Ferdydurke. Mucho dolor hubo en estas tierras. Los campos de concentración más famosos que levantaron los alemanes recordemos que fueron aquí. Me dan escalofríos tan solo pensarlo. Pero bueno, dejemos a un lado esta imagen tan desoladora y centrémonos en el resto de sensaciones vividas durante los seis días que me perdí junto a mi hermana y un grupo de amigos en La jungla polaca (título de un libro del célebre periodista Ryszard Kapuściński, que retrata la Polonia de la década de los años 70, muy recomendable). De entre las tres ciudades visitadas, me quedo, al igual que los propios polacos según pude constatar, con Cracovia. Una ciudad viva en la que se palpa la cultura por sus calles empedradas y que sirve como motor creativo del país (al menos, eso pienso yo). Pese a que la mayoría de sus edificios son de construcción soviética (es decir, horrorosos), tiene algunas casas de principios de finales del siglo XIX y principios del XX que evocan aquellas épocas en las que las reuniones intelectuales en los cafés, los agradables paseos a caballo y los respectivos saludos cordiales entre ciudadanos de a pie, eran una constante que por desgracia se ha perdido hoy día. En Cracovia, aún hay algo de esa esencia. Por poner un ejemplo, me encontré en la zona céntrica del Stare Miasto, una de esas pequeñas alegrías que vienen personificadas en forma de librería. Hablo de la Librería Española. Un local en el que poder encontrar obras en español de autores polacos, además de manuales de traducción polaco-español, y otras lecturas de diversos artistas del mundo. No pude resistirme y compré una obra de Gombrowicz, Trans-Atlántico, en la que el autor ofrece una mirada sobre Polonia desde Argentina. Como podrán imaginar, leer sobre Polonia, por medio de un autor polaco, en la propia Polonia, fue maravilloso. Y para más inri, no pude contener la tentación de buscar un cedé de jazz del pianista polaco Marcin Wasilewski. Era una necesidad imperiosa.
Varsovia, capital del país, es a mi parecer demasiado grande y con contrucciones demasiado modernas, que rompen un poco con el esquema de la ciudad antigua. Aunque recordemos que fue práctimanente destruida durante la II Guerra Mundial. El ambiente cultural que mencionaba de Cracovia, aquí no lo sentí. Quizás fuera el cansancio. Me quedo como es obvio, con el casco antiguo, repleto de casas pintadas de diferentes colores, y en el que pude disfrutar de cinco minutos de un concierto de jazz que ofrecían en la zona de la Rynek Starego Miasta.
De Poznan, decir que tuvimos tan solo una tarde para poder callejear, por lo que no puedo decir mucho. Eso sí, el casco antiguo también resultó muy agradable de visitar.
En definitiva, Polonia me gustó, y mucho. Animo a todo/a lector/a a que visite el país de Chopin, Marie Curie, Copérnico... Aby wyświetlić znajomych!!!

Biennale y ale y ale

2009-08-01T12:09:00.007+02:00

Resultado? Satisfactorio. El viaje fue, pese a unos pequeños problemas de salud y retrasos aéreos, enriquecedor. Venecia es, sin duda alguna, uno de aquellos parajes extraños y atractivos que ofrecen, aunque quizá demasiado, actividades variopintas para todo tipo de público. En mi caso y en el mi sister, la ciudad natal de Il Petre Rosso, esto es, Antonio Vivaldi, el arte contemporáneo era nuestro motivo para pasar unos días. La Biennale di Venezia resultó una grata sorpresa. Su sistema de presentación de las obras artísticas, en pabellones divididos por los países representantes en tal evento, es bastante mejor de lo que me esperaba. Acostumbrado a las paredes de pladur de ARCOMadrid o la Bienal de Valencia, las edificaciones que nos encontramos en los parques venecianos y en algunos de sus palazzos, forman parte importante de toda la representación. De entre todas las obras que pude ver y fotografiar (que fueron mogollón), me quedo con Egipto, con los artistas Almand Askalany y Adel el Siwi. Me gustaron muchísimo. Destacar también obras de Michelangelo Pistoletto (miembro del cómite de selección de los artistas del 5X5Castelló Premi Internacional d'Art Contemporani), Raffie Lavie (artista israelí) o la siempre extrovertida Yoko Ono. En definitiva, mi primera visita a este centro bianual del mejor arte contemporáneo fue sobresaliente. Destacar que España promocionó a la figura de Miquel Barceló. Mi pregunta es, si hacía falta. Cada cual que opine lo que desee.

Obras de Almand Askalany y Adel el Siwi

Pavese, el escritor solitario (artículo de prensa)

2009-07-24T08:45:00.001+02:00

“De lo que era yo entonces no queda nada: apenas hombre, era aún un crío”.

Así comienza el cuento Años de Cesare Pavese. El pasado 9 de septiembre de 2008, toda Italia y gran parte de Europa celebró el cententario del nacimiento de una figura imprescindible de nuestra literatura. Escritor prolífico en prosa y verso, alma atormentada y amante desgraciado, logró crear una obra impresionante y turbadora en la que se dan cita sus demonios interiores y exteriores que asolaron física, moral y mentalmente al viejo continente en el período comprendido entre la I Guerra Mundial y la Guerra Fría.
Recuerdo cuando leí los diarios de otro gran autor, el polaco-argentino Wytold Gombrowicz –-del que siento una profunda admiración-–. Pavese y Gombrowicz fueron dos extraordinarios diaristas. Así conocí al poeta y narrador italiano. La literatura de Cesare Pavese está inundada de reflexiones sobre la soledad, pero también sobre la familia, el sexo, el amor y, sobre todo, la muerte. Su diario -–al contrario del que escribió Gombrowicz-– es reflejo del lado trágico de la vida que siempre le persiguió. De hecho, el propio Pavese definió en él al suicidio como “un homicidio tímido”. Este hecho no le impidió acabar con su vida a los 41 años en un hotel de Turín, su ciudad natal y literaria. Un trágico suceso que logró privarnos de un gran autor.
Ahora, con esta celebración, se han recuperado títulos de su obras, se realizaron actos conmemorativos y -–como nota curiosa-– han dedicado un sello. Descrito por el escritor teatral Renzo Sicco como uno de los poetas “con el coraje suficiente para interrogar sobre las cosas”, Pavese es conocido por títulos como Paesi tuoi (Pueblos tuyos), Feria de Agosto, El compañero o La luna y la hoguera. Dos días antes de morir, publicó en la prensa italiana sus últimas palabras: “No más palabras, sólo un gesto. Nunca volveré a escribir”. Se unió así a la larga lista de escritores y artistas a quienes una mórbida sensibilidad los condujo a su auto-extinción. Ernest Hemingway se voló la cabeza con una escopeta de caza y Serguei Esenin se ahorcó. Virginia Wolf se adentró en un río con los bolsillos cargados de piedras para sumergirse mejor y Hart Crane se tiró por la borde de un barco mientras navegaba por el Caribe. Van Gogh se descargó un balazo en la cabeza, tras haberse cortado una oreja, años antes y Malcolm Lowry se saturó de estupefacientes tras una riña con su compañera. Maiacovsky terminó su vida con un disparo al corazón. Paradojas de la vida que uno no logra comprender en su plenitud. Sin embargo, siempre nos quedará su obra y por eso, desde aquí me uno a este sentido homenaje a un escritor universal.

“Llegará el día en que el joven dios será un hombre, / sin pena, con la apagada sonrisa / del hombre que ha comprendido. Incluso el sol se mueve, lejano, / sofocando las playas. Llegará el día en que el dios / ya no sabrá dónde estaban las playas de antaño”, escribía Cesare Pavese en su obra Mito. Versos con una gran carga, sensibles, que nos transportan a ese rincón de la soledad del autor italiano.

"Álbum del mes: CANDY" JULIO'09

2009-07-22T23:17:00.003+02:00

En esta época del año, en el que "la caló" nos acecha allá por donde uno va, qué mejor bálsamo que la preciada música. Oh cuán placentero es! Y como me encuentro en una situación un tanto desesperada por la necesidad de un merecido descanso vacacional, me he servido este mes de una audición exquisita --como todas las que aquí se describen--. ¿Cuál? No les dejaré más en vilo. El álbum de este mes de julius pertenece a uno de esos trompetistas que tanto nos ha dejado, sea por su arte interpretativo o por sus composiciones, Lee Morgan. Como un gran número de músicos de jazz --lástima que así fuera-- la tragedia le acompañó en vida. Pese a la brevedad de su carrera, el extraordinario trompetista pasó con todos los meritos a la historia del jazz como una de las mas importantes voces de la trompeta surgidas en la segunda mitad de los años cincuenta, con el mismo reconocimiento que Donald Byrd, o Freddie Hubbard. Tocó junto a Beny Golson, John Coltrane, Horace Silver, Dizzy Gillespie, incluso fue el trompeta de la formación Art Blakey & The Jazz Messengers durante cinco años, aunque en dos etapas distintas. Sin duda, un joven maestro, puesto que murió con tan solo 34 años.
El 19 de febrero de 1972, Lee Morgan y su quinteto estaban actuando en el club Slugs en la Calle 3ª, al sureste de Manhattan. Aquella noche se presentó en el local su compañera sentimental de la que se había separado recientemente. Discutieron en la barra del bar de forma acalorada, y al poco la mujer se marchó. No consiguió convencer a Lee de que volviera con ella. Al rato, Helen More, que así se llamaba la mujer, volvió al local y en pleno escenario, cuando Morgan tocaba su último tema, sacó de su bolso un revolver calibre 32 con el que mató al músico de un certero y trágico disparo. Eran las 2:45 de la madrugada y Morgan falleció de un balazo en el corazón. Como ven, otra de las tragedias del jazz. Sin embargo, logró crear un estilo propio y realizar grabaciones impresionantes, de entre las que destaca este Candy de 1957, en el que se rodea con Sonny Clark, al piano; Doug Watkins, en el contrabajo; y Art Taylor, en la batería. De entre todo el álbum, me quedo con la canción Since i fell for you. Os dejo un vídeo que corresponde a un recopiltorio de la Blue Note Records. Espero que os guste.

Le clan Savall

2009-07-21T09:32:00.007+02:00

Al desembre de l'any 2007 vaig tenir l'oportunitat d'entrevistar a un d'aquells personatges que hipnotitzen, sigui pel to de la seva veu, la seva presència, el seu art... Entrevistar és una tasca complicada però molt satisfactòria i enriquidora. He de confessar que sóc un privilegiat per tenir l'oportunitat --qui sap si única-- de trobar-me cara a cara amb alguns dels personatges més importants del panorama cultural actual. Aquest va ser el cas del músic Jordi Savall, al que li professo un gran respecte i una admiració que no puc relatar-los en aquestes poques paraules. Recentment, l'intèrpret de música antiga i barroca, investigador i docent, va ser guardonat amb el Premi Nacional de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Una condecoració més a la seva nodrida trajectòria. Jordi Savall ha posat de manifest en diverses ocasions que "la música antiga no és cosa del passat, ni és privilegi d'uns quants iniciats; ara per ara, la música antiga és demandada i degustada per un públic cada vegada més jove i més nombrós". Afegia també que "el futur de la música clàssica està en el mestissatge". Savall duu més de trenta anys donant a conèixer al món meravelles musicals abandonades en la foscor de la indiferència. Per a la conservació d'aquestes músiques mil.lenàries, d'extraordinària bellesa i expressivitat, Jordi Savall i Montserrat Figueres --la seva dona-- van crear la Fundació Centre Internacional de Música Antiga (CIM).

Parlar avui dia del cognom Savall és parlar d'una figura indispensable en el món de la música. A més, la soprano Montserrat Figueres, és un un referent essencial en la interpretació vocal de les èpoques medieval, renaixentista i barroca. Amb tot, de la unió d'ambdós salvaguardes de la música sorgirien els seus dos fills: Arianna i Ferrán. Arianna Savall s'ha convertit en una de les joves veus sopranos de major prestigi, a més de ser una harpista reconeguda. Ferrán, amb una veu tènue, també ha desenvolupat una gran carrera musical que ha unit juntament amb la interpretació d'un instrument poc usual: la tiorba. En definitiva, la Família Savall conformen tot un referent musical.

50 años de gloria

2009-07-19T20:39:00.005+02:00

Reconozco que soy un ser afortunado. En primer lugar, por formar parte de una familia en la que siempre ha estado presente la música, la buena música. Después, por haber tenido la suerte de encontrar un trabajo que, pese a darme algún que otro quebradero de cabeza, me ha permitido asistir a grandes conciertos que, en otras ocasiones, no me hubiera podido permitir. Finalmente, soy afortunado por saber degustar aquellos pequeños placeres que me proporciona la vida, como es el jazz. Algunos de vosotros, queridos lectores, ya estaréis pensando qué plasta el tío este y sus mamarrachadas del mundo jazzístico, de tal o cual músico, de esa canción o melodía... Pues sí, y a mucha honra!!! Y debo hacerlo porque es superior a mis fuerzas. Además, me gusta compartir con ustedes/vosotros la alegría de vivir (elé, arsa quillo).

Deciros mis fieles seguidores que el pasado 17 de julio, yo y mi pater asistimos a uno de esos acontecimientos que le dejan a uno medio atontado por el puro placer de sentir, en su propia carne, la mágica experiencia de escuchar en vivo y en directo el álbum más famoso y maravilloso de la historia del jazz. Sí, sí. Han acertado! Se trata del Kind of Blue de Miles Davis. El único superviviente de la célebre grabación, el batería Jimmy Cobb, está realizando una gira conmemorando el 50º aniversario de tan destacada fecha. El Palau de Congressos de Peñíscola pudo vibrar con el Kind of Blue at 50 featuring Jimmy Cobb's So What Band. Así, Cobb vino acompañado de Wallace Roney, a la trompeta; Vincent Herring, al saxo alto; Javon Jackson, al saxo tenor; Larry Willis, al piano; y Buster Williams, en el contrabajo. No hace falta que os diga que Jimmy Cobb es una leyenda viva del jazz. Y yo, gracias a quien o lo que sea, he podido deleitarme con él. Una sensación espectacular para un fanático del jazz como creo que soy. Deciros que por momentos creí estar viendo a Miles Davis, John Coltrane, "Cannonball" Adderley, Bill Evans, Wynton Kelly y Paul Chambers en directo. Los muertos resucitaron por un día, y yo pude compartir con ellos un momento inolvidable. Sin ir más lejos, os dejo con la canción Freddie Freeloder, segunda del disco. Espero la disfruten y que no les crezcan los dientes por envidia. Mi intención no es regodearme. Más bien, quiero compartir con todos mi júbilo y alegría por ser el pseudohombre afortunado que soy.